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P. E. P. A. Pequeño Evento de Performance Art es un evento de performance en Madrid que surge de la iniciativa de la artista de performance Analía Beltrán i Janés que pretende cubrir la necesidad en Madrid de eventos de arte de acción con una continuidad en el tiempo. En su formato online PEPA ha sido co-dirigido con la también artista de performance Verónica Peña. PEPA es un lugar de encuentro para el arte de performance que intenta ofrecer en cada edición un elenco variado de artistas combinando performers de larga trayectoria con artistas emergentes, así como artistas nacionales e internacionales. Con una periodicidad más o menos mensual lleva desde enero de 2018 programando encuentro con la finalidad de dar a conocer y difundir el arte de acción en Madrid, con alguna escapada a otros lugares de España.

Los artistas que presentarán su trabajo en esta ocasión son: KAMIL GUENATRI , FRANZISCA SIEGRIST, JUDIT CHULIÀ ORDUÑA – HINA VAGINA y VIRGINIA JORDÁ.

KAMIL GUENATRI

Nacido en Argelia en 1984, vive y trabaja en Francia. Estudió ingeniería de sistemas y luego, en 2009, se unió al estudio de poesía y artes escénicas de la Universidad Mirail. Desde 2010 presenta varias performances, exposiciones multimedia, entre ellas The Regional Contemporary Art Fund – Les Abattoirs en Toulouse, el Mes Internacional del Arte de Performance en Berlín y otros festivales internacionales en España, Inglaterra, Suiza, Portugal, República Checa, Polonia, Colombia. y Estados Unidos.

Presenta la obra: “COLORIS CORPUS #0”

Un diálogo entre el cuerpo y el color como elemento físico en sustancia material o simbólica. En este ciclo trato de explorar un lenguaje cromático de objetos y acciones creando secuencias en situaciones dispuestas en oposición y complementariedad. De esta forma, el cuerpo se fusiona y la experiencia con el público se convierte en un adorno de patrones.

Kamil-guenatri.fr

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Próxima exposición 2023

Taller con Margarita Aizpuru

Curso/Taller de Margarita Aizpuru (Proyecto y docencia). Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, docente, directora, experta en nuevas tendencia de arte contemporáneo, arte, género y  feminismo, performance, videoarte y fotografía expandida. Ha sido directora de la Bienal de performance de Granada y de las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía (ver curriculum al final)

Programación y Espacio: La Neomudéjar (ArtHouse)

El curso-taller consta de 5 días de temario intensivo, 4 horas diarias,  y un concurso de selección de hasta 4 proyectos de performances, elegidos por Margarita Aizpuru, para ser realizados en el CICLO PERFORMANCE GÉNERO Y FEMINISMOS a realizar en La Neomudéjar, formando parte de las prácticas del Curso-Taller noviembre de este año 2022.

Total de horas y horario Curso/Taller: 20 horas, 5 días a 4 horas diarias (con descanso de 20 minutos), miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo, de 17 h a 21 h, del l 23 al 27 de noviembre de 2022, ambos días inclusive.

Lugar: Museo La Neomudéjar,   C. de Antonio Nebrija, S/N, 28007 Madrid
 Email contacto: info@arthousemadrid.es

Matrícula curso: 130 euros

Como realizar la matrícula:
Para aquella persona interesada en inscribirse en el curso, dirigirse a Margarita Aizpuru, margaaizpuru@gmail.com

Certificado del curso: Se expedirán los correspondientes certificados del curso, firmado por un representante de la institución y por la profesora del curso.

PRESENTACIÓN

El contenido del curso versará sobre los aspectos conceptuales, visuales, teóricos y prácticos de la performance en interrelación con los discursos y las prácticas feministas y de género.

Desde los orígenes de la performance, y el arte corporal en general, hasta estos últimos años en los cuales hemos asistido a un revival de esta práctica artística, diferentes generaciones de creadoras han desarrollado mecanismos y lenguajes, y han abierto caminos tan específicos y contundentes en el territorio de la performance como para que pueda hablarse de la importancia, en la evolución de la misma, de la presencia femenina e incluso de performances feministas.

Ese contexto feminista, y sus discursos sobre el cuerpo, en unas primeras décadas, a los que habría que añadir el paradigma de la identidad de género a partir de los años 80, coinciden con un cambio de actitud en el arte.

