Nuevos espacios acondicionados en el Museo La Neomudéjar

Durante las semanas que cerramos en Agosto nos dedicamos al acondicionamiento del espacio de librería y recepción, ampliandolo considerablemente. También hemos recuperado el espacio que teníamos como almacén en la entrada para reconvertirlo en un espacio de cafetería y social del Museo. Un espacio donde encontrarnos y crear tertulias.

CENTROAMÉRICA EN ACCIÓN | PANCHO LÓPEZ

Publicación en colaboración con el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo CAV La Neomudéjar Tras casi dos años de trabajo de investigación, el artista e investigador mexicano Pancho López presenta el libro Centroamérica en acción, mismo que fue editado por el MADC, bajo la invitación de Antonieta Sibaja Hidalgo, en colaboración con el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo CAV La Neomudéjar de Madrid, España.

Este libro reúne en poco más de 150 hojas, un recorrido historiográfico del performance y los y las artistas que lo practican en la región centroamericana. El proyecto contó también con el apoyo de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo, una de las instituciones mexicanas más reconocidas en el ámbito artístico internacional. Con la beca de patrocinios que le fue otorgada por esta fundación, el artista pudo viajar por los países de Centroamérica, revisando la escena del arte acción (performance art) desde Guatemala hasta Panamá. Cabe señalar que contó con el acompañamiento de la Red de Artistas del Centro de América (RACA), dirigida por el guatemalteco Ever Rodas.

UN DÍA DE PERFORMANCE PARA PRESENTAR EL LIBRO

El jueves 29 de julio de 2021, a las 13 horas, se llevarán actividades que acompañaran la presentación oficial del libro (adjuntas a continuación) que serán a puerta cerrada en el MADC pero transmitidas en vivo a través de su plataforma Facebook Live. Además de mesas de conversación, se integran performances en vivo y una exposición fotográfica que tendrá lugar de manera presencial en el Instituto Cultural de México en costa Rica (de la Embajada de México) a las 18:00 horas (aforo limitado a 35 personas) donde también se presentarán performances en vivo.

PANCHO LÓPEZ

Pancho López (México, 1972). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Por once años fue jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo. Coordinó el Encuentro Internacional de Performance Performagia (2003-2009), Transmuted (2010-2013) y Extra! (2014-2020). Dirigió EJECT, Festival internacional de videoperformance de la Ciudad de México en Ex Teresa Arte Actual (2006-2012) y en Laboratorio Arte Alameda (2016). Ha participado en muestras y festivales de performance en Colombia, Chile, Canadá, Uruguay, Brasil, Alemania, Polonia, Venezuela, República Dominicana, China, España, Portugal, Cuba, El Salvador y Estados Unidos. Trabajó en Fundación UNAM y coordinó la licenciatura de Comunicación y Gestión para la Cultura y las Artes de la Universidad de la Comunicación (2013-2015). Ha recibido becas y apoyos como PADID y PAPIAM del CENART, Fundación JUMEX y del Patronato de Arte Contemporáneo PAC y la beca “Contigo en la distancia” FONCA 2020. Forma parte de la Red Mexicana de Performance perfoREDmx. Es colaborador del Museo C.A.V. La Neomudéjar y curador de Subasta MAC 2021 del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá.

PRESENATCIÓN EN LA NEOMUDEJAR EN SEPTIEMBRE

Subscribete a nuestra newsletter para no perderte ningún evento.

EXPOSICIÓN DE ANTONIO ALVARADO EN COSTA RICA | GALERÍA NACIONAL

Esta exposición, organizada por el Museo La Neomudéjar con el apoyo del Centro cultural de España en Costa Rica, es recorrido por sus más de 40 años entre la electrónica y la pintura. La exposición tendrá lugar en la Galería Nacional de Costa Rica.

“La Singularidad Plural” es la nueva exposición que el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo C.A.V La Neomudéjar traen desde Madrid para ofrecer al público costarricense. Esta muestra forma parte de la colección permanente del Museo La Neomudejar, alojada en Zapadores Ciudad del Arte y compila una retrospectiva de trabajos del artista español Antonio Alvarado, cuya trayectoria en nuevos medios ha sido notable tomando en cuenta que es uno de los primeros artistas reconocidos en esta disciplina en España, con más de 40 años creando obras innovadoras.

La exposición es parte del programa cultural de AECID en América Latina. Una vez se haga el cierre de la exposición, las obras serán trasladas a otros países de Centroamérica para su exposición. 

Esta muestra se inserta en un ciclo de exposiciones de artes visuales que facilita un espacio a los proyectos que pretenden generar un impacto humanista y/o social en el público. Este programa de exposiciones busca promover un punto de encuentro entre artistas y públicos que producen y disfrutan de trabajos en artes visuales de diversos géneros y estilos, pero siempre con una mirada crítica a la realidad inmediata. 

La exposición se podrá visitar del 4 de agosto al 25 de septiembre en la Galería Nacional de Costa Rica de martes a viernes de 8:30 a 4:30 y sábados y domingos de 9am a 5pm, y su inauguración tendrá lugar el miércoles 4 de agosto a las 3 pm, abierto al público con todas las medidas sanitarias correspondientes.

Galería Nacional de Costa Rica en San José

TALLER CON ANTONIO ALVARADO

Antonio Alvarado además será residente del programa de residencias iniciativa de la red de Centros Culturales de España en la región que pretende generar intercambio entre agentes que potencien el Espacio Cultural Iberoamericano, a través de la creación y promoción de puntos de encuentro entre los distintos sectores de la cultura contemporánea, desde una perspectiva de experimentación en los procesos creativos. En esta residencia, estará brindando un taller de experimentación electrónica “Los sentimientos aleatorios en electrónica”.

Taller con Antonio Alvarado

Artista cibernético, plástico y acción, su obra abarca desde instalaciones, esculturas y música electroacústica a piezas concebidas para ordenador o para Internet. Ha realizado estudios de Filosofía y Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

.

 

 

 

Now we are in the curatorial program DiverseArt of LAartSHOW like guest museum. With the collaboration of Spanish Ministry of Culture

For this event we present the instalation DATA | ergo sum | REALOADED,  an Interactive Art Installation that visualizes the capability of viewing machines using Artificial Intelligence by Ana Marcos (Spain)

 

With mirrors that attract the attention of visitors and based on the idea of a mirroring-portrait –relating to Art and Cinema, - we have designed an electronic and panoptic mirror for the first experimentation room where visitors are recorded by cameras that are not very visible on the set. A camera and recording-tracking software is today a technological device that can capture everything and understand the parts: objects and / or subjects that make up the image. The installation observes and records the behavior of visitors without them being aware that their simple presence in front of a mirror is providing an overwhelming amount of data; around 20,000 parameters are captured in just 20 seconds.

The system generates a new video with holographic effects and adds the data processed by the AI software. In essence, this artistic visualization presents a different kind of portrait: instead of being a static image, representing an instant or the romantic idea of ​​offering the essence of an individual, it consists of a complex visual system, in which computing technology provides a different perspective. It is precisely those ways of seeing, of seeing ourselves, what DATA| ergo sum invites us to review in front of its AI system. The challenge begins with the part that most differentiates us from each other as humans: the face and then the body. This digital analysis that makes us readable for a machine opens new possibilities. We look into an unknown being, risking to recognize both our vulnerability and what is non-representable in human life..

Shortly, a “mirroring AI” system that is capable of parameterizing facial expressions and physical features to project information on a scene, reducing each individual to a sequence of information.

 

ANA MARCOS

3D Interactivo studio

The 3dinteractivo collective is a group formed by artists and engineers that seeks, through research, a deeper understanding of the relationship between art-science-technology. The 3dinteractivo collective began its journey in 2010 and is currently co-directed by Ana Marcos and Alfonso Villanueva.

KÁRSTICA ESPACIO DE CREACIÓN es el espacio de residencias artísticas en el rural que el Museo La Neomudéjar ha abierto en Cañada del Hoyo, Cuenca. El espacio es la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo de principios del sXX y que ahora acoge la residencia que arrancó a finales de 2019 y que tras el parón del CoVid volvemos con toda la energía.

Esta iniciativa surge de una colaboración cultural gestada desde el 2019 entre el Centro Cultural de España en Costa Rica y la Red de Centros ArthouseSpain de España, compuesta por el Museo C.A.V. La Neomudéjar, Kárstica Espacio de Creación y Zapadores Ciudad del Arte. Ambas entidades se unen bajo un acuerdo de colaboración internacional para el apoyo a la creación de artistas costarricenses mediante una residencia artística en España.

