Agenda
Carmen Isasi (julio 26, 2022 12:46 pm)
Jhafis Quintero (septiembre 30, 2022 12:00 pm)

Evento de desarrolladores de videojuegos independientes

Reserva tu entrada


Precio 8,00 Eur
Sábado 22 Octubre 19:00h
Para reservar escribe un correo a info@arthousemadrid.es con tu nombre y número de entradas.
Puedes abonarlas y recogerlas en el museo hasta 30min antes de comenzar el evento. La entrada incluye la visita a las exposiciones del Museo por lo que te recomendamos venir antes. Al terminar el evento el museo ya estará cerrado.

P. E. P. A. Pequeño Evento de Performance Art es un evento de performance en Madrid que surge de la iniciativa de la artista de performance Analía Beltrán i Janés que pretende cubrir la necesidad en Madrid de eventos de arte de acción con una continuidad en el tiempo. En su formato online PEPA ha sido co-dirigido con la también artista de performance Verónica Peña. PEPA es un lugar de encuentro para el arte de performance que intenta ofrecer en cada edición un elenco variado de artistas combinando performers de larga trayectoria con artistas emergentes, así como artistas nacionales e internacionales. Con una periodicidad más o menos mensual lleva desde enero de 2018 programando encuentro con la finalidad de dar a conocer y difundir el arte de acción en Madrid, con alguna escapada a otros lugares de España.

Los artistas que presentarán su trabajo en esta ocasión son: KAMIL GUENATRIFRANZISCA SIEGRIST, JUDIT CHULIÀ ORDUÑA – HINA VAGINA y VIRGINIA JORDÁ.

KAMIL GUENATRI

Nacido en Argelia en 1984, vive y trabaja en Francia. Estudió ingeniería de sistemas y luego, en 2009, se unió al estudio de poesía y artes escénicas de la Universidad Mirail. Desde 2010 presenta varias performances, exposiciones multimedia, entre ellas The Regional Contemporary Art Fund – Les Abattoirs en Toulouse, el Mes Internacional del Arte de Performance en Berlín y otros festivales internacionales en España, Inglaterra, Suiza, Portugal, República Checa, Polonia, Colombia. y Estados Unidos.

Presenta la obra: “COLORIS CORPUS #0”

Un diálogo entre el cuerpo y el color como elemento físico en sustancia material o simbólica. En este ciclo trato de explorar un lenguaje cromático de objetos y acciones creando secuencias en situaciones dispuestas en oposición y complementariedad. De esta forma, el cuerpo se fusiona y la experiencia con el público se convierte en un adorno de patrones.

Kamil-guenatri.fr

VIRGINIA JORDÁ

Presenta la obra: (No) es fácil”

La obra de Virginia Jordá está marcada por sus experiencias personales como persona adoptada, mostrando predilección por las vivencias del pasado y por cómo éstas nos forman como individuos únicos. En sus últimos trabajos se centra en temas como la búsqueda de identidad, los vínculos afectivos y la violencia sexual siendo uno de sus objetivos dar visibilidad a temas que en muchas ocasiones permanecen a la sombra de la sociedad. A lo largo de su carrera se ha especializado en cerámica artística y en el arte de acción o performance art. Medios con los que ha encontrado el lenguaje que más se adecúa a su forma de sentir y presentar conceptos como la fragilidad, el vacío y las cicatrices en la materia.

https://www.virginiajorda.com

https://www.facebook.com/virginia.jorda.art

@virginia.jorda

FRANZISCA SIEGRIST

Franzisca Siegrist (1984). Artista visual. Nació en Suiza, creció en Canarias (La Palma) y tiene su base principal en Noruega. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna (2008). Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia (2010). Su obra se centra en lo preformativo, creando performances en vivo, instalaciones, videos y fotografías. Ha mostrado su trabajo en numerosos países Europeos, en EE.UU., Singapur, Tailandia y China.

Presenta la obra: “Δx=xf−x0 (desplazamiento)”

Mi trabajo se centra en temáticas como el hogar, la identidad y el sentido de pertenencia en su perspectiva más amplia, haciéndome preguntas que están relacionadas con mis antecedentes, la vida cotidiana y cómo estas reflejan aspectos específicos de la sociedad en la que vivimos.

Δx=xf−x0 es la fórmula utilizada en física para definir el concepto de desplazamiento. Se denomina desplazamiento al cambio de posición que experimenta un cuerpo, desde un punto inicial A, hasta un punto final B, a través del movimiento.

www.franzisca-siegrist.com

@franzisca_siegrist

JUDIT CHULIÀ ORDUÑA – HINA VAGINA

Palau-solità i Plegamans, Barcelona 1994

Soy una artista multidisciplinar que centro mi práctica en problemáticas contemporáneas a través de la pintura, la instalación artística, el vídeo y la performance. En muchas ocasiones he traído la performance al mundo rural en diferentes actos feministas. He participado en numerosas exposiciones colectivas en Barcelona, Madrid y Paris.

Presenta la obra:  “La piel”

Actualmente trabajo en la simbiosis que se da entre performance, video, el mundo rural, la cotidianidad, el cuerpo y las relaciones íntimas sociales. En la pieza “La piel” utilizo mi piel como máscara del cuerpo, conecto sus similitudes con la piel humana, dejando expuesta otra piel explotada, mercantilizada, sometida y violentada, igual que el consumo del animal y al mismo cuerpo humano.

www.instagram.com/hina.vagina

www.vimeo.com/hinavagina

Reserva tu entrada


Precio 8,00 Eur
Sábado 22 Octubre 19:00h
Para reservar escribe un correo a info@arthousemadrid.es con tu nombre y número de entradas.
Puedes abonarlas y recogerlas en el museo hasta 30min antes de comenzar el evento. La entrada incluye la visita a las exposiciones del Museo por lo que te recomendamos venir antes. Al terminar el evento el museo ya estará cerrado.

Próxima exposición 2023

Taller con Margarita Aizpuru

Curso/Taller de Margarita Aizpuru (Proyecto y docencia). Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, docente, directora, experta en nuevas tendencia de arte contemporáneo, arte, género y  feminismo, performance, videoarte y fotografía expandida. Ha sido directora de la Bienal de performance de Granada y de las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía (ver curriculum al final)

Programación y Espacio: La Neomudéjar (ArtHouse)

El curso-taller consta de 5 días de temario intensivo, 4 horas diarias,  y un concurso de selección de hasta 4 proyectos de performances, elegidos por Margarita Aizpuru, para ser realizados en el CICLO PERFORMANCE GÉNERO Y FEMINISMOS a realizar en La Neomudéjar, formando parte de las prácticas del Curso-Taller noviembre de este año 2022.

Total de horas y horario Curso/Taller: 20 horas, 5 días a 4 horas diarias (con descanso de 20 minutos), miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo, de 17 h a 21 h, del l 23 al 27 de noviembre de 2022, ambos días inclusive.