Al final de la década de los sesenta y comienzos de los setenta, a la vez que en el mundo del arte se generaliza la reacción contra el objeto artístico, se expanden las acciones, las mujeres representaron los procesos por los que atraviesan sus propios cuerpos, explorándose las relaciones entre el cuerpo de la mujer como sujeto y como objeto social.

Después de 1970, muchas mujeres desarrollaron obras específicamente feministas. Se produjo un incremento de trabajos que reinsertaron las experiencias del ser mujer en la práctica del arte.

A partir de la segunda mitad de los ochenta, y sobre todo en los noventa se van a ir produciendo cambios en el sentido de la apertura a una nueva estética que redescubre los happenings y la performance. Muchas performers de hoy en día están reanalizando conceptos tanto en relación a ellas mismas y al cuerpo como respecto a los medios y los ámbitos a través y mediante los cuales las performances se realizan, suponiendo unos aportes esenciales a esta importante área artística.

Por todo ello se dará a conocer a lxs alumnxs lo que ha supuesto la performance realizada por mujeres artistas desde ópticas de género y prácticas feministas. Y ello realizando un recorrido teórico-práctico, con numerosas visualizaciones en clase, que se explicarán y serán analizadas y debatidas, de performances llevadas a cabo por las artistas, en sus distintas tendencias, planteamientos y prácticas, desde los años sesenta y hasta ahora mismo, tanto a nivel de nuestro país, como internacional.

DESTINATARIXS-ALUMNXS Y OBJETIVOS

Podrán participar como alumnxs todas las personas que lo deseen, siempre que se cumpla con los requisitos de matriculación que se indican.

Y, específicamente está pensado y estructurado para artistas visuales y escénicos, licenciados y postgrados  de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Estética, Comunicación Audiovisual, Publicidad, Cine o Medios Audiovisuales y Centros de Formación que integren enseñanzas relacionadas con la creación artística, entre otras materias. Así como para gestores culturales, comisarios, coordinadores de exposiciones y actividades, profesores de arte, diseñadores de las diferentes especialidades, y a todas aquellas personas vinculadas al mundo artístico o interesadas en el mundo de la imagen contemporánea artística.

El objetivo fundamental del curso es informar/formar en el ámbito del de la performance desde perspectivas artísticas, de género y feministas, y ello en base al programa del curso que sigue a continuación, haciendo hincapié en el estudio del desarrollo histórico, de mujeres artistas y tendencias de la performance, sus fusiones y mestizajes con otras áreas artísticas y su exhibición en diferentes espacios y modalidades de intervención y exhibición.

Dicha información y formación se llevará a cabo por la profesora del curso/taller que impartirá ella misma, incorporándose unas prácticas de performances, mediante un concurso entre lxs alumnxs del mismo, de los cuales Margarita Aizpuru seleccionará 4 proyectos de performances para ser realzados en La Neomudéjar, dentro de un Ciclo organizado a tal fin.

Margarita Aizpuru

Doctora en Geografía e Historia, especialidad de Historia del Arte, por la Universidad de  Sevilla. Ha sido profesora asociada en la Universidad Carlos III de Madrid, en las asignaturas de Introducción al Arte Contemporáneo e Historia del Cine. Actualmente es profesora asociada en la Universidad de Salamanca, de Fotografía Artística. Habitualmente imparte cursos en universidades privadas como la Universidad Antonio de Nebrija, Fundación Claves de Arte, o colaboraciones en las públicas como la UIMP o la Universidad de Sevilla, entre otras, así como en diversas entidades privadas y fundaciones impartiendo talleres, cursos y conferencias en diferentes campos del arte contemporáneo.

Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, ha sido programadora de artes plásticas de la Casa de América de   Madrid en el año 2003 y 2004 y del área “Zona Emergente” en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, desde 1999 hasta el año 2003, ambos inclusive.  Trabajó en el Departamento de exposiciones temporales del Centro Georges Pompidou y en la Fondation Cartier de París en los años 90. Experta en nuevas tendencias de arte contemporáneo, en arte y género, performance y videoarte.  Ha comisariado numerosas exposiciones y actividades artísticas como comisaria independiente desde inicio de la década del 2000 del siglo XX tanto en España, como Francia, Marruecos y diversos países latinoamericanos. Además ha dirigido festivales de arte de acción/performances, numerosos ciclos y muestras de video, las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía, y una Bienal de Performance en Granada.

