Próximamente

Del 27 de Julio al 11 de Septiembre
Exposición pintura y escultura

 Xabier Egaña (Las Arenas, 1943) es el último sobreviviente de los artistas notables (Oteiza, Chillida, Lucio Muñoz, Basterretxea, Eulate, Egaña) que dejaron su impronta en la nueva Basílica de Arantzazu, obra de los arquitectos Saenz de Oiza y Laorga.

Con una extensa y prolífica trayectoria de más de cinco décadas, cabe destacar su labor de pintura mural en numerosas obras públicas, dentro y fuera de España: pintura, escultura y esgrafiados sobre hormigón en San Juan de Puerto Rico (1977); pinturas murales en el Camarín de la Virgen de la Basílica de Arantzazu (1978); mural del ábside y mobiliario litúrgico en San Pelayo en Zarautz (1979); murales en Alemania, Münster (1979) y Mühlen, (1980-81); murales en hormigón y cerámica industrial en el polideportivo de Arrigorriaga (1982, 1984); pinturas y murales en cerámica industrial en la escuela Lauro en Loiu (2000); pinturas murales en hotel en Murueta (2003); mural del ábside y escultura en piedra en la capilla La Salle, San Asensio (2004); conjunto de vidrieras en iglesia del Espíritu Santo, San Sebastián (2007-08) y su última gran obra muralista Pinturas para la Vida en la Iglesia de Antezana, junto a Vitoria (2013-2017).

Su ciclo de pinturas murales en la Iglesia de S. Buenaventura en Mühlen (Alemania) fueron declaradas, en 2008, Patrimonio Cultural Artístico en el estado de Baja Sajonia. Las autoridades alemanas le rindieron homenaje con una exposición itinerante De la Vida y una publicación Xabier Egaña. De Arantzazu a Alemania 1975-2008.

Artista poliédrico, ha trabajado con múltiples técnicas y soportes: pintura, dibujo, grabado, collages, escultura, cerámica, murales, vidrieras, ilustraciones, etc. Su obra combina el dibujo, con pintura plana y pintura-ensamblaje, incorporando materiales y objetos encontrados. Su estilo es un expresionismo figurativo ecléctico, con preferencia por el uso de materiales pobres. Sus principales temas y motivaciones giran en torno al ser humano, especialmente en situaciones de injusticia y sufrimiento: el horror y las guerras, la migración, las pateras, la ablación…

La representación plástica de Xabier Egaña ha pasado por varios estadios estilísticos. Tras unos primeros escarceos, en los sesenta, con maderas labradas y policromadas, bajo el embrujo del hacer de Lucio Muñoz, a mediados de los setenta consolida un estilo de representación propio, a caballo entre la deconstrucción picassiana de la figura humana y la composición lírico-poética y colorista de Chagall. A destacar también la influencia de Oteiza, con quien compartió el proceso de la ejecución final del frontis de la Basílica de Arantzazu. Y posteriormente, largos años de cercanía y amistad.

En la exposición de La Neomudéjar se presenta un conjunto de obras cuidadosamente seleccionadas de distintas etapas de su trayectoria, técnicas y estilos, adecuadas al singular espacio expositivo. Una oportunidad única para conocer una parte significativa de la trayectoria de este artista, puesto que en Madrid apenas se ha visto su obra. 

Juan Ayesta - Comisario

Maniobras del Cuerpo | Evoluciones y simulacros en que se ejecuta el cuerpo

PRORROGADO HASTA EL 28 DE AGOSTO

Ana Marcos es una artista multidisciplinar que intenta establecer vínculos entre la práctica artística y la tecnología. Sus proyectos de investigación combinan su perfil técnico y artístico. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid e Ingeniería Técnica Industrial por la Universidad Politécnica de Madrid. Cofundadora del estudio 3Dinteractivo.com , un grupo de ingenieros y artistas que busca a través de la investigación una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia-tecnología y el público impulsando la experimentación en el Arte.

Sus proyectos se han mostrado en Museos de todo el mundo. Entre otras, destacan la exposición en el MACD de San José, Costa Rica. Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, Korean Foundation Gallery , Museo Narni, Italia, Museo de Arte del Banco de la República-Sala Parqueadero y dentro de España: Espacio Fundación Telefónica, CentroCentro – Ayuntamiento de Madrid, Museo de la Evolución Humana- Burgos, Museo Universitario de Alicante, Museo Universitario de Valladolid; Museo Provincial Palacio del Infantado, Guadalajara, Museo de Palencia, Museo La Neomudejar, MediaLab Madrid, Etopia Centro de Arte y Tecnología, Zaragoza y para finalizar, recientemente en LA Art Show de Los Ángeles, EEUU.