Lugar: Museo La Neomudéjar,   C. de Antonio Nebrija, S/N, 28007 Madrid
 Email contacto: info@arthousemadrid.es
Matrícula curso: 130 euros

 

Como realizar la matrícula:
Para aquella persona interesada en inscribirse en el curso, dirigirse a Margarita Aizpuru, margaaizpuru@gmail.com

Certificado del curso: Se expedirán los correspondientes certificados del curso, firmado por un representante de la institución y por la profesora del curso.

 

PRESENTACIÓN

El contenido del curso versará sobre los aspectos conceptuales, visuales, teóricos y prácticos de la performance en interrelación con los discursos y las prácticas feministas y de género.

Desde los orígenes de la performance, y el arte corporal en general, hasta estos últimos años en los cuales hemos asistido a un revival de esta práctica artística, diferentes generaciones de creadoras han desarrollado mecanismos y lenguajes, y han abierto caminos tan específicos y contundentes en el territorio de la performance como para que pueda hablarse de la importancia, en la evolución de la misma, de la presencia femenina e incluso de performances feministas.

Ese contexto feminista, y sus discursos sobre el cuerpo, en unas primeras décadas, a los que habría que añadir el paradigma de la identidad de género a partir de los años 80, coinciden con un cambio de actitud en el arte.

Al final de la década de los sesenta y comienzos de los setenta, a la vez que en el mundo del arte se generaliza la reacción contra el objeto artístico, se expanden las acciones, las mujeres representaron los procesos por los que atraviesan sus propios cuerpos, explorándose las relaciones entre el cuerpo de la mujer como sujeto y como objeto social.

Después de 1970, muchas mujeres desarrollaron obras específicamente feministas. Se produjo un incremento de trabajos que reinsertaron las experiencias del ser mujer en la práctica del arte.

A partir de la segunda mitad de los ochenta, y sobre todo en los noventa se van a ir produciendo cambios en el sentido de la apertura a una nueva estética que redescubre los happenings y la performance. Muchas performers de hoy en día están reanalizando conceptos tanto en relación a ellas mismas y al cuerpo como respecto a los medios y los ámbitos a través y mediante los cuales las performances se realizan, suponiendo unos aportes esenciales a esta importante área artística.

Por todo ello se dará a conocer a lxs alumnxs lo que ha supuesto la performance realizada por mujeres artistas desde ópticas de género y prácticas feministas. Y ello realizando un recorrido teórico-práctico, con numerosas visualizaciones en clase, que se explicarán y serán analizadas y debatidas, de performances llevadas a cabo por las artistas, en sus distintas tendencias, planteamientos y prácticas, desde los años sesenta y hasta ahora mismo, tanto a nivel de nuestro país, como internacional.

DESTINATARIXS-ALUMNXS Y OBJETIVOS

Podrán participar como alumnxs todas las personas que lo deseen, siempre que se cumpla con los requisitos de matriculación que se indican.

Y, específicamente está pensado y estructurado para artistas visuales y escénicos, licenciados y postgrados  de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Estética, Comunicación Audiovisual, Publicidad, Cine o Medios Audiovisuales y Centros de Formación que integren enseñanzas relacionadas con la creación artística, entre otras materias. Así como para gestores culturales, comisarios, coordinadores de exposiciones y actividades, profesores de arte, diseñadores de las diferentes especialidades, y a todas aquellas personas vinculadas al mundo artístico o interesadas en el mundo de la imagen contemporánea artística.

El objetivo fundamental del curso es informar/formar en el ámbito del de la performance desde perspectivas artísticas, de género y feministas, y ello en base al programa del curso que sigue a continuación, haciendo hincapié en el estudio del desarrollo histórico, de mujeres artistas y tendencias de la performance, sus fusiones y mestizajes con otras áreas artísticas y su exhibición en diferentes espacios y modalidades de intervención y exhibición.

Dicha información y formación se llevará a cabo por la profesora del curso/taller que impartirá ella misma, incorporándose unas prácticas de performances, mediante un concurso entre lxs alumnxs del mismo, de los cuales Margarita Aizpuru seleccionará 4 proyectos de performances para ser realzados en La Neomudéjar, dentro de un Ciclo organizado a tal fin.

Margarita Aizpuru

Doctora en Geografía e Historia, especialidad de Historia del Arte, por la Universidad de  Sevilla. Ha sido profesora asociada en la Universidad Carlos III de Madrid, en las asignaturas de Introducción al Arte Contemporáneo e Historia del Cine. Actualmente es profesora asociada en la Universidad de Salamanca, de Fotografía Artística. Habitualmente imparte cursos en universidades privadas como la Universidad Antonio de Nebrija, Fundación Claves de Arte, o colaboraciones en las públicas como la UIMP o la Universidad de Sevilla, entre otras, así como en diversas entidades privadas y fundaciones impartiendo talleres, cursos y conferencias en diferentes campos del arte contemporáneo.

Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, ha sido programadora de artes plásticas de la Casa de América de   Madrid en el año 2003 y 2004 y del área “Zona Emergente” en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, desde 1999 hasta el año 2003, ambos inclusive.  Trabajó en el Departamento de exposiciones temporales del Centro Georges Pompidou y en la Fondation Cartier de París en los años 90. Experta en nuevas tendencias de arte contemporáneo, en arte y género, performance y videoarte.  Ha comisariado numerosas exposiciones y actividades artísticas como comisaria independiente desde inicio de la década del 2000 del siglo XX tanto en España, como Francia, Marruecos y diversos países latinoamericanos. Además ha dirigido festivales de arte de acción/performances, numerosos ciclos y muestras de video, las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía, y una Bienal de Performance en Granada.

Así mismo es crítica de arte independiente y asidua conferenciante, profesora de cursos y talleres de arte contemporáneo, de comisariado, performance, arte y género, y videoarte entre otros. Y ha sido miembro de numerosos jurados.

En el año 2018 recibió el premio MAV a la teórica y gestora del año. Y actualmente forma parte del Consejo Asesor de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), la asociación de mujeres en las artes más importante y numerosa del Estado español.

Los discursos y análisis de performances y obras performativas irán acompañados de visualización de performances de distintas artistas en vídeo (DVD) y proyecciones fijas, que servirá de base documental al debate y discusión que acompañarán en todo momento al curso.

A partir del 25 de Noviembre de 2022

 

(English bellow)

MUJER/MÁQUINA/FÁBRICA

una exposición de archivo

Una fotografía de las trabajadoras de la fábrica de sacos de Vitoria-Gasteiz, es el detonante de esta propuesta sobre perversión archivística, que se realizará del 25 noviembre de 2022 al 2 de enero de 2023, en el Museo Centro de Artes de Vanguardia La Neomudéjar en Madrid. La plantilla de la fábrica de sacos (La Carmela, y posteriormente RICA S.A.) estaba compuesta mayormente por mujeres que no habían tenido mucha suerte en la vida: viudas, “solteronas” y madres solteras, sus rostros que nos miran seriamente en la actualidad, nos hicieron pensar sobre la supuesta realización vital de las mujeres al trabajar por dinero fuera del entorno doméstico, y cómo llegaron estas mujeres a conseguir trabajo en las fábricas.