Decidimos en conjunto proponer una convocatoria pública para favorecer el intercambio cultural entre España y Costa Rica, así como financiar residencias artísticas en Kárstica, espacio de creación en el medio rural ubicado en la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo (Cuenca).

El programa Experimentación en los procesos creativos, a través del proyecto Casa Canibal, realiza Residencias Artísticas para propiciar un encuentro entre artistas visuales de España y Costa Rica, en esta convocatoria; poniendo énfasis en la experimentación e investigación como modos de promover y dinamizar los procesos creativos relacionados con la sostenibilidad, nuevas ruralidades, las fenomenologías del colapso sistémico actual y la búsqueda de nuevos futuros.

La convocatoria tiene como finalidad reinventar el concepto de residencias, para adaptarlas a las actuales circunstancias y no paralizar la actividad del tejido artístico ni la de nuestros espacios/museos/centros culturales. La producción de las y los artistas no se puede detener porque los espacios culturales no estén abiertos a pleno rendimiento y es nuestro compromiso apoyar al sostenimiento del tejido cultural y de sus necesidades en estos tiempos.

Para ello lanzamos esta convocatoria de residencias artísticas que ayuden a la interrelación entre artistas en estos tiempos inciertos, para favorecer su movilidad e internacionalización y realizar una muestra de resultados, bien a modo expositivo, o en formato mesa de reflexión sobre los procesos investigativos y de creación.

14 de julio al 12 de septiembre.

Prorrogada hasta el 10 de Octubre.

 

La obra de Yuniel Delgado, parte desde una introspección visceral hacia los continentes en deriva de su propia corporalidad. Su condición personal le obliga al rescate constante, una pulsión armónica  a la que inyecta dosis milimetradas de simbología y superación para equilibrar las fuerzas y la química pasional de su produccion pictórica. 

Pese a la primera impresión que arroja su universo, su mensaje esta cargado de un positivismo y un anhelo constante a huir del conflicto, desarrollando una traslación de su psique al lienzo donde desborda la técnica para entrar en el lenguaje de creación pura sin cortapisas. RENACER, es el universo del fénix, un cúmulo de batallas violentadas entre la obra política y la transhumanidad que abordan una necesaria salida hacia la vida . 

Yuniel Delgado devora un imaginario convulso siempre en pos de una superación que recoja los desafectos y la voracidad de una sociedad con la que difícilmente puede conciliarse un anhelo de ausencia del conflicto, desde su pintura monocromática  hasta la fotografía como medio, ejecuta un discurso que  abra puertas hacia una sanación. Las temáticas que aborda, operan en una narrativa disruptiva entre una interpelación a la estética libre y una disconformidad con el soporte que por momentos transita del lienzo a la fotografía, del retrato a la instalación o incluso la performatividad del gesto.  La superación en la obra de Yuniel Delgado, es un recorrido sin concesiones a un escaparate conflictuado, de retratos entre lo íntimo y lo público, entre una obra trascendente de sublimación de lo humano, hasta el anuncio de un transito transhumanista donde la vorágine de las políticas del poder, dan paso a un desmembramiento social que anticipa un tiempo distópico para las sociedades de un futuro inmediato.

Bio_

Yuniel Delgado Castillo (La Habana, 1984)

yuniel_retrato_bio

Artista visual cubano que actualmente reside en Madrid y es considerado como el enfant terrible de la nueva pintura cubana. Graduado con honores por la Academia de Bellas Artes de San Alejandro (2011), en la especialidad de pintura, logró asentar un crédito de prestigio en el panorama de arte cubano, dentro y fuera de la isla. Sus principales virtudes son la honestidad y la pasión con la que se enfrenta a la pintura y al acto mismo de pintar. Quienes le conocen puedan dar de una subjetividad volcánica e increíblemente prolija que no cesa de trabajar y producir grandes obras en todo momento.

 

Su carácter inquieto y su predisposición afectiva hacia el medio, le han convertido en un artista tremendamente versátil y muscular. De ahí sus constantes exploraciones en el ámbito de diferentes técnicas, soportes y lenguajes como el grabado, la escultura, la instalación y el dibujo, siendo la gramática de la pintura donde hace alarde de todo su poderío. Desde los inicios de su carrera y hasta la actualidad ha hecho evidente su vocación por los grandes formatos, lo cual ha tenido su impacto en la prefiguración de importantes proyectos murales, instalativos, incluyendo la escultura ambiental y hasta algún que otro gesto de carácter performático que certifican su compromiso y los niveles de complicidad con el hecho estético en sí, más allá, incluso, de cualquier aprobación social.

Manifiesta, desde siempre, una libertad extrema durante (y frente) el proceso creativo que le lleva a una gran emancipación y le coloca en una zona de confort ético y emocional para consigo mismo. La espontaneidad es, sin duda alguna, es una de sus fortalezas al tiempo mismo que se convierte en clave axiomática para comprender su metodología y forma de trabajo. La mayor parte del tiempo -o casi siempre- prescinde de bocetos o de ideas previas para puedan entorpecer esa relación de limpieza (no contaminada) que se traba entre el acto de hacer y el lienzo en blanco. Como al resto de los artistas le guía la obsesión por la búsqueda de un estilo propio, ensanchando los límites clasificatorios y reduccionistas del arte en general, para dispensar una producción genuina, sensible y verídica. Algo que sin la menor duda ha conseguido con gran esfuerzo y una tenacidad poco menos que envidiable.

Apenas siendo un estudiante de la afamada Academia, realizó su primera exposición personal en el Centro Pro-Danza en 2006, llamando la atención de la crítica por la apariencia irreverente de su obra. En el año 2013 viajó a los Estados Unidos como parte de una exposición colectiva realizada en la Aicon Gallery de Nueva York. Coincidiendo con esta muestra llevó a cabo otras presentaciones hasta que se traslada a Boston para abrir estudio como artista. Muy a pesar del éxito y los proyectos, la inclemencia del clima le obligó a asentarse en el sur de la Florida, donde inauguró su propio taller-galería en diciembre de 2014. Tuvo la gran suerte, por esas fechas, de haber sido nominado para el programa de becas y comisiones de la fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) en Miami. Asimismo, ha sido galardonado con programas de residencias y exposiciones colectivas en Napoly, Italia, en 2016, en el Museo Pam, y en Chopehenaghen, Dinamarca, en 2019. Además, ha impartido conferencias sobre su arte en la Galería de Arte Roberson de la Universidad Estatal de Pennsylvania. Participó en varias ocasiones en subastas y ferias de arte como las de Florencia y Dinamarca. Su obra se haya en colecciones públicas y privadas, especialmente en Alemania, Estados Unidos, Canadá, Italia, España, Rusia, Portugal, Luxemburgo, Costa Rica, en otros países de Europa, Asia y Latinoamérica.

KÁRSTICA ESPACIO DE CREACIÓN es el espacio de residencias artísticas en el rural que el Museo La Neomudéjar ha abierto en Cañada del Hoyo, Cuenca. El espacio es la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo de principios del sXX y que ahora acoge la residencia que arrancó a finales de 2019 y que tras el parón del CoVid volvemos con toda la energía.

REABRIMOS!!

Tras el parón motivado por la crisis del Covid arrancamos de nuevo con esta convocatoria  hasta el 15 Julio 2021  para artistas que necesiten un espacio de investigación y/o creación en torno a las fenomenologías del colapso global (ecológico, político y sociológico),  la sostenibilidad, nuevas ruralidades, ecofeminismos, ecología y naturaleza. Para esta convocatoria general se ofrece el espacio de alojamiento y espacio de trabajo junto a un ayuda de 500 Eur/mes.

Ciclo de videoarte Fundido a Negro.

Cuerpo y paisaje, una revisión al archivo de videoperformance EJECT

Comisario: Pancho López

El cuerpo humano ha estado siempre en relación con la naturaleza, dialogando con ella e intercambiando experiencias con otros cuerpos, en continua convivencia con más humanos alrededor. La conducta siempre está bajo el escrutinio público, el orden impera y las autoridades rigen los comportamientos, sin embargo, la subordinación de algunos cuerpos es notable.

Una infinidad de actos cotidianos se producen día con día, caminar, cocinar, comer, dormir. Como sea, al término de las labores diarias, el cuerpo descansa al caer la noche, el sueño produce oníricas imágenes que transitan por inhóspitos parajes, esta relación cuerpo-naturaleza se ha vuelto la obsesión de muchos y un delicado acento que a veces no percibimos entre los cuerpos y el paisaje.