Así mismo es crítica de arte independiente y asidua conferenciante, profesora de cursos y talleres de arte contemporáneo, de comisariado, performance, arte y género, y videoarte entre otros. Y ha sido miembro de numerosos jurados.

En el año 2018 recibió el premio MAV a la teórica y gestora del año. Y actualmente forma parte del Consejo Asesor de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), la asociación de mujeres en las artes más importante y numerosa del Estado español.

Los discursos y análisis de performances y obras performativas irán acompañados de visualización de performances de distintas artistas en vídeo (DVD) y proyecciones fijas, que servirá de base documental al debate y discusión que acompañarán en todo momento al curso.

A partir del 25 de Noviembre de 2022

(English bellow)

WOMAN/MACHINE/FACTORY

an archival exhibition

A photograph of the women workers of the Vitoria-Gasteiz sack factory is the starting point for this proposal on archival perversion, which will be presented from November 25, 2022 to January 2, 2023, at the Museo Centro de Artes de Vanguardia La Neomudéjar in Madrid. The staff of the sack factory (La Carmela and later RICA S.A.) was composed mostly of women who had not had much luck in life: widows, "spinsters" and single mothers, their faces that look seriously at us today, made us think about the supposed vital fulfillment of women working for money outside the domestic environment, and how these women came to get jobs in the factories.

This exhibition is based on material from three important archives: Fototeka of the Kutxa Foundation of Donostia, the Municipal Archive of Vitoria-Gasteiz and the Municipal Archive of Bilbao, which offered to eleven current artists for reinterpretation, aims to build another narrative line within the working-class memory based on the observation of the images. From the cigarette makers to the textile workers in the early twentieth century, to the recent mobilizations of the care workers, to the current demonstrations of March 8, in which feminist banners on identity are imposed by forcefulness and quantity over other purely labor rights. The organization of women in their jobs goes beyond the labor context, and displays an agenda that goes beyond traditional salary demands. Work and life are intricately linked, either by pauperized contexts or by intellectual contexts. And we say traditional, because the condition of workers seems to equalize social situations and needs. Is a worker the same as a worker? do they respond to the same social reality? do they have the same needs? (can the needs of human beings be equalized?). ) In the photographic story we find a way to reach the present day and understand how the concept of work has been constructed on the basis of narratives already predisposed: what is a dignified job, how much is an hourly salary, what is the corresponding contract, how many are the weekly hours, what is free time (time that is not worked?). And based on that we judge the reality of our jobs. But when we look at the origin of the female working condition, we see the need to consider the concept itself.

To understand the origin of the labor movement's relationship with women, two things must be taken into account: the family culture based on the idea that men have to be able to earn the salary for the family, and that is why priority was given to them having jobs, and the actions by which, when it comes to women and work, to protect them was to apply the "care" that men demanded for themselves.

The narratives about the labor movement have eclipsed the presence of women in strikes, their participation goes beyond anecdote. The scenario, then, is that there are few women in the formal market, that they are also invisible in the documentation sources, and that, in spite of everything, they have a great importance in the organization of the conflict. This exhibition does not claim union parameters, does not protest about conditions, nor does it romanticize an almost non-existent workers' movement today: rather, it is a question: Are the current definitions of work useful to us? What defines us as workers? Mujer_Máquina_Fábrica is the beginning of a photographic research work on what work is.

Participating in this exhibition are: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz and Zaloa Ipiña. It is curated by Sara Berasaluce and Tamara Garcia Iglesias, who make up the ARTXIBO collective, and has the support of the Eremuak Program of Tabakalera de Donosti, MAV - Women in the Visual Arts, Fototeka of Kutxa Foundation, Provincial Council of Guipúzcoa and the Ministry of Culture and Sports. In collaboration with Francisco Brives and Néstor Prieto of the Museo La Neomudéjar in Madrid.

La piel a la intemperie

Del 5 de Octubre al 22 de Enero

Bajo este título, el museo La Neomudéjar trae a colación la obra de una de las artistas emblemáticas del arte contemporáneo español.