Esta exposición está basada en material de tres archivos importantes: Fototeka de la Fundación Kutxa de Donostia, el Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz y el Archivo Municipal de Bilbao, que ofrecido a once artistas actuales para su reinterpretación,  tiene como objetivo construir otra línea narrativa dentro de la memoria obrera basada en la observación de las imágenes. Desde las cigarreras a las trabajadoras del textil a principios del siglo XX, hasta las recientes movilizaciones de las cuidadoras, hasta las actuales manifestaciones del 8 de marzo, en las que las pancartas feministas sobre identidad se imponen por contundencia y cantidad sobre otros derechos puramente laborales, la organización de las mujeres en sus trabajos desborda el contexto laboral, y despliega una agenda que va más allá de las reivindicaciones tradicionales sobre el salario. Trabajo y vida se unen de forma intrincada, bien por contextos empobrecidos, bien por contextos intelectuales. Y decimos tradicionales, porque la condición de obreras, parece igualar situaciones sociales y necesidades. ¿Es lo mismo una obrera que un obrero? ¿responden a la misma realidad social? ¿tienen las mismas necesidades? En el relato fotográfico encontramos un camino para llegar a la actualidad y comprender cómo el concepto del trabajo se ha construido en base a narrativas ya predispuestas: qué es un trabajo digno, cuanto se cobra la hora, que es el convenio correspondiente, cuantas son las horas semanales, que es el tiempo libre, ¿tiempo que no se trabaja?. Y en base a eso juzgamos la realidad de nuestros trabajos. Pero al ver el origen de la condición obrera femenina, vemos la necesidad de plantearnos el concepto en sí.

Para entender el origen de la relación del movimiento obrero con las mujeres, hay que tener en cuenta dos cosas: la cultura de familia que se basa en la idea de que los hombres tienen que ser capaces de ganar el sueldo para la familia, y que por eso se daba prioridad a que fueran ellos quienes tuvieran trabajo, y las acciones por las que, cuando se trata de mujeres y trabajo, protegerlas era aplicar los “cuidados” que los hombres pedían para sí mismos.

Aunque los relatos sobre el movimiento obrero han eclipsado la presencia de las mujeres en huelgas, su participación va más allá de la anécdota. El escenario, entonces, es que hay pocas mujeres en el mercado formal, que además son invisibles en las fuentes de documentación, y que, a pesar de todo, tienen una importancia grande en la organización del conflicto. Esta exposición no reivindica parámetros sindicales, no protesta sobre las condiciones, ni romantiza un movimiento obrero casi inexistente en la actualidad: sino que es una pregunta: ¿Nos sirven las definiciones actuales de trabajo? ¿qué nos define como trabajadoras? Mujer_Máquina_Fábrica es el inicio de un trabajo de investigación fotográfica sobre qué es el trabajo.

En esta exposición participan: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz y Zaloa Ipiña. Esta comisariada por Sara Berasaluce y Tamara Garcia Iglesias, que componen el colectivo ARTXIBO kolektiboa, y tiene el apoyo del Programa Eremuak de Tabakalera de Donosti, MAV - Mujeres en las Artes Visuales, Kutxateka de Kutxa Fundazioa, Diputación Foral de Guipúzcoa y el Ministerio de Cultura y Deporte. En colaboración con Francisco Brives y Néstor Prieto del Museo La Neomudéjar de Madrid.

EMAKUMEA/MAKINA/FABRIKA

artxibo-erakusketa bat

Gasteizko zaku-fabrikako emakume langileen argazki bat da perbertsio artxibistikoari buruzko proposamen honen eragilea. 2022ko azaroaren 25etik 2023ko urtarrilaren 2ra egingo da, Madrilgo Vanguardia La Neomudéjar Arte Zentroan. Zaku-fabrikako (La Carmela, eta, ondoren, RICA S.A.) langile gehienak bizitzan zorte handirik izan ez zuten emakumeak ziren: alargunak, “neskazaharrak” eta ama ezkongabeak, gaur egun serioski begiratzen diguten aurpegiak, emakumeek etxeko ingurunetik kanpo diruagatik lan egitean bizi izan zuten ustezko gauzatzeari buruz pentsarazi ziguten, baita emakume horiek lantegietan lana lortzera nola iritsi ziren ere.

Erakusketa hau hiru artxibo garrantzitsuren materialean oinarrituta dago: Donostiako Kutxa Fundazioaren Fototeka, Gasteizko Udal Artxiboa eta Bilboko Udal Artxiboa, egungo hamaika artistari berrinterpretaziorako eskainia. Langileen memoriaren barruan beste ildo narratibo bat eraikitzea du helburu, irudien behaketan oinarrituta. XX. mendearen hasieran ehungintzako langileei egindako zigarro-lantegietatik hasi eta zaintzaileen azken mobilizazioetaraino, eta martxoaren 8ko manifestazioetaraino, non nortasunari buruzko pankarta feministak beste lan-eskubide hutsei buruzko irmotasunez eta kantitatez nagusitzen diren, emakumeek beren lanetan duten antolaketak lan-testuingurua gainditzen duen eta soldatari buruzko aldarrikapen tradizionaletatik haratago doan agenda bat hedatzen duen. Lana eta bizitza modu korapilatsuan batzen dira, bai testuinguru pobretuetan, bai testuinguru intelektualetan. Eta tradizionalak esaten dugu, langile izateak gizarte-egoerak eta premiak berdintzen dituela dirudielako. Gauza bera al dira langile gizon bat eta langile emakume bat? Errealitate sozial berari erantzuten al diote? Behar berberak al dituzte? Argazki-kontakizunean bide bat aurkitzen dugu gaurkotasunera iristeko eta lanaren kontzeptua aldez aurretik prestatutako narrazioetan oinarrituta nola eraiki den ulertzeko: zer den lan duina, zenbat kobratzen den ordua, zer den dagokion hitzarmena, zenbat diren asteko orduak, hau da, astialdia, lan egiten ez den denbora da?. Eta horretan oinarrituta epaitzen dugu gure lanen errealitatea. Baina langile femeninoaren kondizioaren jatorria ikustean, adigaia bere baitan planteatzeko beharra ikusten dugu.

Langile-mugimenduak emakumeekin duen harremanaren jatorria ulertzeko, bi gauza hartu behar dira kontuan: familiaren kultura, gizonek familiarentzako soldata irabazteko gai izan behar dutelako ideian oinarritzen dena, eta horregatik lehentasuna ematen zitzaiona haiek lana izateari, eta, emakumeak eta lana direnean, haiek babesteko ekintzak, gizonek beren buruarentzat eskatzen zituzten zaintzak aplikatzea.

Langileen mugimenduari buruzko kontakizunek emakumeen presentzia grebetan eklipsatu duten arren, haien parte-hartzea anekdotatik haratago doa. Orduan, kontua da emakume gutxi daudela merkatu formalean, dokumentazio-iturrietan ikusezinak direnak eta, hala eta guztiz ere, gatazkaren antolaketan garrantzi handia dutenak. Azalpen honek ez ditu parametro sindikalak aldarrikatzen, ez ditu baldintzak salatzen, eta ez du gaur egun ia existitzen ez den langile-mugimendu bat erromantizatzen. Galdera da: egungo lan-definizioek balio digute? Zerk definitzen gaitu langile gisa? Emakumea_Makina_Fabrika lana zer den azaltzen duen argazki-ikerketa baten hasiera da.