El archivo de videoperformance EJECT hace un recuento de sus contenidos para revisarse constantemente a sí mismo, en una suerte de juego de naipes que permite nuevas tiradas. La acción ante la cámara nos lleva a los espacios íntimos, privados, pero al mismo tiempo abre la oportunidad al juego, a la travesura y al atrevimiento. El performance otorga una permisividad que efectivamente da la oportunidad al desafío y a aparentes locuras que devienen en genialidad. 

Desde estos puntos de partida, esta compilación de videos es una invitación a dejarse llevar por las acciones y perder la mirada en el horizonte.


Mario Coyol – Asimilación No. 1 – México, 2016 / 03:25

Esta obra nos lleva a profundizar en la relación entre el cuerpo y el paisaje, atendiendo su delimitación y fronteras entre estos elementos. Se expone al cuerpo para su inclusión y ajenidad, creando imágenes corporales, donde la vinculación con el entorno es importante. Una serie de escenas donde la naturaleza y el cuerpo se mezclan.


Mauricio Sáenz – Ruinas – México, 2014 / 04:40

Esta obra pretende exponer la idea de la obstrucción por medio de un límite visible o invisible, ruinas materializadas a través de los restos de lo que antes era un espacio delimitado por paredes. Este video revela el bloque a través del concepto de la construcción y la destrucción, señalando los paralelismos que hay en las barreras sociales.


Kristin Reger en colaboración con Gella Zefira / Orb/Orbe 1 /  Estados Unidos/México, 2014-15 – 04:20

En esta pieza una figura amorfa y sin rostro habita el paisaje natural, se transforma y se incorpora, va de un sitio a otro cambiando de color y de forma. Invoca el sentido ritual y legendario de los espacios con los que convive, resalta por encima de los lagos y montañas. Sus breves escenas en yuxtaposición y su sentido de lo sobrenatural componen un relato sin principio ni fin. El paisaje sonoro y la majestuosidad del contexto físico son piezas claves en la composición de esta obra que funge como una intersección simbólica entre lo viejo y lo nuevo. Es un poético ser extra-terrestre irrumpiendo en el espacio.


Graham MacLeod / Cabbage country / Canadá, 2006 – 05:15

Este video fue inspirado a partir del encuentro fortuito de un bote con una vara de bambú dentro, en un místico y remoto paraje de Taiwán. El bote tenía escrita la leyenda “mézclame”. El artista porta una malla blanca entera, que en su concepción, representa diversos clichés: un súper héroe, un fantasma, un atleta, un bailarín… una sátira que muestra varias debilidades de nuestra cultura occidental jugando con las perspectivas.


Guido Yannitto / Avistaje / Argentina, 2012 – 03:52

Realizada en la isla Decepción en la Antártida, la acción consistió en caminar por la ladera de un glaciar negro cubierto por ceniza volcánica. El dibujo se forma con las huellas de la caminata formando un diagrama con vectores marcados con espejos que se colocaron sobre la ceniza.


Karolin Kent / Vit gestalt / Suecia, 2011 – 05:04

En esta pieza la artista se presenta insertada en un bucólico paisaje ataviada completamente de blanco a la manera butoh. Está inspirada en las problemáticas que genera la opresión de los cuerpos femeninos en las sociedades actuales. Aborda e investiga la restricciones sociales mientras genera un retrato de la artista como una criatura fuerte y orgullosa que pelea por su reconocimiento.


Jennifer Campbell / Point No Point / Estados Unidos, 2010 – 03:57

En contraste con el paisaje icónico del noroeste del Pacífico, Point No Point documenta acciones realizadas específicamente para la cámara que ofrecen contextos novedosos para la mente y el cuerpo. La artista deviene objeto en medio del mar, cuya acción consiste en señalar un punto que no se distingue mediante una lámpara que lleva consigo, transformándose en un faro. En esta obra, hay una sensación de asombro por lo sublime, el cuerpo se convierte en un medio de experimentación cargado con humor trágico e intriga.


Katrin Wölger / MIAZL / Austria, 2016 – 02:35

Esta obra fue realizada en el lugar donde creció la artista. Un desplazamiento en el bosque, entre árboles y nieve, a paso firme dejando tras de sí sus propias huellas, con un extraño cargamento que es depositado entre ramas, un cordero y las costillas de un venado. Su alimento permanecerá colgado, suspendido en medio de rituales insospechados.  


Grupo Crisopeya / Gallo / Argentina, 2016 – 07:00

El videoperformance Gallo fue rodado en Cosquín, Córdoba, por el colectivo Crisopeya Arte, integrado por Gustavo Mauro, Véronique Madre y Juliana Romero Hillman. En esta obra vemos el cuerpo devenir ave, transformarse en pájaro, asumirse animal y apropiarse de un comportamiento, a partir de distintas visiones del arte con múltiples cruces disciplinarios: fotografía, video y acción.


Roland Wegerer / The Hummerbichler / Austria, 2014 – 02:23

Esta obra forma parte de una trilogía de videos cortos en la que el artista ha desarrollado el personaje del Hummerbichler. Todas las escenas están coloreadas de un rojo intenso con una figura extraña que explora áreas abandonadas. El Hummerbichler está transformando continuamente su apariencia mientras investiga un hábitat desconocido. Es una especie de alienígena que intenta orientarse, sin embargo en este video, no se ofrecerán respuestas.

5 de mayo – 11 de julio. 


Miedos, relinchos, mascarillas y pan negro, surge de la necesidad de comprender el momento que nos ha tocado vivir con la pandemia del Covid-19  y canalizar miedos propios y comunes, relacionándolo con momentos duros de la historia reciente como la guerra civil del 36.

La representación de estos miedos (guerra civil 36 y postguerra, Covid-19…) y el uso de símbolos propios y de la historia del arte, ayudan al artista a comprender estos y universalizarlos, utilizando de esta manera el arte como herramienta terapéutica.

El proyecto está compuesto por diferentes piezas que conforman una única instalación. El uso de pintura, piezas escultóricas, así como de diferentes video-performances presentadas en formato instalación, crean un diálogo entre los diferentes fragmentos que contribuye a una lectura global de la obra, casi en formato escenográfico, en el cual el espectador se sumerge. Endika considera que en su trabajo existe esa necesidad de crear un ambiente en el que el espectador se sienta dentro de la propia obra. Esto lo provoca no dando relevancia a la pieza individual, si no creando una atmósfera, en la cual, incluso el sonido es coprotagonista.

Igual que las grandes pandemias del pasado, el coronavirus ha dejado en pocas semanas su huella en diferentes partes del mundo. Países aislados, fronteras cerradas y una economía al ralentí. La gripe española de 1918 o la peste negra que asoló Europa en el siglo XIV, también dejaron huella. Sin embargo, la Europa de final de la Edad Media o de la primera guerra mundial, tiene poco que ver con la sociedad globalizada de hoy.

Según palabras de Laurent-Henri Vignaud, historiador de ciencias de la universidad de Borgoña. Una pandemia como esta pone a prueba una sociedad y una época, poniendo en peligro los lazos sociales y desatando una forma larvada de guerra civil en la que cada uno desconfía del otro.

En esta epidemia como en cualquier guerra, también existen vencidos, que en este caso vienen en forma de chivos expiatorios. Al comienzo de esta pandemia, hemos experimentado casos de xenofobia contra los chinos. Durante la gran epidemia de peste que devastó la Europa medieval, las poblaciones judías fueron blanco de ataques. A veces masacres como en Estrasburgo en 1349, donde casi mil judíos fueron quemados.

Finalizada la guerra civil española, no solo hubo vencedores y vencidos. También hubo hambre, escasez y miedo. Muchos ciudadanos se vieron obligados a cambiar monedas o joyas de oro por un chusco de pan negro. Otros acudían a los cuarteles a pedir las sobras y muchas mujeres tuvieron que prostituirse por un poco de comida.

Esta postguerra que vivieron los abuelos de su generación, es el punto de partida de este proyecto. La forma de enfrentarse a sus miedos de estos hombres y mujeres en el mundo y época que les  tocó vivir, le resultaba heroico e “incomprensible” hasta hace unos meses. Ahora, que nos encontramos en una situación de “guerra global” debido a la pandemia, esas historias de la infancia de Endika se hacen más cercanas y le recuerdan que hay una luz al  final del túnel.

endika-exposicion-museo

BIO_

Endika Basaguren es Licenciado en Bellas Artes por la U.P.V/E.H.U, con Suficiencia Investigadora y Programa de Doctorado por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido becado por la fundación Bilbao arte y la diputación foral de Bizkaia.