Carmen Isasi es sin duda un referente del llamado arte nuevo, ese que combina lenguajes cruzados, hibridaciones conceptuales, con una estética fruto de una tradición de vanguardia donde la voz de una mujer creadora desafía con su mera irrupción la necesaria reconfiguración de la presencia de las mujeres artistas en el ecosistema actual.  Isasi posee una larga trayectoria, bien asentada, firme y continuada en la escena madrileña. Su origen vasco y por tanto sus referencias artísticas entroncan con un arte impregnado de universalidad destacando una manera de hacer y de decir que no logra desligarse, ni lo pretende, de la tradición del arte Vasco. Como destacó en su momento el crítico Fernando Castro ante su obra "Desechos Industriales" 1992 -"Al modo benjaminiano recoge los restos descompuestos de lo real y los recompone otorgándoles nuevos sentidos."-

El lenguaje de Carmen es fluido y contundente, su obra es impecable, tanto en la ejecución como en el modo de presentarla. Exigente, minuciosa y sería es una firma que suscribe una labor entregada de muchos años, abriéndose camino desde su tierra natal hasta la capital que la acoge y donde desarrolla su trabajo. La series de obras que se presentan en esta exposición, atraviesa diferentes procesos creativos, técnicas y lenguajes, si bien la instalación, el fotocollage, el vídeo, o la performance son sus habituales lenguajes y herramientas, no podemos dejar a un lado su obra pictórica donde Carmen Isasi expande su impronta de manera excelsa en distintos soportes como la serie 'el cuerpo como prisión" donde el trabajo enfoca sobre la figura de la mujer, tema recurrente y central de su obra, la fuerza arquetípica del dolor y el sometimiento al que se han visto condenadas  la mitad de la población mundial.  Estas series, que abarcan un periodo amplísimo de su obra, desde 1989 hasta la época actual, donde Carmen muestra una madurez artística  que a tenor de su belleza (Allegans contraria non audiendus est) alcanza una más que destacada presencia en la exposición con su serie más reciente 'Deshabitadas'  una conjunto expositivo de obras de video, instalación, fotografía y fotograbado en torno a la crisis migratoria en el mediterráneo poniendo el foco en las mujeres.

Una voz creadora que atiende a las lógicas de una época, donde recoge un lenguaje propio interpelado a las derivas del mercado para que se abran nuevos ejes narrativos impregnados de una carga simbólica y emocional que nos coloca ante una creadora icónica con nombre propio.

Máximas de seguridad

Acercamiento a quemarropa a la obra de Jhafis Quintero

Del 5 de Octubre al 22 de Enero

La ausencia de libertad, las constricciones espaciales, la despersonalización, la incertidumbre, la falta de contacto humano, han formado parte de la experiencia vital de Jhafis Quintero y, por mucho tiempo, han sido los ejes de su práctica artística. Desde una corporalidad situada en el encierro prolongado de una prisión costarricense, la relación con su propio cuerpo se hizo más estrecha, aprendiendo a pasar tiempo a solas y a jugar consigo mismo, estudiando, a su vez, formas de cuidarse de los otros, estableciendo mecanismos de sobrevivencia y adaptación, maniobras de resilencia y acciones de reconstitución de la propia psiquis.

En este conjunto de obras Jhafis Quintero nos introduce a su personalísimo universo vital. El artista ha construido un lenguaje particular a partir del cual nos hace partícipes de lo vivido y aprehendido en el escalofriante rigor de la celda. Pone en relación con los espectadores, los códigos, los secretos y el metalenguaje utilizado durante su reclusión para hacer contacto con el(los) otro(s) e impedir la alienación de su propia humanidad.

La materialidad de su obra nos aproxima a los creativos dispositivos generados por necesidades coyunturales que nos hablan de un idioma secreto, paralelo, una jerga oculta revelados a través de una estética ruda y poderosa con base en las toscas texturas del cemento o en la aspereza de objetos vulgares como botas y cuchillos, pero en los que logra mutaciones sutiles que los hermosean. 

Por otra parte, los vídeos-performances compartidos en esta exposición nos revelan a un artista que conoce el tiempo, que lo maneja con suficiencia, posiblemente por haber pasado por experiencias en la que tuvo que administrarlo minuciosamente día con día. Son creaciones audiovisuales que se basan en planos fijos, más o menos cerrados y estáticos, que exigen máxima atención a la mirada, y en donde la intensidad de las acciones lindan con el riesgo, con los límites de la mente, del cuerpo, del espacio físico, con los límites de la propia piel, generando una tensión desmesurada en quienes se enfrentan a ellos.