Erakusketa honetan parte hartzen dute: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocio Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz eta Zaloa Ipiña. Sara Berasalucek eta Tamara Garcia Iglesiasek ARTXIBO kolektiboa osatzen dutenak, erakusketa eta proiektua kudeatzen dute, eta honako hauen babesa du: Tabakalerako Eremuak Programa (Donostia), MAV – Emakumeak Ikusizko Arteetan, Kutxa Fundazioaren Fototeka, Gipuzkoako Foru Aldundia eta Kultura eta Kirol Ministerioa. Madrilgo La Neomudéjar Museoko Francisco Brives eta Nestor Prietorekin lankidetzan.

Sara Berasaluce y Tamara Garcia Iglesias

WOMAN/MACHINE/FACTORY

an archival exhibition

A photograph of the women workers of the Vitoria-Gasteiz sack factory is the starting point for this proposal on archival perversion, which will be presented from November 25, 2022 to January 2, 2023, at the Museo Centro de Artes de Vanguardia La Neomudéjar in Madrid. The staff of the sack factory (La Carmela and later RICA S.A.) was composed mostly of women who had not had much luck in life: widows, "spinsters" and single mothers, their faces that look seriously at us today, made us think about the supposed vital fulfillment of women working for money outside the domestic environment, and how these women came to get jobs in the factories.

 

This exhibition is based on material from three important archives: Fototeka of the Kutxa Foundation of Donostia, the Municipal Archive of Vitoria-Gasteiz and the Municipal Archive of Bilbao, which offered to eleven current artists for reinterpretation, aims to build another narrative line within the working-class memory based on the observation of the images. From the cigarette makers to the textile workers in the early twentieth century, to the recent mobilizations of the care workers, to the current demonstrations of March 8, in which feminist banners on identity are imposed by forcefulness and quantity over other purely labor rights. The organization of women in their jobs goes beyond the labor context, and displays an agenda that goes beyond traditional salary demands. Work and life are intricately linked, either by pauperized contexts or by intellectual contexts. And we say traditional, because the condition of workers seems to equalize social situations and needs. Is a worker the same as a worker? do they respond to the same social reality? do they have the same needs? (can the needs of human beings be equalized?). ) In the photographic story we find a way to reach the present day and understand how the concept of work has been constructed on the basis of narratives already predisposed: what is a dignified job, how much is an hourly salary, what is the corresponding contract, how many are the weekly hours, what is free time (time that is not worked?). And based on that we judge the reality of our jobs. But when we look at the origin of the female working condition, we see the need to consider the concept itself.

To understand the origin of the labor movement's relationship with women, two things must be taken into account: the family culture based on the idea that men have to be able to earn the salary for the family, and that is why priority was given to them having jobs, and the actions by which, when it comes to women and work, to protect them was to apply the "care" that men demanded for themselves.

The narratives about the labor movement have eclipsed the presence of women in strikes, their participation goes beyond anecdote. The scenario, then, is that there are few women in the formal market, that they are also invisible in the documentation sources, and that, in spite of everything, they have a great importance in the organization of the conflict. This exhibition does not claim union parameters, does not protest about conditions, nor does it romanticize an almost non-existent workers' movement today: rather, it is a question: Are the current definitions of work useful to us? What defines us as workers? Mujer_Máquina_Fábrica is the beginning of a photographic research work on what work is.

Participating in this exhibition are: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz and Zaloa Ipiña. It is curated by Sara Berasaluce and Tamara Garcia Iglesias, who make up the ARTXIBO collective, and has the support of the Eremuak Program of Tabakalera de Donosti, MAV - Women in the Visual Arts, Fototeka of Kutxa Foundation, Provincial Council of Guipúzcoa and the Ministry of Culture and Sports. In collaboration with Francisco Brives and Néstor Prieto of the Museo La Neomudéjar in Madrid.

La piel a la intemperie

Del 5 de Octubre al 22 de Enero

Bajo este título, el museo La Neomudéjar trae a colación la obra de una de las artistas emblemáticas del arte contemporáneo español.

Carmen Isasi es sin duda un referente del llamado arte nuevo, ese que combina lenguajes cruzados, hibridaciones conceptuales, con una estética fruto de una tradición de vanguardia donde la voz de una mujer creadora desafía con su mera irrupción la necesaria reconfiguración de la presencia de las mujeres artistas en el ecosistema actual.  Isasi posee una larga trayectoria, bien asentada, firme y continuada en la escena madrileña. Su origen vasco y por tanto sus referencias artísticas entroncan con un arte impregnado de universalidad destacando una manera de hacer y de decir que no logra desligarse, ni lo pretende, de la tradición del arte Vasco. Como destacó en su momento el crítico Fernando Castro ante su obra "Desechos Industriales" 1992 -"Al modo benjaminiano recoge los restos descompuestos de lo real y los recompone otorgándoles nuevos sentidos."-

El lenguaje de Carmen es fluido y contundente, su obra es impecable, tanto en la ejecución como en el modo de presentarla. Exigente, minuciosa y sería es una firma que suscribe una labor entregada de muchos años, abriéndose camino desde su tierra natal hasta la capital que la acoge y donde desarrolla su trabajo. La series de obras que se presentan en esta exposición, atraviesa diferentes procesos creativos, técnicas y lenguajes, si bien la instalación, el fotocollage, el vídeo, o la performance son sus habituales lenguajes y herramientas, no podemos dejar a un lado su obra pictórica donde Carmen Isasi expande su impronta de manera excelsa en distintos soportes como la serie 'el cuerpo como prisión" donde el trabajo enfoca sobre la figura de la mujer, tema recurrente y central de su obra, la fuerza arquetípica del dolor y el sometimiento al que se han visto condenadas  la mitad de la población mundial.  Estas series, que abarcan un periodo amplísimo de su obra, desde 1989 hasta la época actual, donde Carmen muestra una madurez artística  que a tenor de su belleza (Allegans contraria non audiendus est) alcanza una más que destacada presencia en la exposición con su serie más reciente 'Deshabitadas'  una conjunto expositivo de obras de video, instalación, fotografía y fotograbado en torno a la crisis migratoria en el mediterráneo poniendo el foco en las mujeres.

Una voz creadora que atiende a las lógicas de una época, donde recoge un lenguaje propio interpelado a las derivas del mercado para que se abran nuevos ejes narrativos impregnados de una carga simbólica y emocional que nos coloca ante una creadora icónica con nombre propio.

 

Máximas de seguridad

Acercamiento a quemarropa a la obra de Jhafis Quintero

Del 5 de Octubre al 22 de Enero

La ausencia de libertad, las constricciones espaciales, la despersonalización, la incertidumbre, la falta de contacto humano, han formado parte de la experiencia vital de Jhafis Quintero y, por mucho tiempo, han sido los ejes de su práctica artística. Desde una corporalidad situada en el encierro prolongado de una prisión costarricense, la relación con su propio cuerpo se hizo más estrecha, aprendiendo a pasar tiempo a solas y a jugar consigo mismo, estudiando, a su vez, formas de cuidarse de los otros, estableciendo mecanismos de sobrevivencia y adaptación, maniobras de resilencia y acciones de reconstitución de la propia psiquis.