Ha realizado exposiciones de manera individual en: el horno de la ciudadela (Pamplona) Tate Modern Gallery (Londres), Galería Fomentarte /Zapadores ciudad del arte (Madrid), Living Gallery Outpost (Nueva York) Sala Rekalde (Bilbao). Torre Ariz (Basauri) El Quirófano (Lanzarote), Art Room espacio experimental (Madrid), Galería arte extremo Ana Lama. (Lisboa,Portugal). Museo arte e historia (Durango), Galería Os Catro Gatos, (Santiago de Compostela), Torrene Aretoa. (Getxo), Geroarte Efimerart Gallery (Bilbao), Palacio La Lila, (Oviedo, Asturias) ó Galería La Doce, (Boiro, A Coruña).

De forma colectiva ha participado en festivales como Cohete Toledo (Toledo) Contemporary Venice(Venecia), Itinerant (Nueva York), Fang (Madrid), Latitudes (Santa cruz de la sierra, Bolivia.), Franqueados (Madrid), Hybrid Fair (Madrid), Kaleartean (Basauri), Culturgal – (Pontevedra Galicia) Galerías 4, Cárcel de Segovia centro de creación (Segovia). También ha realizado exposiciones de carácter colectivo en lugares como, Oratorio di Spinea (Venecia, Italia), Galería A del arte (Zaragoza). Foro Arte Cáceres (Extremadura) Oxford House (Londres, U.K.), Ondare Aretoa (Bilbao) Museo de las Américas (Miami, EEUU.) ó Maneras de hacer”: Fotografía emergente de la colección del CA2M, así como en diferentes salas y eventos en toda la península y países como, Francia, Grecia, Italia, Holanda, Alemania, Holanda, México, Argentina, Brasil, Canadá o Emiratos árabes.

Su obra está presente en colecciones como CA2M(Madrid), Museum of Americas (Miami), Palacio de La Lila (Oviedo) y Zapadores Ciudad del Arte (Madrid).

LA SOMBRA (de la violencia)

3 videoartistas chinas

Estos videos hablan de violencia. Las artistas –todas viviendo en China-, son valientes al salir de una tradición de silencio para denunciar la violencia ancestral en contra de las mujeres. Cada uno de estos videos señala el dolor. Desde la representación inocente a la metáfora poética, de lo surreal de la experiencia a la demostración pública.

El centro de esta serie lo conforman 4 videos de Yuan Shuling, quien ha enfocado su obra en este tema durante toda su carrera, con una narrativa que deja entrever no sólo desencanto sino una amarga ironía.

Zhang Ting y Yan Yinghong por otro lado, utilizan el performance para, desde ahí, hablar sobre distintos tipos de violencia. El lenguaje soez es representado en todo su absurdo ante la cámara, y el acoso callejero y la violación lo es ante un público.

LA SOMBRA (de la violencia) muestra un poco lo que las mujeres artistas en China ponen sobre la mesa de quienes quieran no sólo mirar, sino actuar en consecuencia. La violencia contra las mujeres es ancestral y sucede aquí y en China. Ya basta. E.R.

A través de la violencia puedo decir que estoy expresando lo que hay en mí, es una manera de conjurar ese dolor y buscar sanarme. Estoy enfocada en mí misma, en los límites de la violencia, descubrir dónde está ese borde. Y claro que esto es desde mi experiencia, pero también sé que muchas mujeres pasan por situaciones similares. En especial las mujeres chinas o asiáticas, que a veces no sufren violencia extrema sino lo que se llama violencia fría, como puede ser la manera en que se les habla o la imposición de mandatos tradicionales caducos, que no necesariamente se ejercen a través de los hombres, sino que se mantienen con la fuerza de la sociedad entera”. Yuan Shuling en conversación para Fuera del Jardín, Artistas chinas contemporáneas.

Comisariado por Elizabeth Ross

violencia-ciclo-fundido-negro-china-videoarte

_

Este ciclo FUNDIDO A NEGRO tiene como finalidad dar visibilidad al fondo de artistas que han depositado sus obras en el Centro de Investigación y Documentación del Videoarte (CIDV). El programa comisariado se proyectará mensualmente en la Sala La Fragua del Museo La Neomudéjar y contará con dos encuentros teóricos, uno físico en el Museo y otro Online, vía zoom. En él, participaran especialistas de diversas disciplinas alrededor del eje curatorial del ciclo.

 

 

Prorrogada hasta el 11 de julio.


La exposición TRAJE HUMANO se inaugurará en el Museo La Neomudéjar de Madrid el 31 de marzo del 2021. Esta es la segunda vez que dicha colección se exhibe fuera de Costa Rica, después de haberse mostrado al público chino en el Museo de Arte Mundial de Beijing.  

La obra de la artista Costarricense de origen Chino Man Yu, llega a España. Trae consigo un mensaje claro de carácter humanista e incluso podríamos decir metafísico. La obra pictórica de Man Yu, su trabajo al óleo y la técnica por momentos hiperrealista nos deja entrever una condición académica pura, la misma que reclama para los retratos que nos presenta.  

La técnica del retrato está contemplada desde una perspectiva clásica, los desnudos, los escorzos, los límites del movimiento nos sugieren una reconexión con la belleza colonial. 

No está en su técnica, la repulsa a lo impuesto, sino en la manera en la que somos expuestos como humanidad. Algunas obras son de carácter preciosista en cuanto a la técnica de óleo, aunque otras difieren con el trazo roto, aportando un contraste de lenguajes que abordan emociones diferenciales entre unas y otras temáticas.  

Traje Humano aborda desde una perspectiva de conceptualización existencial, problemáticas sociales discriminatorias, entre la xenofobia, el racismo, el sexismo, la homofobia, la discriminación por discapacidades, por imagen, entre otros tipos de estereotipos generados por las condiciones y el aspecto de los diferentes cuerpos.   

Frente al trabajo pictórico Traje Humano ha arrastrado una secuela de conflictos estéticos y de diversidad cultural como la moda, la performance, y otras acciones colectivas muy aferradas a las nuevas tendencias de los social que, a mi manera de ver, le roban protagonismo a la poesía purista de la pintura expuesta. No obstante, la hibridación con diversos lenguajes y colectivos, ha dimensionado la experiencia íntima para hacerla universal. El atisbo iniciático se deja entrever en algunas imágenes que refrendan las leyes del Kybalion sobre el “como es adentro es afuera” o como es arriba es abajo. La exposición Traje Humano, nos coloca en la posibilidad de reflexionar sobre el “dispositivo piel” que nos envuelve, pero que no nos conforma como especie, ni como raza.  

La pintura de Man Yu habla de ese viaje a Itaca, la niñez y la inocencia que a lo largo de la vida dejamos atrás y que con las experiencias vividas perdemos sin darnos cuenta. el Retorno a la Itaca de Man Yu, pasa por revisitar aquellos lenguajes que creaba en su psique aun limpia, no corrompida. Este trabajo sin pretenderlo evoca a “El Lobo estepario” de Hermann Hesse que reclama la pureza de los hombres ante la corrupción de la sociedad que los pervierte. Para la niña Man Yu, la realidad era clara, cada noche su piel era otra vestimenta añadida a la de los tejidos, podía desprenderse de ella, para sumergirse en él astral. Alguna reminiscencia de una espiritualidad pura, aflora en la mujer que ahora es Man Yu. La llave que le permite ejercer una acción cuántica y doblar el espacio tiempo, es un dibujo que pinto a sus 9 años, hallado en la visita a su casa materna. La obra que nombra esta exposición arranca en un viaje vibracional relacionado con la teoría de cuerdas, un universo que se pliega y nos retrotrae a la infancia. La pintura de Man Yu es meticulosa, bien precisa en su técnica y con ciertos trazos de contemporaneidad que les otorgan a sus dibujos esa manera de hacer y dejar sin hacer, que tan magistralmente alude a las tendencias actuales de los últimos 20 años del dibujo. Man Yu se sumerge a partir de esta idea primaria, en cada una de las capas o vestimentas que la sociedad ha ido imponiéndonos. Un anhelo por rescatar la esencia misma de las personas más allá de su contexto de raza, género o posición social.  