Gladys Turner Bosso & Pancho López

Encuentro de desarrolladores de videojuegos independientes

Viernes 16 Septiembre 18:00h

Taller: Desencriptando la performance

El curso presencial Desencriptando la Performance propone una mirada multidisciplinaria para revisar y exponer una parte de mi archivo recopilado en 30 años de trabajo en el performance, en el cual expondré cinco temas que he abordado a lo largo de mi carrera y que han marcado mi discurso y estética: Sexo, dolor, excreciones, vejez y política.

Basándome en mi experiencia y apoyada por la documentación de performances seleccionada ex profeso para visualizar cada tema, compartiré el desarrollo de cada uno de ellos como creadora, ejecutora y observadora/crítica.

01
COMO CREADORA COMPARTIRÉ

1. La metodología que utilizo para la creación de piezas de performances.
2. El proceso que sigo para traducir las ideas en funcionalidad para la ejecución.
3. Los bocetos de mis propuestas.

02
COMO EJECUTANTE:

1. El manejo del cuerpo y la mente durante mis acciones.
2. La rigurosa percepción del momento para lograr armonía en el desarrollo.
3. El público como termometro de la ejecución.
4. La integración de las circunstancias fortuitas a la pieza de performance.

03
COMO OBSERVADORA DE LA PERFORMANCE POSTERIOR A SU PRESENTACIÓN

1. La compensación integral de la pieza más allá de la aproximación inicial.
2. El análisis de la documentación.
3. El anecdotario del proceso performático.

EL OBJETIVO DEL CURSO

Es revisar los diversos procesos de la acción performática preperformance, performance y postperformance desde el punto de vista del autor sustentado po la documentación de su obra.

El curso va dirigido a estudiantes, maestros, teóricos, artistas, investigadores, curadores, historiadores, enfocados en el arte-acción.

Fechas y precios

Del 21 al 25 de Septiembre 17:30 a 21:00

Precio 120 Eur

info@arthousemadrid.es

 Xabier Egaña (Las Arenas, 1943) es el último sobreviviente de los artistas notables (Oteiza, Chillida, Lucio Muñoz, Basterretxea, Eulate, Egaña) que dejaron su impronta en la nueva Basílica de Arantzazu, obra de los arquitectos Saenz de Oiza y Laorga.

Con una extensa y prolífica trayectoria de más de cinco décadas, cabe destacar su labor de pintura mural en numerosas obras públicas, dentro y fuera de España: pintura, escultura y esgrafiados sobre hormigón en San Juan de Puerto Rico (1977); pinturas murales en el Camarín de la Virgen de la Basílica de Arantzazu (1978); mural del ábside y mobiliario litúrgico en San Pelayo en Zarautz (1979); murales en Alemania, Münster (1979) y Mühlen, (1980-81); murales en hormigón y cerámica industrial en el polideportivo de Arrigorriaga (1982, 1984); pinturas y murales en cerámica industrial en la escuela Lauro en Loiu (2000); pinturas murales en hotel en Murueta (2003); mural del ábside y escultura en piedra en la capilla La Salle, San Asensio (2004); conjunto de vidrieras en iglesia del Espíritu Santo, San Sebastián (2007-08) y su última gran obra muralista Pinturas para la Vida en la Iglesia de Antezana, junto a Vitoria (2013-2017).

Su ciclo de pinturas murales en la Iglesia de S. Buenaventura en Mühlen (Alemania) fueron declaradas, en 2008, Patrimonio Cultural Artístico en el estado de Baja Sajonia. Las autoridades alemanas le rindieron homenaje con una exposición itinerante De la Vida y una publicación Xabier Egaña. De Arantzazu a Alemania 1975-2008.

Artista poliédrico, ha trabajado con múltiples técnicas y soportes: pintura, dibujo, grabado, collages, escultura, cerámica, murales, vidrieras, ilustraciones, etc. Su obra combina el dibujo, con pintura plana y pintura-ensamblaje, incorporando materiales y objetos encontrados. Su estilo es un expresionismo figurativo ecléctico, con preferencia por el uso de materiales pobres. Sus principales temas y motivaciones giran en torno al ser humano, especialmente en situaciones de injusticia y sufrimiento: el horror y las guerras, la migración, las pateras, la ablación…

La representación plástica de Xabier Egaña ha pasado por varios estadios estilísticos. Tras unos primeros escarceos, en los sesenta, con maderas labradas y policromadas, bajo el embrujo del hacer de Lucio Muñoz, a mediados de los setenta consolida un estilo de representación propio, a caballo entre la deconstrucción picassiana de la figura humana y la composición lírico-poética y colorista de Chagall. A destacar también la influencia de Oteiza, con quien compartió el proceso de la ejecución final del frontis de la Basílica de Arantzazu. Y posteriormente, largos años de cercanía y amistad.