En este conjunto de obras Jhafis Quintero nos introduce a su personalísimo universo vital. El artista ha construido un lenguaje particular a partir del cual nos hace partícipes de lo vivido y aprehendido en el escalofriante rigor de la celda. Pone en relación con los espectadores, los códigos, los secretos y el metalenguaje utilizado durante su reclusión para hacer contacto con el(los) otro(s) e impedir la alienación de su propia humanidad.

La materialidad de su obra nos aproxima a los creativos dispositivos generados por necesidades coyunturales que nos hablan de un idioma secreto, paralelo, una jerga oculta revelados a través de una estética ruda y poderosa con base en las toscas texturas del cemento o en la aspereza de objetos vulgares como botas y cuchillos, pero en los que logra mutaciones sutiles que los hermosean. 

Por otra parte, los vídeos-performances compartidos en esta exposición nos revelan a un artista que conoce el tiempo, que lo maneja con suficiencia, posiblemente por haber pasado por experiencias en la que tuvo que administrarlo minuciosamente día con día. Son creaciones audiovisuales que se basan en planos fijos, más o menos cerrados y estáticos, que exigen máxima atención a la mirada, y en donde la intensidad de las acciones lindan con el riesgo, con los límites de la mente, del cuerpo, del espacio físico, con los límites de la propia piel, generando una tensión desmesurada en quienes se enfrentan a ellos.

Gladys Turner Bosso & Pancho López

Encuentro de desarrolladores de videojuegos independientes

Viernes 16 Septiembre 18:00h

Taller: Desencriptando la performance

El curso presencial Desencriptando la Performance propone una mirada multidisciplinaria para revisar y exponer una parte de mi archivo recopilado en 30 años de trabajo en el performance, en el cual expondré cinco temas que he abordado a lo largo de mi carrera y que han marcado mi discurso y estética: Sexo, dolor, excreciones, vejez y política.

Basándome en mi experiencia y apoyada por la documentación de performances seleccionada ex profeso para visualizar cada tema, compartiré el desarrollo de cada uno de ellos como creadora, ejecutora y observadora/crítica.

01
COMO CREADORA COMPARTIRÉ

  1. La metodología que utilizo para la creación de piezas de performances.
  2. El proceso que sigo para traducir las ideas en funcionalidad para la ejecución.
  3. Los bocetos de mis propuestas.

 

02
COMO EJECUTANTE:

  1. El manejo del cuerpo y la mente durante mis acciones.
  2. La rigurosa percepción del momento para lograr armonía en el desarrollo.
  3. El público como termometro de la ejecución.
  4. La integración de las circunstancias fortuitas a la pieza de performance.

 

03
COMO OBSERVADORA DE LA PERFORMANCE POSTERIOR A SU PRESENTACIÓN

  1. La compensación integral de la pieza más allá de la aproximación inicial.
  2. El análisis de la documentación.
  3. El anecdotario del proceso performático.

 

EL OBJETIVO DEL CURSO

Es revisar los diversos procesos de la acción performática preperformance, performance y postperformance desde el punto de vista del autor sustentado po la documentación de su obra.

El curso va dirigido a estudiantes, maestros, teóricos, artistas, investigadores, curadores, historiadores, enfocados en el arte-acción.

Fechas y precios

Del 21 al 25 de Septiembre 17:30 a 21:00

Precio 120 Eur

 
PRORROGADA HASTA EL 25 DE SEPTIEMBRE
Del 27 de Julio al 11 de Septiembre
Exposición pintura y escultura

 Xabier Egaña (Las Arenas, 1943) es el último sobreviviente de los artistas notables (Oteiza, Chillida, Lucio Muñoz, Basterretxea, Eulate, Egaña) que dejaron su impronta en la nueva Basílica de Arantzazu, obra de los arquitectos Saenz de Oiza y Laorga.

Con una extensa y prolífica trayectoria de más de cinco décadas, cabe destacar su labor de pintura mural en numerosas obras públicas, dentro y fuera de España: pintura, escultura y esgrafiados sobre hormigón en San Juan de Puerto Rico (1977); pinturas murales en el Camarín de la Virgen de la Basílica de Arantzazu (1978); mural del ábside y mobiliario litúrgico en San Pelayo en Zarautz (1979); murales en Alemania, Münster (1979) y Mühlen, (1980-81); murales en hormigón y cerámica industrial en el polideportivo de Arrigorriaga (1982, 1984); pinturas y murales en cerámica industrial en la escuela Lauro en Loiu (2000); pinturas murales en hotel en Murueta (2003); mural del ábside y escultura en piedra en la capilla La Salle, San Asensio (2004); conjunto de vidrieras en iglesia del Espíritu Santo, San Sebastián (2007-08) y su última gran obra muralista Pinturas para la Vida en la Iglesia de Antezana, junto a Vitoria (2013-2017).

Su ciclo de pinturas murales en la Iglesia de S. Buenaventura en Mühlen (Alemania) fueron declaradas, en 2008, Patrimonio Cultural Artístico en el estado de Baja Sajonia. Las autoridades alemanas le rindieron homenaje con una exposición itinerante De la Vida y una publicación Xabier Egaña. De Arantzazu a Alemania 1975-2008.

Artista poliédrico, ha trabajado con múltiples técnicas y soportes: pintura, dibujo, grabado, collages, escultura, cerámica, murales, vidrieras, ilustraciones, etc. Su obra combina el dibujo, con pintura plana y pintura-ensamblaje, incorporando materiales y objetos encontrados. Su estilo es un expresionismo figurativo ecléctico, con preferencia por el uso de materiales pobres. Sus principales temas y motivaciones giran en torno al ser humano, especialmente en situaciones de injusticia y sufrimiento: el horror y las guerras, la migración, las pateras, la ablación…

La representación plástica de Xabier Egaña ha pasado por varios estadios estilísticos. Tras unos primeros escarceos, en los sesenta, con maderas labradas y policromadas, bajo el embrujo del hacer de Lucio Muñoz, a mediados de los setenta consolida un estilo de representación propio, a caballo entre la deconstrucción picassiana de la figura humana y la composición lírico-poética y colorista de Chagall. A destacar también la influencia de Oteiza, con quien compartió el proceso de la ejecución final del frontis de la Basílica de Arantzazu. Y posteriormente, largos años de cercanía y amistad.

En la exposición de La Neomudéjar se presenta un conjunto de obras cuidadosamente seleccionadas de distintas etapas de su trayectoria, técnicas y estilos, adecuadas al singular espacio expositivo. Una oportunidad única para conocer una parte significativa de la trayectoria de este artista, puesto que en Madrid apenas se ha visto su obra. 