Manuel Díaz (Ciudad de México, 1983) presenta una selección de 6 vídeos con temática espacial realizados entre 2012 y 2020. A través de estas piezas, aborda desde una perspectiva crítica y poética la relación del ser humano con el Universo; lienzo negro en el que Manuel recoge preguntas y traza reflexiones sobre la existencia. 

Tiempo total de proyección del ciclo: 22:42m 

“Como es abajo, es arriba. El Universo se expande al pulsar de cada célula… si aprendes a escuchar y prestas atención. En Conciencia. Ser el piloto y ser la nave. Cerrar los ojos y despegar. Surcar el Cosmos inabarcable en largas inhalaciones, expandirse en exhalaciones profundas; contemplar. La observación de las formas armónicas del Universo como meditación. La interrelación de las causalidades como método de interpretación. El autoestudio como vía de creación y camino espiritual. 

Nacer y morir en cada respiración. Estrellas, planetas y galaxias que surgen y cesan para dar lugar a otras estrellas, planetas y galaxias que vuelven a surgir y a cesar. Pulsares. Big-Bangs. Polvo estelar. Cada vida terrícola es un soplo –indispensable– en la Gran Respiración Cósmica. Entre nuestro finito y el Infinito, abrazar el instante. Y ahí; aquí, ahora, sólo ser, sólo estar. 

Estas son algunas de las visiones que evocan las bitácoras de viaje espacial de Manuel Díaz. En plena neo fiebre espacial neo colonialista, los videos que aquí nos presenta, nos lanzan en busca de nuestra verdad Cósmica; más allá del azul profundo, mirar hacia dentro para reconectar con esas viejas interrogantes primigenias y trascendentes desde una conciencia crítica del presente: ¿Qué hacemos aquí? ¿Cuál es nuestra misión en este planeta? ¿Qué hay más allá de lo que pueden ver nuestros ojos terrícolas? 

Las respuestas a dichas interrogantes las tiene cada quien escritas en su ser esencial. Sólo basta levantar la mirada al cielo; imaginar. Llevarla hacia dentro; meditar. Abordar la nave que despegue hacia el Infinito y confiar en la visión. Como es arriba, es abajo. Valgan estos videos de Manuel Díaz como un llamado a la aventura para encender los motores y abrocharse los cinturones, que la Nave Va. Buen Viaje. ” Beantpal Singh Khalsa

DEL 03 DE FEBRERO AL 28 DE MARZO.

Gabriel Grun nos presenta un trabajo que recoge el testigo de los grandes del Renacimiento, el Barroco, la escuela Flamenca, sus pinturas podríamos relacionarlas con Ribera, Durero, Van Eyck o Da Vinci, su asombroso trabajo se reclama como heredero de un arte clásico, aunque no por ello deja de aportar un lenguaje personal y un universo diferencial que por momentos evoca tintes surrealistas. 

Retratos y autorretratos, posicionan a Gabriel ante la paradoja de un espejo, sus pinturas le sitúan tanto a él como a su compañera de vida, en la base de la transgresión que su gesto creativo desprende. La evocación a los temas clásicos, el ocultismo, el imaginario mitológico acompañan a una manera de hablar con el óleo que reporta el gusto exquisito por los colores, y su elaboración artesanal. Porque para enfrentarnos a la obra de Gabriel Grun tenemos que relacionarnos con una serie de términos fundamentales, que atañen tanto a los materiales utilizados (aceites, pigmentos, minerales) como a la composición, el color, la anatomía, el paisaje, la geometría etc. Porque la obra de Gabriel es un continuum del Arte de los clásicos que ha sobrevivido hasta el día de hoy, pese según Grun al impresionismo y otras derivas artísticas del siglo XX que han relegado a la tradición pictórica de los grandes a un mal entendido como Arte antiguo.   

Si atendemos a la reflexión planteada por el propio Gabriel Grun, es cierto que el arte que ha perdurado durante siglos, y que llena gran parte de los Museos, ya no tiene nada que demostrar, es un lenguaje que trasciende y prevalece. Los otros lenguajes, necesitaran otro recorrido al menos similar, para equipararse y demostrar su valía ante el implacable dios Cronos.  

La pintura de Gabriel Grun gana en la cercanía, su oficio deja al desnudo la magnitud de una obra trabajada, reposada en el tiempo y elaborada con precisión quirúrgica. Sin entrar en el detalle de la temática, la obra en sí respira una contención brillante que irradia más allá de lo que él lienzo deja entrever. El retrato como lenguaje universal, trasciende la alegoría de muchos de sus cuadros. El detalle preciso, invisible, obliga a un tiempo de observación. Cada obra es un mensaje cifrado, una acertada adivinanza que exige observación, paciencia y conocimiento. Extraños términos para hablar de arte hoy en día. Aun así, la determinación del artista es clara, hacer oficio.  

Su trabajo revisita muchos de los temas clásicos, pero también ocultistas, Grun ahonda en la simbología, en el acertijo que puede operar detrás del mito, y lo impregna de un lenguaje diferencial que, con apenas un pestañeo, podríamos identificar sin dudarlo su autoría.  

Esta pequeña muestra recoge un arco temporal de varios de sus trabajos, inquietudes y sensibilidades. La experiencia de la observación, sorprenderá con hallazgos a aquellos que sepan mirar y entender.  

Francisco Brives. 

PRORROGADA HASTA EL 2 DE MAYO.

Esta exposición recorre un espectro amplio de la obra producida en los últimos 26 años. La experiencia para el visitante, exige una complicidad y un recorrido histórico/social que probablemente es un territorio común, solo se necesita una pausa breve, respirar y tomar conciencia para adentrarnos en los márgenes.

Este conjunto de obras plantean un recorrido emocional con las memorias de contextos y hechos sucedidos ante nuestros ojos, las pantallas de televisión o las páginas de los periódicos. Derivas de carácter humanista que Oscar Vautherin recicla, esculpe, suelda o compone para interpelarnos a la necesaria reflexión sobre lo que acontece, sea en las costas de nuestras playas, sea en la locura de la guerra, sea en la hambrunas y la emigración, la pandemia covid o la sobreexplotación de recursos en el tercer mundo. La trayectoria del artista ha estado muy vinculada al compromiso social, la concienciación, la revisión del aquí, el ahora y la carencia de oportunidades para los más vulnerables.

En una sociedad cada vez más deshumanizada y presa de la crueldad acentuada del capitalismo, Vautherin nos coloca ante un espejo de realidad y conciencia.

Sábado 19 de Diciembre 19:00H.
 
 
“EL RESTO ES TODO (LO NORMAL)”// Aula Nostra
Muestra Butoh en las salas principales del Museo.
 
En el espejo del baño la realidad es una aberración nacida en las pesadillas acumuladas de todas mis madres. El mundo se desdibuja entre los vidrios del autobús mientras miles de cerebros se pasean en sus máquinas mortales. Puedo sentir el desayuno deslizándose por los toboganes de mi miseria. Disentería. Boquerones. Aquí otra vez donde nunca hubiese estado de no haberme enamorado. Y vuelvo al sótano, la locura se ha hecho dueña de la superficie. Me ahogo en tus ojos mientras mueres de alegría (de ahogarme en tus ojos, morirías de alegría). El resto es todo lo que importa.
 
 
ARTISTAS:

 

-P- 

Nombre: María Gónzalez 

Título: ¡Nos vemos en las alcantarillas! 

_ 

Busca un lugar olvidado por todos, húmedo y oscuro, pero con pequeñas entradas de luz y aire. Un lugar donde vive y crece lo que apartas. Las alcantarillas de la memoria. ¿Sabes esa sensación que te empuja a mirar al vacío, a las vías del tren con curiosidad, atracción y terror? Esa sensación me empuja y salto. Quiero caer y vivir en esa caída sin tiempo, sin principio ni fin (Una vida dentro de esta sucesión de vidas.). Y caer, y romperme en mil pedazos brillantes como el oro que se incrusta en las rocas del tiempo y lo convierte en suelo fértil. La alegría de romperse en mil pedazos y amar con fuerza.  Ratas, fango, hedor, y entre tanto horror, brillantes porciones de un cuerpo explotado que sigue siendo uno, que sonríe y ama, que recuerda y sigue caminando. 

 

-M- 

Nombre: María Nolé  

Título: La engatusadora 

_ 

‘Aquí vivimos con una mano en la garganta. Que nada es posible ya lo sabían los que inventaban lluvias y tejían palabras con el tormento de la ausencia. Por eso en sus plegarias había un sonido de manos enamoradas de la niebla.’ Alejandra Pizarnik. 