En la exposición de La Neomudéjar se presenta un conjunto de obras cuidadosamente seleccionadas de distintas etapas de su trayectoria, técnicas y estilos, adecuadas al singular espacio expositivo. Una oportunidad única para conocer una parte significativa de la trayectoria de este artista, puesto que en Madrid apenas se ha visto su obra. 

Juan Ayesta - Comisario

Maniobras del Cuerpo | Evoluciones y simulacros en que se ejecuta el cuerpo

Ana Marcos es una artista multidisciplinar que intenta establecer vínculos entre la práctica artística y la tecnología. Sus proyectos de investigación combinan su perfil técnico y artístico. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid e Ingeniería Técnica Industrial por la Universidad Politécnica de Madrid. Cofundadora del estudio 3Dinteractivo.com , un grupo de ingenieros y artistas que busca a través de la investigación una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia-tecnología y el público impulsando la experimentación en el Arte.

Sus proyectos se han mostrado en Museos de todo el mundo. Entre otras, destacan la exposición en el MACD de San José, Costa Rica. Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, Korean Foundation Gallery , Museo Narni, Italia, Museo de Arte del Banco de la República-Sala Parqueadero y dentro de España: Espacio Fundación Telefónica, CentroCentro – Ayuntamiento de Madrid, Museo de la Evolución Humana- Burgos, Museo Universitario de Alicante, Museo Universitario de Valladolid; Museo Provincial Palacio del Infantado, Guadalajara, Museo de Palencia, Museo La Neomudejar, MediaLab Madrid, Etopia Centro de Arte y Tecnología, Zaragoza y para finalizar, recientemente en LA Art Show de Los Ángeles, EEUU.

Sábado 24  de Septiembre 12:00h

Conversatorio con Xabier Egaña y el comisario Juan Ayesta acerca de la obra y vida del genial artista. Este conversatorio hace parte de la clausura de la actual exposición del Museo La Neomudéjar.

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados de la artista Sandra Julve quien  resultó beneficiaria de la beca Junio 2022 realizada por convocatoria.

Es la materialización de una escucha sobre la intersección entre el mundo seco y el encuentro e interacción entre cuerpos de agua atravesados por un océano vincular inspirada por el fenómeno natural de la torca. En un llamamiento a establecer una política del cuidados y rituales de cooperación en la transición hacia colapso, esta escucha posibilita repensar la habilidad de acción y la capacidad de respuesta ante un planeta herido. El respeto y reconocimiento de la interdependencia de seres en el ejercicio natural de reequilibrio y regeneración, supondría un primer paso hacia una sociedad más respetuosa y por lo tanto, más equitativa.

EL COLAPSO DE LA TIERRA
Performance. Vídeo. Hay un paralelismo en el ejercicio de control, dominio y subordinación de la naturaleza, la mujer y todo lo considerado como femenino. El no reconocimiento de la carga de la no productividad, de ser medio, no producto supone un desgaste y su disolución nos lleva al colapso. La actual crisis de cuidados, es una crisis sistémica producto de una sociedad individualista se ve forzada a replantearse una nueva economía política del afecto.

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados del artista Adrian Coto realizado gracias a la convocatoria que se realiza por segundo año en conjunto con el Centro Cultural de España en Costa Rica.

Xenofeminsmo aprovecha la alienación como un impulso para generar nuevos mundos. Todxs estamos alienados, pero ¿alguna vez hemos estado de otra manera?

- Laboria cuboniks, manifiesto xenofeminsta

El cuerpo natural es intervenido por la mirada humana; las condiciones tecnológicas actuales han llevado lo humano al borde de la transhumanidad y la yuxtaposición de lo natural y lo artificial hacen que no se distinga uno de otro. . Réptil Cyborg busca estrategias de deterritorialización y desplazamiento para cuestionar la noción de representación, de naturalidad y de humanidad a través de su transformación. Usando estrategias que varían desde lo virtual hasta lo material, el conjunto pretende de manera paródica, proponer la autodeterminación como modo de resistencia, organizada como una forma de producción de subjetividades alternativa a la hegemónica.