Juan Ayesta - Comisario

Maniobras del Cuerpo | Evoluciones y simulacros en que se ejecuta el cuerpo

 

Ana Marcos es una artista multidisciplinar que intenta establecer vínculos entre la práctica artística y la tecnología. Sus proyectos de investigación combinan su perfil técnico y artístico. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid e Ingeniería Técnica Industrial por la Universidad Politécnica de Madrid. Cofundadora del estudio 3Dinteractivo.com , un grupo de ingenieros y artistas que busca a través de la investigación una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia-tecnología y el público impulsando la experimentación en el Arte.

Sus proyectos se han mostrado en Museos de todo el mundo. Entre otras, destacan la exposición en el MACD de San José, Costa Rica. Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, Korean Foundation Gallery , Museo Narni, Italia, Museo de Arte del Banco de la República-Sala Parqueadero y dentro de España: Espacio Fundación Telefónica, CentroCentro – Ayuntamiento de Madrid, Museo de la Evolución Humana- Burgos, Museo Universitario de Alicante, Museo Universitario de Valladolid; Museo Provincial Palacio del Infantado, Guadalajara, Museo de Palencia, Museo La Neomudejar, MediaLab Madrid, Etopia Centro de Arte y Tecnología, Zaragoza y para finalizar, recientemente en LA Art Show de Los Ángeles, EEUU.

 

Sábado 24  de Septiembre 12:00h

Conversatorio con Xabier Egaña y el comisario Juan Ayesta acerca de la obra y vida del genial artista. Este conversatorio hace parte de la clausura de la actual exposición del Museo La Neomudéjar.

 

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados de la artista Sandra Julve quien  resultó beneficiaria de la beca Junio 2022 realizada por convocatoria.

 

Es la materialización de una escucha sobre la intersección entre el mundo seco y el encuentro e interacción entre cuerpos de agua atravesados por un océano vincular inspirada por el fenómeno natural de la torca. En un llamamiento a establecer una política del cuidados y rituales de cooperación en la transición hacia colapso, esta escucha posibilita repensar la habilidad de acción y la capacidad de respuesta ante un planeta herido. El respeto y reconocimiento de la interdependencia de seres en el ejercicio natural de reequilibrio y regeneración, supondría un primer paso hacia una sociedad más respetuosa y por lo tanto, más equitativa.

EL COLAPSO DE LA TIERRA
Performance. Vídeo. Hay un paralelismo en el ejercicio de control, dominio y subordinación de la naturaleza, la mujer y todo lo considerado como femenino. El no reconocimiento de la carga de la no productividad, de ser medio, no producto supone un desgaste y su disolución nos lleva al colapso. La actual crisis de cuidados, es una crisis sistémica producto de una sociedad individualista se ve forzada a replantearse una nueva economía política del afecto.

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados del artista Adrian Coto realizado gracias a la convocatoria que se realiza por segundo año en conjunto con el Centro Cultural de España en Costa Rica.

 

 

 

 

 

Xenofeminsmo aprovecha la alienación como un impulso para generar nuevos mundos. Todxs estamos alienados, pero ¿alguna vez hemos estado de otra manera?

- Laboria cuboniks, manifiesto xenofeminsta

El cuerpo natural es intervenido por la mirada humana; las condiciones tecnológicas actuales han llevado lo humano al borde de la transhumanidad y la yuxtaposición de lo natural y lo artificial hacen que no se distinga uno de otro. . Réptil Cyborg busca estrategias de deterritorialización y desplazamiento para cuestionar la noción de representación, de naturalidad y de humanidad a través de su transformación. Usando estrategias que varían desde lo virtual hasta lo material, el conjunto pretende de manera paródica, proponer la autodeterminación como modo de resistencia, organizada como una forma de producción de subjetividades alternativa a la hegemónica.

Reptil cyborg

 

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

 

Tropicalización de paisaje árido

 

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

 

Viernes 24 de Junio | 19:00

Escenas Catalanas errancias antropológico-sexuales es el primer libro de Frau Diamanda publicado por la editorial La Máquina Bcn el año 2020 , en realidad, se trata de un proyecto editorial multidisciplinar que incluye escritura , performance, audiovisual, música y contaminantes varias y que señala la forma crítica de mirar desde otro lado a la heteronormatividad y el concepto de antropología occidental desde una lógica de disidencia sexual travesti migrante.

YEGUADA LATINOAMERICANA EN MADRID

VIERNES 27 A LAS 19:00


APERTURA DE RESIDENCIA Y VISIONADO DE PERFORMANCES.
Creadora y directora: Cheril Linett.
Performers: Esperanza Vega, Ivón Figueroa Taucán, Paulina Valdenegro, Fernanda Vargas, Mariella Silva y Cheril Linett.
Productora: Ivón Figueroa Taucán.


Memoria, conciencia y antibelicismo frante a la escalada de la guerra en Ucrania.

Del 30 de Marzo al 22 de Mayo

Hablar de guerra en el siglo XXI solo constata como cierta la aseveración de que la estupidez humana es infinita. La guerra como sistema estructural de intervenir o hacer geopolítica no sólo no ha sido erradicada, sino que vuelve a amenazar los territorios colindantes de las grandes potencias mundiales convirtiendolos en objetivo militar para la estorsion de objetivos meramente macroeconomicos. De ahí que esta guerra nos asusta más que el resto pues amenaza nuestro bienestar primermundista. El estado del privilegio se ve amenazado, frente a las 3/4 partes del planeta que sostienen y soportan nuestro abuso sistemico de recursos para defender un statu quo.

El fuego de la guerra nos acompaña como humanidad y las banderas, estandartes y gallardetes de los estados-empresas imperialistas-extractivistas, junto a la desmemoria, son su principal combustible.

En estos juegos de guerra de señoros consumidos por las ansias de poder siempre nos encontramos con los mismos perdedores, las víctimas, quienes sufren las decisiones de los despachos y a quienes sistemáticamente se les silencian su voz. Esta exposición colectiva, aborda facetas, miradas, memorias y resiliencias frente a la guerra como sistema. La conciencia desatada de operar en un universo mental donde la interpelación a la violencia, fuera un desecho caduco que deberiamos haber erradicado.

El pasado repetido, la ausencia de voces firmes contra el belicismo, la falta de espacios de memoria, exigen reflexión ante las sociedades que vamos a construir y las lacras de una perversa manera de manejar términos y dispositivos como la patria, el territorio, la propiedad, la bandera a favor de meros dispositivos del poder economico.

El exceso, la crueldad, el abuso, la opresión, la resistencia, el patriotismo y otros términos familiares, deberían limpiarse de usos bélicos, pues aquejan el espíritu profundo de los seres humanos y utilizan resortes de exaltación donde siempre pierden los mismos. Ninguna guerra es justificable, ningún ser humano merece pasar por esa experiencia.

La vida, el arte, la humanidad no necesitan vestirse de uniformes.

 

DEL 30 DE MARZO AL 22 DE MAYO
MUES Lo que queda del ser
Instalación plástica y sonora de Nathalie Menant

MUES es una exploración 

Cuestiona la fábrica de lo femenino, sus representaciones y su integración hasta  en nuestros cuerpos y nuestras tentativas de distanciamiento. 