 

-T- 

Nombre: Tania Hermida 

Título: Ámbar 

_ 

Soler dejarse caer 

sin el posterior sustento. 

Que la gravedad dirija la escena. 

Que no se decida. 

Quizás, ciclo de chicle, 

tus hojas tengan hoy mudanza. 

 

-G- 

Nombre: Grau Torres 

Título: Antes y el primer día 

_ 

Tuve una buena vida, no me puedo quejar. Una vida con éxito, familia, dinero y felicidad. Pude ir un poco más lejos que mis padres. Salir del pueblo, estudiar y trabajar de lo que me gustaba hasta cansarme.  

Esta vida ahora se acaba. 

Me gustaría poder decirle “¡Te amo con todo mi corazón!” a mi padre y a mi hijo; 

y siempre me quedará la pregunta de si es el alma que entra en el cuerpo o es el cuerpo que se crea alrededor del alma. 

 

-V- 

Nombre: Virginia Torres 

Título: Amatista 

_ 

Cárcel, jaula corpórea. Piel y más piel. Capas y más capas. Necesito salir de aquí.  

Alguien ahí dentro grita. Es una niña de mejillas sonrosadas. Este juego no tiene gracia. Necesito salir de aquí.  

Amatista, morada y fría. Ella es la guía. Nos arrastra por un camino tortuoso. ¡Está muy oscuro, es muy estrecho! ¡Este juego no tiene gracia, necesito salir de aquí! La piel se arruga, la niña sigue ahí. Abre sus ojos por vez primera al mundo de ahí fuera. La luz la ciega. Es demasiado bello y aterrador al mismo tiempo. 

 

-A- 

Nombre: Alejandro Martín 

Título: Un vals sobre las nieves

_     

¿Sabes cuándo sabes algo que no quieres saber? 

       En forma de ostias, abrazos o mesas de cristal 

       No tirar al mar los restos 

            Ese era el secreto 

            que nunca nos contaron. 

        Los restos, eso que nos quedaba cuando 

        acabamos con todo 

              Y ni por esas 

              Amor. 

 

-X- 

Nombre: Alejandro Victoria 

Título: Bolus 

_

Estragada en la génesis de su insaciable necesidad de cagar, de escupir, de tragar, de llenarse de otros cuerpos; mareada al trazarse como un cero periódico que sospecha ser; despreciada y después escondida a la luz del fuego carnal; corrupta públicamente desde sus cenizas, la perfecta máquina perfecta se aqueja.  

Porque un ser que vive en el quimo se siente a  mismo como náusea. una danza que habita la bilis se abre al espacio como arcada. un nacimiento que fluye desde las entrañas surge cautivado como vómito.  

En esta pieza, un extracto digestivo que no conoce ni su fin ni su principio explora una eterna y nauseabunda natalidad, perdiéndose en la diferencia de su repetición. un bolo alimenticio de aspiraciones expiradas recorre nuestro esófago. nos demoramos en un ritual de parto anal por la garganta. 

 

-S- 

Nombre: Sandra Martins 

Título: Sueños que no existen 

 

-N- 

Nombre: Nora Espinosa 

Título: Save my soul 

_

“He aquí la sierva del Señor; 

Hágase en mí según tu palabra.”  

Abierta de tanta miseria. Deidad no manifiesta.  

Espacio en blanco, preñado y a la vez vacío. 

 

-B- 

Nombre: Alberto Ruíz Martín 

Título: Estoy en ello / Encarnación de una nube 

_

«-Tocas bien, pero te falta fe. 

– ¿Me falta fe? ¿A qué te refieres? 

-Si, es como si desviaras tu atención, como si abandonases en lo que estás… 

-(…) 

-(…) 

Ya, me suele pasar, pero no sólo con este ejercicio en concreto, pongo atención en algo hasta que sin darme cuenta me he perdido ”esta realidad” por unos ¿instantes? y claro tengo que volver…» 

 

-E- 

Nombre: Elisa González 

Título: Hilos de agua. ¿No pueden coser? 

 

 
Prórroga hasta el 24 de enero.

IVAN MARCHUK 1936

Pintor contemporáneo de origen ucraniano nacido en Moskalivka en 1936. Proviene de una familia de tejedores, se graduó en el Instituto de Arte Aplicado y Decorativo de Lviv en 1965 y luego se mudó a Kiev. Hasta 1988 se le negó ser miembro de la Unión de Artistas de Ucrania porque sus temas y su estilo no se ajustaban al realismo socialista de la época. En Kiev, creó las composiciones en relieve de baldosas de cerámica de gran tamaño (1969-72) en el Instituto de Física Teórica de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Ucrania.

Marchuk pinta fantásticas composiciones figurativas y florales con elementos del surrealismo, retratos hiperrealistas (por ejemplo, R. Selsky, 1981), paisajes enigmáticos y composiciones expresionistas abstractas (por ejemplo, la serie “Preludios de colores”, 1978). Sus pinturas temperamentales de la serie “La voz de mi alma” representan situaciones aparentemente irracionales con personas esqueléticas, a menudo grotescas, cortadas en la cintura y rodeadas de objetos siniestros y criaturas en un vasto paisaje vacío (por ejemplo, Nido vacío, 1975, y Diálogo sin palabras, 1976).

La paleta de Marchuk bordea lo monocromático, y la irrealidad de las imágenes se ve reforzada. Sus paisajes realistas tienen una textura peculiar y densa que consiste en capas de pigmento que, combinadas con el uso dramático de la luz y la oscuridad, crean una atmósfera de inquietud y misterio (p. Ej., Willows in the Embrace of a Moonlit Night,1978, y Apple en la nieve, 1979). Después del accidente nuclear de Chernobyl en 1986, Marchuk creó composiciones de pesadilla que representan la destrucción total de nuestro planeta (por ejemplo, Warning 1986). Ha tenido numerosas exposiciones individuales, comenzando en Moscú en 1979 y Kiev en 1980. Sus 43 lienzos inspirados en la poesía de Taras Shevchenko fueron expuestos en el museo en la Reserva Nacional Shevchenko, en Kaniv. En 1989 dejó la URSS y vivió en Estados Unidos, Canadá y Australia. Tras de los ataques del 11 de septiembre de 2001 que vivió, Marchuk decide volver a Kiev. obteniendo un prestigioso premio T. Shevchenko en 1997. 

Marchuk fue clasificado en la lista de Gran Bretaña de “Top 100 genios vivos” por el Daily Telegraph. La Academia Internacional de Arte Moderno de Roma lo admitió en el Gremio de Oro (que incluía a 51 artistas de todo el mundo) y lo eligió Miembro Honorario del Consejo Científico de la Academia.

Marchuk inventó una forma única de pintar sus imágenes, que él llama “dabbing-on” (pliontanismo), creando así un efecto inusual de la luminiscencia de sus obras. Actualmente se planea construir un museo de Ivan Marchuk en Kiev.

Prórroga hasta el 31 de enero.

Antonella Trovarelli confronta sus demonios internos en busca de una lógica universal que la lleve a crear un lenguaje propio que asimile un conjunto de ideas, asociaciones y reflexiones en torno a que la violencia del paisaje es el sistema. 

Trovarelli parte del color como sistema de composición para luego incorporar el alumbramiento de formas antropomórficas que finalmente se hacen presentes de una manera contundente en la composición de la obra. 

Los seres antropomórficos que operan en sus creaciones, interpelan al conjunto de cualidades e impulsos humanos de un grupo reducido de personas que no se asimilan a la normatividad social imperante. Un universo lesbiano que sólo podemos adivinar a través de sus títulos. Antonella Trovarelli, ahonda sobre el universo Queer, lo confronta y lo somete a una crítica audaz y sarcástica, se compromete a romper con los estereotipos de las nuevas teorías y busca que hay más allá de un discurso imperante dentro de un universo bien reducido. El poliamor, lo queer, el feminismo, son algunas de las puntas de lanza que interpela con esta serie de “Médulas”. Por momentos son retratos, por momentos escenas costumbristas de un futuro inmediato, donde la realidad de estos entes, pareciera crear el estudio sociológico de una nueva especie.  

La necesaria descarnación de las “cuerpas”, según palabras de la artista, pasa por que los seres han de reconocerse como tales, utilizando la medula espinal como herramienta de alerta. Es el tuétano el encargado de conectar y transmitir los impulsos nerviosos que los revelan ante los ojos del espectador con su naturaleza intacta. Mostrándose limpios de los despojos que la sociedad impone con su sistema de cosificación, etiquetas, clases y comportamientos.  