Reptil cyborg

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

Tropicalización de paisaje árido

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

Viernes 24 de Junio | 19:00

Escenas Catalanas errancias antropológico-sexuales es el primer libro de Frau Diamanda publicado por la editorial La Máquina Bcn el año 2020 , en realidad, se trata de un proyecto editorial multidisciplinar que incluye escritura , performance, audiovisual, música y contaminantes varias y que señala la forma crítica de mirar desde otro lado a la heteronormatividad y el concepto de antropología occidental desde una lógica de disidencia sexual travesti migrante.

Memoria, conciencia y antibelicismo frante a la escalada de la guerra en Ucrania.

Del 30 de Marzo al 22 de Mayo

Hablar de guerra en el siglo XXI solo constata como cierta la aseveración de que la estupidez humana es infinita. La guerra como sistema estructural de intervenir o hacer geopolítica no sólo no ha sido erradicada, sino que vuelve a amenazar los territorios colindantes de las grandes potencias mundiales convirtiendolos en objetivo militar para la estorsion de objetivos meramente macroeconomicos. De ahí que esta guerra nos asusta más que el resto pues amenaza nuestro bienestar primermundista. El estado del privilegio se ve amenazado, frente a las 3/4 partes del planeta que sostienen y soportan nuestro abuso sistemico de recursos para defender un statu quo.

El fuego de la guerra nos acompaña como humanidad y las banderas, estandartes y gallardetes de los estados-empresas imperialistas-extractivistas, junto a la desmemoria, son su principal combustible.

En estos juegos de guerra de señoros consumidos por las ansias de poder siempre nos encontramos con los mismos perdedores, las víctimas, quienes sufren las decisiones de los despachos y a quienes sistemáticamente se les silencian su voz. Esta exposición colectiva, aborda facetas, miradas, memorias y resiliencias frente a la guerra como sistema. La conciencia desatada de operar en un universo mental donde la interpelación a la violencia, fuera un desecho caduco que deberiamos haber erradicado.

El pasado repetido, la ausencia de voces firmes contra el belicismo, la falta de espacios de memoria, exigen reflexión ante las sociedades que vamos a construir y las lacras de una perversa manera de manejar términos y dispositivos como la patria, el territorio, la propiedad, la bandera a favor de meros dispositivos del poder economico.

El exceso, la crueldad, el abuso, la opresión, la resistencia, el patriotismo y otros términos familiares, deberían limpiarse de usos bélicos, pues aquejan el espíritu profundo de los seres humanos y utilizan resortes de exaltación donde siempre pierden los mismos. Ninguna guerra es justificable, ningún ser humano merece pasar por esa experiencia.

La vida, el arte, la humanidad no necesitan vestirse de uniformes.

DEL 30 DE MARZO AL 22 DE MAYO

MUES Lo que queda del ser

Instalación plástica y sonora de Nathalie Menant

MUES es una exploración 

Cuestiona la fábrica de lo femenino, sus representaciones y su integración hasta  en nuestros cuerpos y nuestras tentativas de distanciamiento. 

Anima a escuchar la relación que las mujeres tienen con su cuerpo, su historia y  sus heridas, revela sus resistencias y sus adaptaciones a las asignaciones y a los  tópicos. Pone en escena el desfase que vivimos las mujeres entre lo que se  espera de nosotras y lo que somos o sentimos que somos. Pone frente a frente lo  que abandonamos para sentirnos más ligeras y lo que constituye nuestra  permanencia y nuestra identidad. 

"Soñé estas huellas de mujeres expuestas en el espacio público, diseminadas aquí y allá como luces en la noche. Quería deshacerme de las representaciones de lo femenino. Con paciencia y curiosidad, alisé bandas de yeso mojado sobre cuerpos de mujeres reales. Seguí sus contornos, plasmé sus respiraciones, sus latidos, como dibujando el mundo para procurar verlo y entender de qué se trata exactamente. Reiterado alumbramiento de sí, - ¿de mí? - y sin embargo siempre renovado, o retocado, a veces trabajoso o inquieto, pero siempre obstinadamente tierno.