 

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados de la artista Sandra Julve quien  resultó beneficiaria de la beca Junio 2022 realizada por convocatoria.

 

Es la materialización de una escucha sobre la intersección entre el mundo seco y el encuentro e interacción entre cuerpos de agua atravesados por un océano vincular inspirada por el fenómeno natural de la torca. En un llamamiento a establecer una política del cuidados y rituales de cooperación en la transición hacia colapso, esta escucha posibilita repensar la habilidad de acción y la capacidad de respuesta ante un planeta herido. El respeto y reconocimiento de la interdependencia de seres en el ejercicio natural de reequilibrio y regeneración, supondría un primer paso hacia una sociedad más respetuosa y por lo tanto, más equitativa.

EL COLAPSO DE LA TIERRA
Performance. Vídeo. Hay un paralelismo en el ejercicio de control, dominio y subordinación de la naturaleza, la mujer y todo lo considerado como femenino. El no reconocimiento de la carga de la no productividad, de ser medio, no producto supone un desgaste y su disolución nos lleva al colapso. La actual crisis de cuidados, es una crisis sistémica producto de una sociedad individualista se ve forzada a replantearse una nueva economía política del afecto.

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados del artista Adrian Coto realizado gracias a la convocatoria que se realiza por segundo año en conjunto con el Centro Cultural de España en Costa Rica.

 

 

 

 

 

Xenofeminsmo aprovecha la alienación como un impulso para generar nuevos mundos. Todxs estamos alienados, pero ¿alguna vez hemos estado de otra manera?

- Laboria cuboniks, manifiesto xenofeminsta

El cuerpo natural es intervenido por la mirada humana; las condiciones tecnológicas actuales han llevado lo humano al borde de la transhumanidad y la yuxtaposición de lo natural y lo artificial hacen que no se distinga uno de otro. . Réptil Cyborg busca estrategias de deterritorialización y desplazamiento para cuestionar la noción de representación, de naturalidad y de humanidad a través de su transformación. Usando estrategias que varían desde lo virtual hasta lo material, el conjunto pretende de manera paródica, proponer la autodeterminación como modo de resistencia, organizada como una forma de producción de subjetividades alternativa a la hegemónica.

Reptil cyborg

 

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

 

Tropicalización de paisaje árido

 

La acción de intervenir el paisaje árido con un trópico de plástico, para luego fotografiarlo y reimprimirlo hace un comentario sobre la tropicalidad como un proyecto de representación extraccionista. Las representaciones aparecen como una consecuencia de los discursos y no de los paisajes, contextualizados por las actividades productivas y cruzadas por el patriarcado y el poscolonialismo.

 

Viernes 24 de Junio | 19:00

Escenas Catalanas errancias antropológico-sexuales es el primer libro de Frau Diamanda publicado por la editorial La Máquina Bcn el año 2020 , en realidad, se trata de un proyecto editorial multidisciplinar que incluye escritura , performance, audiovisual, música y contaminantes varias y que señala la forma crítica de mirar desde otro lado a la heteronormatividad y el concepto de antropología occidental desde una lógica de disidencia sexual travesti migrante.

YEGUADA LATINOAMERICANA EN MADRID

VIERNES 27 A LAS 19:00


APERTURA DE RESIDENCIA Y VISIONADO DE PERFORMANCES.
Creadora y directora: Cheril Linett.
Performers: Esperanza Vega, Ivón Figueroa Taucán, Paulina Valdenegro, Fernanda Vargas, Mariella Silva y Cheril Linett.
Productora: Ivón Figueroa Taucán.


Memoria, conciencia y antibelicismo frante a la escalada de la guerra en Ucrania.