Es por ello que la obra de Antonella no evoca una distopia, para la pintora, la obra esta creando un futuro que es yaun presente real en la sociedad que vivimos. 

Las Médulas (nombre con el que bautiza a esta nueva estirpe) son seres que a lo largo de su vida han ido despojándose de automatismos e ideas preconcebidas, necesitan desmembrarse, sangrar, quitarse la piel humana y mostrar sus esqueletos como la capa primaria que les alivia de las creaciones sociales que todos padecemos, la raza, el género, el patriarcado, o los sistemas que se imponen como el capitalismo, la tecnocracia o la esclavitud tecnológica. 

Aunque también y pese al nuevo orden formado, son herederos de los males que aquejan a la juventud, el hedonismo, el selfie, la necesidad de ser contemplados y admirados, forma parte de su naturaleza narcisista. Por ello las poses forzadas, los atrevimientos ante a cámara y el encaje del plano nos recuerdan lo complejo de atravesar el orden establecido para alumbrar una nueva realidad.  

La propuesta de Antonella Trovarelli forma parte de la apuesta del Museo hacia la investigación de nuevos públicos, obra creada en residencia durante un año en el propio Museo y que acompaña la necesaria visibilidad de las voces nuevas del arte.

_bio

Pintora emergente que vive y trabaja en Madrid. Comienza su carrera artística en el año 2007 como autodidacta, obteniendo un lugar en el “Taller de Esencialismo” en la ciudad Buenos Aires, donde se forma tanto práctica como teóricamente en el camino de las artes plásticas. Durante los años 2013 al 2017 se convierte en co-fundadora del colectivo artístico “Imaginaria”, en la ciudad de Mendoza, Argentina, que tiene como objetivo crear un espacio de confluencia itinerante para el arte independiente local. Paralelamente organiza, coordina y difunde un Centro de Arte Autogestionado para impulsar y desarrollar la cultura local e internacional. Ha realizado muestras colectivas e individuales en las ciudades de Buenos Aires, Mendoza, Valencia y Madrid. Ha participado en la 10ª Edición (2018) de la Revista Flamantes y diversas publicaciones más en España, Inglaterra, Argentina, Croacia, Italia e Israel.

Antonella Trovarelli

Del 11 de Septiembre al 1 de Noviembre

// EL VIAJE.

Esta exposición nace del deseo de realizar un acercamiento con carácter de retrospectiva a la obra de Jesús Coyto. Su trabajo está cargado de una poética con rasgos de contemporaneidad que hacen enorme la temática universal, aunque por momentos intimista, de las diversas etapas por las que ha ido transitando entre su dilatada carrera.

Aunque en su obra predomina la técnica encáustica (también hay fotomontajes, grabados…) destacan de manera prominente el trabajo de las veladuras. Un universo basado en las nieblas o los recovecos que exigen del espectador una mirada activa y sosegada para, a través de la contemplación, desentrañar el collage de historias que se ocultan bajo la niebla de su obra. Es sin duda una exposición que recorre una diversidad de temáticas y técnicas que reflejan la maestría de un obrero del arte, del que siempre hay algo que aprender.

Francisco Brives

http://zapadores.org/profile/jesus-coyto/

 

[BIO]

Estudió Bellas Artes en la escuela superior de san Fernando Madrid.

Durante la carrera recibe el premio Goya Villa de Madrid 1982.

Vivió en Nueva York un tiempo donde se impregnó de las nuevas tendencias de los años 80 y de vuelta se refugia en Ibiza donde trabaja 3 años allí.

Se identifica con la pintura mediterránea y estudió cerámica donde realizó una abundante producción y consolida lo que en adelante seria su estilo informalista.

De vuelta a Madrid, 1986, realiza una importante exposición en el Matadero donde lo contrata el Ayuntamiento y crea la empresa “Boira” de Servicios Culturales donde el mismo imparte clases de pintura. 

Encuadrado en la denominada “Movida Madrileña” Realiza múltiples exposiciones en diferentes Galerías y entidades Públicas.

En su estudio de Peñuelas en el madrileño barrio del Portillo de Embajadores pinta durante varios años desarrollando su estilo e investigando continuamente nuevas técnicas encáustica, mixtas, grabado, serigrafía etc.

En 1990 funda la Galería “Mantis” y participa en numerosas ferias y certámenes de artes nacionales e internacionales.

En el año 2000 buscando de nuevo el Mediterráneo se traslada a Valencia donde pinta durante 12 años e investiga nuevas técnicas, así nace lo que es su última producción donde incorpora fotografía y toda la amplia gama de conocimientos matéricos que ha adquirido a lo largo de su investigación plástica.

En 2015 se traslada a su tierra natal, el pueblo donde nació Castillejo de Martin Viejo (pequeño pueblo de la provincia de Salamanca próximo a Ciudad Rodrigo) donde construye su estudio.

Aquí influenciado por sus ancestros reconstruye su pasado y nace una inquietud hacia la naturaleza y el paisaje Charro con toda su crueldad y sus bondades. Emoción que repercute en su nueva obra en gestación.

Su obra se encuentra repartida por diferentes colecciones nacionales e internacionales. Así como en diferentes Museos: Museo Municipal Arte Contemporáneo Madrid, Museo de Colmenar Viejo Madrid, Museo municipal de Ciudad Real, Museo de Salamanca, Diputación de Salamanca, Museo Fundación Medinaceli Soria. etc 

www.jesuscoyto.com


Prorrogado hasta el 1 de noviembre | Del 5 de agosto al 11 de octubre de 2020.

El proyecto navega entre tiempos, espacios, memorias, conflictos, posos, denuncias, preguntas, debates… entre lo personal y lo público, entre lo enseñado y lo aprendido, entre lo establecido y lo cuestionado, entre la imagen y el sonido, entre lo textual y lo simbólico, entre lo real y lo virtual.

Las imágenes mismas son fenómenos a la vez fugaces y permanentes y el hecho de que todas esas imágenes persistan, vehiculan la memoria. Si desmitificamos el concepto de arte, podemos afirmar que su función es la de generar interrogantes.

Los proyectos aquí presentados pueden leerse de forma horizontal -línea temporal-, vertical -pliegue y orden implicado- y transversalmente -narrativa múltiple-.

 

BIO

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente es profesora de arte y nuevas tecnologías en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM (Cuenca).

Desde los años 90 investiga y desarrolla proyectos enfocados al área de la interacción creando e investigando en proyectos visuales y sonoros. Podría resumir su trabajo actual en base a 3 puntos.

El primero de ellos respecto al concepto del Flanêur en base a nuevos conceptos de espacio y tiempo (D. Bohm). Estos intereses van de la mano del grupo de investigación Fuzzy Gab .4 en donde investiga en un punto fundamental de su investigación: nuevas interfaces gestuales. Y en tercer lugar la ‘Educación Líquida’; es decir la lógica Borrosa (Zadeh) y la Modernidad líquida (Bauman) acerca del conocimiento y nuevos paradigmas educativos: proyecto FMoLE (Fuzzy Map of Liquid Education) en colaboración con varios países europeos.

En su faceta literaria, ha escrito varios libros (fase de edición) que versan entre el libro de artista y el ensayo. Entre la propuesta gráfica del Kintsugui (cuadernos en tinta china, troqueles y cosidos) y el micro-relato que dialoga con el poema.

Algunas de sus estancias más destacadas han sido en el ZKM de Karlsruhe (D), Empresa Riverbed para el proyecto Robert Wilson en la ciudad de Nueva York, así como en el i-DAT de Plymouth (UK).

Así mismo ha expuesto y dado conferencias y participado en conciertos en España, Alemania, México, Portugal, Polonia, Eslovenia y Rumanía.

www.sylviamolina.net

 

[English version]

PhD in Fine Arts at the UCM. Currently, I teach art and New Media in the Faculty of Fine Arts of UCLM. It is since the early 90s that I research and I develop projects focused on the interaction field, creating artistics and music/sound projects research. I could resume me actually of work around 3 point.

The first of one it will be the concept of the Flanêur around the new concept of time and Space (Bohm). These interests go together in the concept of the group research FUZZY GAB .4. And the 3rd one point is the ‘Liquid Education’; that’s mean, the Fuzzy Logic (Zadeh) and Liquid Modernity (Bauman) around the Knowledges in the new Education Pardigm:FMoLE (Fuzzy Map of Liquid Education). In his literary side, he has written several books (editing phase) that they are between the artist’s book and the essay.