Provoco y asisto a este cara a cara íntimo, un poco sorprendida al ver, cuando separo el molde del cuerpo y se lo presento al modelo, con qué simplicidad descubre cada una el poder y la alegría de su ser en el mundo. “¡Soy yo!” dice. Con el perfil exacto de su cuerpo que sigue la forma de un hombro o de una cadera, una curva de carne la revela a ella misma, liberada de comparación alguna.
Es. Única y singular."

MUES What remains of the being

Plastic and sound installation by Nathalie Menant

MUES is an exploration

It questions the fabric of the feminine, its representations and its integration even in our bodies and our attempts at distancing. It encourages listening to the relationship that women have with their body, their history and their wounds, revealing their resistance and their adaptations to assignments and topics. It puts on stage the gap that women experience between what is expected of us and what we are or feel we are. It puts face to face what we abandon to feel lighter and what constitutes our permanence and our identity.

"I dreamed of these traces of women exposed in public space, scattered here and there like lights in the night. I wanted to get rid of the representations of the feminine. With patience and curiosity, I smoothed bands of wet plaster on the bodies of real women. I followed their contours. I captured their breathing, their heartbeats, as if drawing the world in order to see and understand exactly what is it all about. Repeated birth of oneself -of me?- and yet always renewed, or retouched, sometimes laborious or restless, but always stubbornly tender.

I provoke and attend this intimate face-to-face, a little surprised to see, when I separate the mold from the body and present it to the model, with what simplicity each one discovers the power and joy of her being in the world. "It's me!" she says. With the exact outline of her body following the shape of a shoulder or a hip, a curve of flesh reveals her self, freed from any comparison.

Is. Unique and singular.”

MUES, Ce qui reste de l'être

Installation plastique et sonore de Nathalie Menant

MUES est une exploration.

Elle questionne la fabrique du féminin, ses représentations et son intégration jusque dans nos corps, et nos tentatives de mise à distance.

Elle invite à l’écoute de la relation que les femmes entretiennent avec leur corps, leur histoire et leurs blessures, elle dévoile leurs ré­sistances et leurs adaptations aux assignations et aux clichés. Elle met en scène le décalage que les femmes  vivent entre ce qu’on attend d’elles et ce qu’elles sont ou pensent être. Elle met en regard ce que l'on laisse, ce dont on se déleste, et ce qui fait notre permanence et notre identité

« Disséminées ça et là, comme autant de fanaux dans la nuit, j’ai rêvé ces empreintes de femmes suspendues dans l’espace public. Je voulais me défaire des représentations du féminin.  Avec patience et curiosité, j’ai lissé le plâtre mouillé sur des vrais corps de femmes, j’en ai ai suivi les contours, saisi les souffles, les déploiements et les retraits comme on dessinerait le monde pour tenter de le voir et pour comprendre de quoi il retourne exactement.

Invariable mise au monde de soi - de moi ? - pourtant toujours renouvelée, comme rafraîchie, parfois inquiète ou laborieuse mais toujours obstinément tendre. Face à face intime avec soi-même que je provoque et auquel j’assiste un peu étonnée de voir, lorsque je détache l’empreinte du corps et que je la présente au modèle,  avec quelle simplicité chacune découvre la puissance et la joie de son être au monde.

C’est moi ! dit-elle.

Dans la ligne exacte du corps, en suivant simplement la forme d’une épaule ou d’une hanche, une ligne de chair la révèle à elle-même déchargée de toutes comparaisons.

Elle est. 

Unique et singulière. »

Comisariado por Elisa Massardo.

25 de Mayo - 24 de Julio

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Del cuerpo a la carne expone al cuerpo en las obras de Cheril Linett. Lo posiciona múltiple en magnitud y reivindicaciones. Lo manifiesta sin miedo, coreográfico, conformando un ser agrupado, pensado previamente para generar denuncias descarnadas, desafiantes, en el que sensibilidades y sentires disidentes se tuercen con el deseo sexual implícito en la forma, en el cuerpo. Series como Yeguada Latinoamericana son trabajos explícitos de Linett que conforman esta exposición.

*Proyecto financiado por FONDART RM, convocatoria 2021.*

INAUGURACIÓN

Inauguración el miércoles 25 de Mayo de 2022 a las 12:00h. Entrada libre.