Del 30 de Marzo al 22 de Mayo

Hablar de guerra en el siglo XXI solo constata como cierta la aseveración de que la estupidez humana es infinita. La guerra como sistema estructural de intervenir o hacer geopolítica no sólo no ha sido erradicada, sino que vuelve a amenazar los territorios colindantes de las grandes potencias mundiales convirtiendolos en objetivo militar para la estorsion de objetivos meramente macroeconomicos. De ahí que esta guerra nos asusta más que el resto pues amenaza nuestro bienestar primermundista. El estado del privilegio se ve amenazado, frente a las 3/4 partes del planeta que sostienen y soportan nuestro abuso sistemico de recursos para defender un statu quo.

El fuego de la guerra nos acompaña como humanidad y las banderas, estandartes y gallardetes de los estados-empresas imperialistas-extractivistas, junto a la desmemoria, son su principal combustible.

En estos juegos de guerra de señoros consumidos por las ansias de poder siempre nos encontramos con los mismos perdedores, las víctimas, quienes sufren las decisiones de los despachos y a quienes sistemáticamente se les silencian su voz. Esta exposición colectiva, aborda facetas, miradas, memorias y resiliencias frente a la guerra como sistema. La conciencia desatada de operar en un universo mental donde la interpelación a la violencia, fuera un desecho caduco que deberiamos haber erradicado.

El pasado repetido, la ausencia de voces firmes contra el belicismo, la falta de espacios de memoria, exigen reflexión ante las sociedades que vamos a construir y las lacras de una perversa manera de manejar términos y dispositivos como la patria, el territorio, la propiedad, la bandera a favor de meros dispositivos del poder economico.

El exceso, la crueldad, el abuso, la opresión, la resistencia, el patriotismo y otros términos familiares, deberían limpiarse de usos bélicos, pues aquejan el espíritu profundo de los seres humanos y utilizan resortes de exaltación donde siempre pierden los mismos. Ninguna guerra es justificable, ningún ser humano merece pasar por esa experiencia.

La vida, el arte, la humanidad no necesitan vestirse de uniformes.

 

DEL 30 DE MARZO AL 22 DE MAYO
MUES Lo que queda del ser
Instalación plástica y sonora de Nathalie Menant

MUES es una exploración 

Cuestiona la fábrica de lo femenino, sus representaciones y su integración hasta  en nuestros cuerpos y nuestras tentativas de distanciamiento. 

Anima a escuchar la relación que las mujeres tienen con su cuerpo, su historia y  sus heridas, revela sus resistencias y sus adaptaciones a las asignaciones y a los  tópicos. Pone en escena el desfase que vivimos las mujeres entre lo que se  espera de nosotras y lo que somos o sentimos que somos. Pone frente a frente lo  que abandonamos para sentirnos más ligeras y lo que constituye nuestra  permanencia y nuestra identidad. 

"Soñé estas huellas de mujeres expuestas en el espacio público, diseminadas aquí y allá como luces en la noche. Quería deshacerme de las representaciones de lo femenino. Con paciencia y curiosidad, alisé bandas de yeso mojado sobre cuerpos de mujeres reales. Seguí sus contornos, plasmé sus respiraciones, sus latidos, como dibujando el mundo para procurar verlo y entender de qué se trata exactamente. Reiterado alumbramiento de sí, - ¿de mí? - y sin embargo siempre renovado, o retocado, a veces trabajoso o inquieto, pero siempre obstinadamente tierno.

Provoco y asisto a este cara a cara íntimo, un poco sorprendida al ver, cuando separo el molde del cuerpo y se lo presento al modelo, con qué simplicidad descubre cada una el poder y la alegría de su ser en el mundo. “¡Soy yo!” dice. Con el perfil exacto de su cuerpo que sigue la forma de un hombro o de una cadera, una curva de carne la revela a ella misma, liberada de comparación alguna.
Es. Única y singular."

 

 

MUES What remains of the being
Plastic and sound installation by Nathalie Menant

MUES is an exploration

It questions the fabric of the feminine, its representations and its integration even in our bodies and our attempts at distancing. It encourages listening to the relationship that women have with their body, their history and their wounds, revealing their resistance and their adaptations to assignments and topics. It puts on stage the gap that women experience between what is expected of us and what we are or feel we are. It puts face to face what we abandon to feel lighter and what constitutes our permanence and our identity.

"I dreamed of these traces of women exposed in public space, scattered here and there like lights in the night. I wanted to get rid of the representations of the feminine. With patience and curiosity, I smoothed bands of wet plaster on the bodies of real women. I followed their contours. I captured their breathing, their heartbeats, as if drawing the world in order to see and understand exactly what is it all about. Repeated birth of oneself -of me?- and yet always renewed, or retouched, sometimes laborious or restless, but always stubbornly tender.