Among the graphic proposal Kintsugi (notebooks in Chinese ink, dies and stitches) and the micro-narrative that dialogues with the poem.

Some of his most outstanding stays have been in ZKM of Karlsruhe (D), Riverbed Company for the Robert Wilson project in New York City, as well as in the Plymouth i-DAT (UK).

She has also exhibited and given lectures and participated in concerts in Spain, Germany, Mexico, Portugal, Poland, Slovenia and Romania.

 

EXPOSICIÓN ACTUAL

En el marco de la contingencia causada por la aparición del COVID19, la Red Mexicana de Performance perfoREDmx lanzó una propuesta artivistica bajo el lema #CONFINAMIENTO ciclo de videoperformance, un programa integrado por cuarenta artistas de países como México, España, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Colombia, Uruguay, Eslovaquia y Argentina, quienes realizaron solidariamente obras desde casa. 

 

Cada uno de ellos nos presenta la manera en que sus cuerpos resienten la cuarentena. Un ejercicio creativo para traducir los sentires y compartir el deseo de volver a la normalidad. Así se conformó la #Fase1, esta muestra, una curaduría sin curaduría, un ejercicio de libertad que tuvo como único fin escuchar al otro y hacer un juego de miradas, desde el confinamiento. 

___________________________________________________________________________________________________________________________________

Durante 40 días, a partir del 25 de abril de 2020, la Red Mexicana de Performance perfoREDmx, a sus cinco años de formación, lanza una propuesta artística bajo el lema #CONFINAMIENTO ciclo de videoperformance, reapareciendo en la escena internacional con esta campaña de contenidos online apoyada por una red institucional que reconoce su labor e interés en el mundo de las New Media Arts, concretamente en el videoperformance, bajo la coordinación desde México de Pancho López y Celeste Flores, con el apoyo de Lucy Magaña, Isis Pérez y Laura Lubozac. Se suman a esta iniciativa el CIDV del Museo La Neomudéjar y otras instituciones internacionales como CCECR o Building Bridges AX.

Para este periodo de cuarentena, se ha diseñado un programa invitando a cuarenta artistas a realizar solidariamente obras desde casa (de 1 a 5 minutos) para el ciclo de videoperformance #Confinamiento, el cual se desarrollará durante cuarenta días y que tendrá un estreno diario desde el 25 de abril y hasta el 3 de junio a las 13:00 horas (hora de México) y se compartirán por los canales de Youtube y Vimeo, así como en los muros del Facebook de los miembros y socios de la red. Entre los 40 artistas destacan nombres históricos del performance mexicano como María Eugenia Chellet, así como otros muy reconocidos de la escena internacional englobando a países como México, España, El Salvador, Guatemala, Colombia, Uruguay, Argentina, etc.

Para ello, perfoREDmx ha creado importantes alianzas con Museos, galerías y espacios independientes, sumando socios que brindaran cobertura en sus redes sociales a lo largo de esta campaña, además de que, una vez finalizado el confinamiento, contará con nuevos foros de exhibición para mostrar y compartir la compilaciónn de videoperformance resultante. Las instituciones que se han adherido a esta iniciativa de la Red son:

La Red Mexicana de Performance perfoREDmx, es una organización autogestiva y sin fines de lucro, que busca construir puentes de intercambio entre artistas, contribuyendo a la investigación, la difusión y el diálogo sobre el arte del performance en México. La Red está conformada por festivales independientes de performance en la República Mexicana. Los festivales en red son:

 

EXTRA! / Ciudad de México

Es un espacio de activación que surge como resultado de Performagia (Museo Universitario del Chopo, 2003-2009) con el fin de generar constantemente contenidos conjugando híbridos, los cuales no pueden catalogarse dentro de otras disciplinas artísticas -como el teatro o la música- con la finalidad de crear nuevos públicos, y brindarles a los consumidores habituales del performance contenidos experimentales. Coordinación: Pancho López.

 

CORPÓREA / Zacatecas

Corpórea es un festival de performance que se realiza anualmente con el apoyo de la Universidad Autónoma de Zacatecas y del Instituto Zacatecano de Cultura. En este festival confluyen propuestas emergentes de artistas nacionales e internacionales, se llevan a cabo conferencias, presentaciones en vivo de performances y talleres que pretenden generar un diálogo con jóvenes artistas locales, para fomentar la producción y el disfrute del arte acción en Zacatecas. Coordinación: Isis Pérez.

 

HORAS PERDIDAS  / Monterrey

Surge desde el 2008 como un encuentro de performance teniendo como principal prioridad la utilización del espacio público para la presentación de ejecuciones de arte de performance. Convertida en Bienal Internacional desde el 2010, se sitúa en la búsqueda de un terreno de construcción y  transformación socio-cultural comprendiendo que el  arte del performance es un agente activo de cambio y beneficio social. Coordinación: Celeste Flores.

 

LABORATORIO DE PERFORMANCE Y GÉNERO – LPG / Querétaro

El Laboratorio de Performance y Género (LPG) es una iniciativa volcada a la enseñanza, la investigación académica, artística y teórica en el rubro del arte acción y el cuerpo, así como a los temas relacionados a los estudios de género como la sexualidad, las diversidades, la teoría queer, la violencia, el arte, las fronteras, los límites, la memoria, las minorías y la identidad, a través de Coloquios, talleres, seminarios, festivales y exposiciones. Coordinación: Lucy Magaña.

 

ENAPE / Pachuca

El Encuentro de Arte y Performance ENAPE es un encuentro anual que se realiza desde 2014, organizado por Revolver Azul. La duración de ENAPE es de 7 días de actividades, donde además de las muestras performáticas, se realizan talleres de especialización artística gratuitos para los participantes y el público asistente. ENAPE se convierte en una estadía artística para los participantes de una semana de creación que logra crear verdaderas redes de creadores que perduran fuera del encuentro. Coordinación: Laura Lubozac y Santísimo Ozzie.

_

PROGRAMACIÓN:

25/04/2020 – Tzitzi Barrantes (Colombia)

26/04/2020 – Fina Ferrara (México)

27/04/2020 – Aura Torres (México)

28/04/2020 – Isabel León Guzmán y Llorch Talavera (España)

29/04/2020 – Belén Villegas (México)

30/04/2020 – Juan Pöhls (México)

01/05/2020 – Antonio Palacios (México)

02/05/2020 – Marco Ávila Rodríguez (México)

03/05/2020 – Laura Valadez Márquez (México)

04/05/2020 – Mayté Esparza (México)

05/05/2020 – Colectivo Meraki (Gael Estrada Ortiz y Esmeralda Espinosa López) (México)

06/05/2020 – Kiyo Gutiérrez (México)

07/05/2020 – Lysette Yoselevitz (México/Canadá)

08/05/2020 – Mario Barragán (México)

09/05/2020 – Trino Guerrero (México)

10/05/2020 – Arely Becerra (México)

11/05/2020 – G. Hurley Santos (Argentina) y Amaranta Mérida (México)

12/05/2020 – Irvin Gritatti (México)

13/05/2020 – Eliana Gómez (México)

14/05/2020 – Elidé Guzmán Gómez (México)

15/05/2020 – Ever Rodas (Guatemala)

16/05/2020 – Mar Coyol (México)

17/05/2020 – Alexia Miranda (El Salvador)

18/05/2020 – Alejandro Jahuey (México)

19/05/2020 – María Eugenia Chellet (México)

20/05/2020 – Jorge González Hincapié (Colombia)

21/05/2020 – Anabel Vanoni (Argentina/México)

22/05/2020 – Rodrigo Arenas-Carter (Chile)

23/05/2020 – Choya Jackson (Costa Rica)

24/05/2020 – Lechedevirgen Trimegisto (México)

25/05/2020 – Ivonne Navas Domínguez (Colombia/México)

26/05/2020 – Mario Ortiz Ossa (Colombia/Argentina)

27/05/2020 – Ángela López Ruiz (Uruguay)

28/05/2020 – Luiza Prado (Brasil)

29/05/2020 – Sarah Trouche (Francia)

30/05/2020 – Rokko Juhász (Eslovaquia)

31/05/2020 – Paola Paz Yee (México)

01/06/2020 – Karla Solano (Costa Rica)

02/06/2020 – Emilio Rojas (México)

03/06/2020 – Yolanda Benalba (España/México)

* Esta programación está sujeta a cambios o reajustes sin previo aviso.