Anima a escuchar la relación que las mujeres tienen con su cuerpo, su historia y  sus heridas, revela sus resistencias y sus adaptaciones a las asignaciones y a los  tópicos. Pone en escena el desfase que vivimos las mujeres entre lo que se  espera de nosotras y lo que somos o sentimos que somos. Pone frente a frente lo  que abandonamos para sentirnos más ligeras y lo que constituye nuestra  permanencia y nuestra identidad. 

"Soñé estas huellas de mujeres expuestas en el espacio público, diseminadas aquí y allá como luces en la noche. Quería deshacerme de las representaciones de lo femenino. Con paciencia y curiosidad, alisé bandas de yeso mojado sobre cuerpos de mujeres reales. Seguí sus contornos, plasmé sus respiraciones, sus latidos, como dibujando el mundo para procurar verlo y entender de qué se trata exactamente. Reiterado alumbramiento de sí, - ¿de mí? - y sin embargo siempre renovado, o retocado, a veces trabajoso o inquieto, pero siempre obstinadamente tierno.

Provoco y asisto a este cara a cara íntimo, un poco sorprendida al ver, cuando separo el molde del cuerpo y se lo presento al modelo, con qué simplicidad descubre cada una el poder y la alegría de su ser en el mundo. “¡Soy yo!” dice. Con el perfil exacto de su cuerpo que sigue la forma de un hombro o de una cadera, una curva de carne la revela a ella misma, liberada de comparación alguna.
Es. Única y singular."

 

 

MUES What remains of the being
Plastic and sound installation by Nathalie Menant

MUES is an exploration

It questions the fabric of the feminine, its representations and its integration even in our bodies and our attempts at distancing. It encourages listening to the relationship that women have with their body, their history and their wounds, revealing their resistance and their adaptations to assignments and topics. It puts on stage the gap that women experience between what is expected of us and what we are or feel we are. It puts face to face what we abandon to feel lighter and what constitutes our permanence and our identity.

"I dreamed of these traces of women exposed in public space, scattered here and there like lights in the night. I wanted to get rid of the representations of the feminine. With patience and curiosity, I smoothed bands of wet plaster on the bodies of real women. I followed their contours. I captured their breathing, their heartbeats, as if drawing the world in order to see and understand exactly what is it all about. Repeated birth of oneself -of me?- and yet always renewed, or retouched, sometimes laborious or restless, but always stubbornly tender.

I provoke and attend this intimate face-to-face, a little surprised to see, when I separate the mold from the body and present it to the model, with what simplicity each one discovers the power and joy of her being in the world. "It's me!" she says. With the exact outline of her body following the shape of a shoulder or a hip, a curve of flesh reveals her self, freed from any comparison.

Is. Unique and singular.”

MUES, Ce qui reste de l'être
Installation plastique et sonore de Nathalie Menant

MUES est une exploration.

Elle questionne la fabrique du féminin, ses représentations et son intégration jusque dans nos corps, et nos tentatives de mise à distance.

Elle invite à l’écoute de la relation que les femmes entretiennent avec leur corps, leur histoire et leurs blessures, elle dévoile leurs ré­sistances et leurs adaptations aux assignations et aux clichés. Elle met en scène le décalage que les femmes  vivent entre ce qu’on attend d’elles et ce qu’elles sont ou pensent être. Elle met en regard ce que l'on laisse, ce dont on se déleste, et ce qui fait notre permanence et notre identité

« Disséminées ça et là, comme autant de fanaux dans la nuit, j’ai rêvé ces empreintes de femmes suspendues dans l’espace public. Je voulais me défaire des représentations du féminin.  Avec patience et curiosité, j’ai lissé le plâtre mouillé sur des vrais corps de femmes, j’en ai ai suivi les contours, saisi les souffles, les déploiements et les retraits comme on dessinerait le monde pour tenter de le voir et pour comprendre de quoi il retourne exactement.

Invariable mise au monde de soi - de moi ? - pourtant toujours renouvelée, comme rafraîchie, parfois inquiète ou laborieuse mais toujours obstinément tendre. Face à face intime avec soi-même que je provoque et auquel j’assiste un peu étonnée de voir, lorsque je détache l’empreinte du corps et que je la présente au modèle,  avec quelle simplicité chacune découvre la puissance et la joie de son être au monde.

C’est moi ! dit-elle.

Dans la ligne exacte du corps, en suivant simplement la forme d’une épaule ou d’une hanche, une ligne de chair la révèle à elle-même déchargée de toutes comparaisons.

Elle est. 

Unique et singulière. »

Del 20 de Abril al 15 de Mayo

11:00 a 15:00 y 17:00 a 21:00

PROGRAMA #1

Recuerdos de un apocalipsis

Videos de Ximena Cuevas

43 minutos

Está en boga hablar de colonización en América Latina, de como han sido negados y saqueados los pueblos originarios desde los 1400s con la llegada de Colón. El otro día estuve en una conferencia donde importantes ponentes nos mostraban, una vez más, al hombre blanco mirando con su cámara a los desprotegidos, a los indígenas. Miré alrededor y en el auditorio habíamos en general mestizos, algo natural en México, allí estábamos los bendecidos por la sangre blanca pero ni un solo representante de los pueblos vencidos. Una gran pantalla agigantaba el rostro de los ponentes. Todos veíamos hacia la pantalla, no hacia la persona. Mientras se hablaba del “otro” una vez más desde un lugar de cierta superioridad nadie se daba cuenta que esa cabezota parlante en la pantalla era, es, ya un ente colonizado por los medios. El planeta FlatscreenX nos ha sometido en el Siglo XXI, nos ha despojado de nuestra individualidad, nos ha desterrado de nuestro origen.

A partir de la modernidad americanizada, de la dicha globalización, los habitantes del planeta Tierra hemos tenido que seguir modelos ajenos de vida, ocultar nuestra esencia y ser aceptados en un mundo unificado de consumo. Una vez más el gran aparato de poder nos obliga a ser quienes no somos, a adoptar formas de vida ajenas. La identidad Latinoamericana es una identidad de collage, de pegotes de diferentes culturas en el tiempo, es la identidad en la que nos sentimos cómodos en el disfraz. Las fronteras entre realidad y ficción se diluyen al ser absorbidos por el planeta FlatscreenX, un orden totalitario del que somos ya esclavos de las pantallas.

Ximena Cuevas 2022


XIMENA CUEVAS

(Ciudad de México 1963)

Desde que con dieciséis años entró a trabajar en la Cineteca Nacional de México y se “volvió adicta al olor del celuloide”, Ximena Cuevas no ha parado de trabajar con el material audiovisual. Se dedicó al cine en un primer momento (como asistente de dirección, directora artística, continuidad y doble de luces) y colaboró con directores como John Houston (“Bajo el Volcán”, 1984) o Arturo Ripstein (“Mentiras Piadosas”, 1988). Pero en 1991 decidió abandonar esta labor para dedicarse con exclusividad al trabajo en vídeo.