I provoke and attend this intimate face-to-face, a little surprised to see, when I separate the mold from the body and present it to the model, with what simplicity each one discovers the power and joy of her being in the world. "It's me!" she says. With the exact outline of her body following the shape of a shoulder or a hip, a curve of flesh reveals her self, freed from any comparison.

Is. Unique and singular.”

MUES, Ce qui reste de l'être
Installation plastique et sonore de Nathalie Menant

MUES est une exploration.

Elle questionne la fabrique du féminin, ses représentations et son intégration jusque dans nos corps, et nos tentatives de mise à distance.

Elle invite à l’écoute de la relation que les femmes entretiennent avec leur corps, leur histoire et leurs blessures, elle dévoile leurs ré­sistances et leurs adaptations aux assignations et aux clichés. Elle met en scène le décalage que les femmes  vivent entre ce qu’on attend d’elles et ce qu’elles sont ou pensent être. Elle met en regard ce que l'on laisse, ce dont on se déleste, et ce qui fait notre permanence et notre identité

« Disséminées ça et là, comme autant de fanaux dans la nuit, j’ai rêvé ces empreintes de femmes suspendues dans l’espace public. Je voulais me défaire des représentations du féminin.  Avec patience et curiosité, j’ai lissé le plâtre mouillé sur des vrais corps de femmes, j’en ai ai suivi les contours, saisi les souffles, les déploiements et les retraits comme on dessinerait le monde pour tenter de le voir et pour comprendre de quoi il retourne exactement.

Invariable mise au monde de soi - de moi ? - pourtant toujours renouvelée, comme rafraîchie, parfois inquiète ou laborieuse mais toujours obstinément tendre. Face à face intime avec soi-même que je provoque et auquel j’assiste un peu étonnée de voir, lorsque je détache l’empreinte du corps et que je la présente au modèle,  avec quelle simplicité chacune découvre la puissance et la joie de son être au monde.

C’est moi ! dit-elle.

Dans la ligne exacte du corps, en suivant simplement la forme d’une épaule ou d’une hanche, une ligne de chair la révèle à elle-même déchargée de toutes comparaisons.

Elle est. 

Unique et singulière. »

Del 20 de Abril al 15 de Mayo

11:00 a 15:00 y 17:00 a 21:00

PROGRAMA #1

Recuerdos de un apocalipsis

Videos de Ximena Cuevas

43 minutos

Está en boga hablar de colonización en América Latina, de como han sido negados y saqueados los pueblos originarios desde los 1400s con la llegada de Colón. El otro día estuve en una conferencia donde importantes ponentes nos mostraban, una vez más, al hombre blanco mirando con su cámara a los desprotegidos, a los indígenas. Miré alrededor y en el auditorio habíamos en general mestizos, algo natural en México, allí estábamos los bendecidos por la sangre blanca pero ni un solo representante de los pueblos vencidos. Una gran pantalla agigantaba el rostro de los ponentes. Todos veíamos hacia la pantalla, no hacia la persona. Mientras se hablaba del “otro” una vez más desde un lugar de cierta superioridad nadie se daba cuenta que esa cabezota parlante en la pantalla era, es, ya un ente colonizado por los medios. El planeta FlatscreenX nos ha sometido en el Siglo XXI, nos ha despojado de nuestra individualidad, nos ha desterrado de nuestro origen.

A partir de la modernidad americanizada, de la dicha globalización, los habitantes del planeta Tierra hemos tenido que seguir modelos ajenos de vida, ocultar nuestra esencia y ser aceptados en un mundo unificado de consumo. Una vez más el gran aparato de poder nos obliga a ser quienes no somos, a adoptar formas de vida ajenas. La identidad Latinoamericana es una identidad de collage, de pegotes de diferentes culturas en el tiempo, es la identidad en la que nos sentimos cómodos en el disfraz. Las fronteras entre realidad y ficción se diluyen al ser absorbidos por el planeta FlatscreenX, un orden totalitario del que somos ya esclavos de las pantallas.