En su abundante videografía, que forma parte de las colecciones permanentes de centros como el MoMA de Nueva York y el Pompidou de París, explora temas como el artificio, la mentira, las relaciones entre la ficción y la realidad, la vida diaria, las emociones fabricadas, la autodestrucción como forma de religión o los rasgos de la identidad nacional (de México, “un país de colores brillantes en el exterior y blanco y negro en el interior”) y del género. “Las 3 Muertes de Lupe” (1984), “Corazón Sangrante” (1993), “Medias Mentiras” (1995), “Contemporary Artist” (1999) o “Cinépolis, la capital del cine” (2003) son algunos de sus títulos más conocidos. En ellos se mezclan el barroquismo caricaturizado del melodrama; el humor irónico que radiografía los tópicos de su país, del mundo del arte o de nuestra sociedad en general; o la complejidad de las emociones personales. En el 2016 regresa al cine de industria para  editar el premiado y aclamado documental “Bellas de noche” de su hermana María José Cuevas, por el cual la nomina La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas como mejor editora. En el 2020 la Academia la vuelve a nominar por la edición de “Esto no es Berlín” de Hari Sama.

Con una mirada que se fija en los pequeños detalles y que recurre al gran bagaje de cultura cinematográfica que la avala –fruto de la pasión gestada desde cuando a los trece años vivía en París y se convirtió en una consumidora habitual de cine-, crea un universo de imágenes complejo con una estética definida y personal. Sus vídeos se sitúan en algún punto intermedio entre el documental, el aval de verdad que proporcionan las cámaras ocultas, la ficción apropiada del cine y la ficción construida precisamente a partir de la propia realidad.

Comisariado por Elisa Massardo.

25 de Mayo - 24 de Julio

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Del cuerpo a la carne expone al cuerpo en las obras de Cheril Linett. Lo posiciona múltiple en magnitud y reivindicaciones. Lo manifiesta sin miedo, coreográfico, conformando un ser agrupado, pensado previamente para generar denuncias descarnadas, desafiantes, en el que sensibilidades y sentires disidentes se tuercen con el deseo sexual implícito en la forma, en el cuerpo. Series como Yeguada Latinoamericana son trabajos explícitos de Linett que conforman esta exposición.

Del cuerpo a la carne

Los cuerpos devienen en múltiples formas o fenómenos, pueden agruparse y construir un ser enorme, un animal político, un ser rastrero. Un cuerpo puede ser etéreo y fugaz, así como objeto de denuncia y resistencia que no cesa.

Del cuerpo a la carne, expone al cuerpo en las obras de Cheril Linett. Lo posiciona múltiple en magnitud y reivindicaciones. Lo manifiesta sin miedo, coreográfico, conformando un ser agrupado, pensado previamente para generar denuncias descarnadas, desafiantes, en el que sensibilidades y sentires disidentes se tuercen con el deseo sexual implícito en la forma, en el cuerpo. Todo esto en las performances citadinas, públicas, donde el cuerpo formado en la calle se cruza y contrapone a las fuerzas de orden para desafiar tanto con la mirada como con la forma; para generar cuestionamientos en esa otredad institucionalizada que está aparentemente enajenada de sí. Y de lo público sus obras pasan a lo íntimo, a lo privado y en lo más primario de lo animal se producen reencuentros basales del inconsciente humano. El deseo: nuevamente se mimetiza en el entorno, se hace complejo, confuso, morboso, lo grotesco se cuestiona en lo que la visualidad alcanza a captar y en los procesos que van más allá de la retina. Series como “Yeguada Latinoamericana”, “Vertiente Fúnebre”, “Coreografía de la succión”, son trabajos explícitos de Linett.

Este mismo cuerpo conformado por diversas corporalidades deviene en un ser etéreo que nuevamente busca hacer manifiesto situaciones invisibilizadas, como si fuera un animal rastrero que atraviesa sin consideración las estructuras y penetra cualquier espacio a su alrededor. Sin límites. En trabajos como “Poética de las aguas” y “Casa”, la muerte y la vida se manifiesta a través del recuerdo, pero más allá aún de la ausencia. Desde ahí podemos cuestionar qué territorios habitamos, ¿de qué manera hacemos presencia y sentimos el vacío de las personas que fueron despojadas de la vida a través de violencia sexual y de género? Las ausencias laten, palpitan, pulsionan. Es más, podemos incluso preguntarnos, cómo habitamos y con qué seguridad, la intimidad de nuestro  nuestro hogar, de nuestro ser y nuestras relaciones sexo-afectivas, ¿existen? ¿Podemos confiar?

A través de un fluir constante lo etéreo se hace manifiesto, se hace carne en lo corpóreo con la capacidad de devenir animal y ser deseante/deseado, con cola de yegua y el culo el alzado, reivindicando también lo decolonial; en otras en denuncia de ausentismo y visibilidad tácita. La obra de Linett se puede leer como un recorrido desde el cuerpo a la carne. Desde lo que vemos como forma hasta lo que nos conforma, lo que se nutre del entorno, lo más crudo que hay en cada ser.

Elisa Massardo, curadora

From the body to the flesh

The bodies become multiple forms or phenomena, they can group together and build a huge being, a political animal, a creeping being. A body can be ethereal and fleeting, as well as an object of denunciation and resistance that does not stop.

From Body to Flesh exposes the body in the works of Cheril Linett. She positions it multiple in magnitude and claims. She manifests it without fear, choreographically, forming a grouped being, previously thought to generate stark, challenging denunciations, in which dissenting sensitivities and feelings are twisted with the sexual desire implicit in the form, in the body. All this in city, public performances, where the body formed in the street crosses and opposes the forces of order to challenge both with the look and with the form; to generate questions in that institutionalized otherness that is apparently alienated from itself. And from the public, her works pass to the intimate, to the private, and in the most primal of the animal, basal reunions of the human unconscious take place. Desire: once again it blends into the environment, it becomes complex, confusing, morbid, the grotesque is questioned in what visuality manages to capture and in the processes that go beyond the retina. Series such as “Yeguada Latinoamericana”, “Vertiente Fúnebre”, “Coreografía de la Succión”, are Linett's explicit works.

This same body made up of various corporalities becomes an ethereal being that once again seeks to make invisible situations manifest, as if it were a crawling animal that crosses without consideration the structures and penetrates any space around it. Unlimited. In works such as "Poética de las Aguas" and "Casa", death and life are manifested through memory, but even beyond absence. From there we can question what territories we inhabit, how do we make presence and feel the emptiness of people who were deprived of life through sexual and gender violence? Absences beat, throb, pulsate. Moreover, we can even ask ourselves, how do we inhabit and with what security, the intimacy of our home, of our being and our sexual-affective relationships, do they exist? Can we trust?

Through a constant flow the ethereal becomes manifest, it becomes flesh in the corporeal with the ability to become an animal and be desiring/desired, with a mare's tail and a raised ass, also claiming the decolonial; in others in denunciation of absenteeism and tacit visibility. Linett's work can be read as a journey from the body to the flesh. From what we see as form to what shapes us, what is nourished by the environment, the rawest in each being.

Elisa Massardo, curator

 

 

 

 

 

*Proyecto financiado por FONDART RM, convocatoria 2021.*

INAUGURACIÓN

Inauguración el miércoles 25 de Mayo de 2022 a las 12:00h. Entrada libre.