Ximena Cuevas 2022


XIMENA CUEVAS

(Ciudad de México 1963)

Desde que con dieciséis años entró a trabajar en la Cineteca Nacional de México y se “volvió adicta al olor del celuloide”, Ximena Cuevas no ha parado de trabajar con el material audiovisual. Se dedicó al cine en un primer momento (como asistente de dirección, directora artística, continuidad y doble de luces) y colaboró con directores como John Houston (“Bajo el Volcán”, 1984) o Arturo Ripstein (“Mentiras Piadosas”, 1988). Pero en 1991 decidió abandonar esta labor para dedicarse con exclusividad al trabajo en vídeo.

En su abundante videografía, que forma parte de las colecciones permanentes de centros como el MoMA de Nueva York y el Pompidou de París, explora temas como el artificio, la mentira, las relaciones entre la ficción y la realidad, la vida diaria, las emociones fabricadas, la autodestrucción como forma de religión o los rasgos de la identidad nacional (de México, “un país de colores brillantes en el exterior y blanco y negro en el interior”) y del género. “Las 3 Muertes de Lupe” (1984), “Corazón Sangrante” (1993), “Medias Mentiras” (1995), “Contemporary Artist” (1999) o “Cinépolis, la capital del cine” (2003) son algunos de sus títulos más conocidos. En ellos se mezclan el barroquismo caricaturizado del melodrama; el humor irónico que radiografía los tópicos de su país, del mundo del arte o de nuestra sociedad en general; o la complejidad de las emociones personales. En el 2016 regresa al cine de industria para  editar el premiado y aclamado documental “Bellas de noche” de su hermana María José Cuevas, por el cual la nomina La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas como mejor editora. En el 2020 la Academia la vuelve a nominar por la edición de “Esto no es Berlín” de Hari Sama.

Con una mirada que se fija en los pequeños detalles y que recurre al gran bagaje de cultura cinematográfica que la avala –fruto de la pasión gestada desde cuando a los trece años vivía en París y se convirtió en una consumidora habitual de cine-, crea un universo de imágenes complejo con una estética definida y personal. Sus vídeos se sitúan en algún punto intermedio entre el documental, el aval de verdad que proporcionan las cámaras ocultas, la ficción apropiada del cine y la ficción construida precisamente a partir de la propia realidad.

Comisariado por Elisa Massardo.

25 de Mayo - 24 de Julio

English below

Del cuerpo a la carne expone al cuerpo en las obras de Cheril Linett. Lo posiciona múltiple en magnitud y reivindicaciones. Lo manifiesta sin miedo, coreográfico, conformando un ser agrupado, pensado previamente para generar denuncias descarnadas, desafiantes, en el que sensibilidades y sentires disidentes se tuercen con el deseo sexual implícito en la forma, en el cuerpo. Series como Yeguada Latinoamericana son trabajos explícitos de Linett que conforman esta exposición.

Del cuerpo a la carne

Los cuerpos devienen en múltiples formas o fenómenos, pueden agruparse y construir un ser enorme, un animal político, un ser rastrero. Un cuerpo puede ser etéreo y fugaz, así como objeto de denuncia y resistencia que no cesa.

Del cuerpo a la carne, expone al cuerpo en las obras de Cheril Linett. Lo posiciona múltiple en magnitud y reivindicaciones. Lo manifiesta sin miedo, coreográfico, conformando un ser agrupado, pensado previamente para generar denuncias descarnadas, desafiantes, en el que sensibilidades y sentires disidentes se tuercen con el deseo sexual implícito en la forma, en el cuerpo. Todo esto en las performances citadinas, públicas, donde el cuerpo formado en la calle se cruza y contrapone a las fuerzas de orden para desafiar tanto con la mirada como con la forma; para generar cuestionamientos en esa otredad institucionalizada que está aparentemente enajenada de sí. Y de lo público sus obras pasan a lo íntimo, a lo privado y en lo más primario de lo animal se producen reencuentros basales del inconsciente humano. El deseo: nuevamente se mimetiza en el entorno, se hace complejo, confuso, morboso, lo grotesco se cuestiona en lo que la visualidad alcanza a captar y en los procesos que van más allá de la retina. Series como “Yeguada Latinoamericana”, “Vertiente Fúnebre”, “Coreografía de la succión”, son trabajos explícitos de Linett.

Este mismo cuerpo conformado por diversas corporalidades deviene en un ser etéreo que nuevamente busca hacer manifiesto situaciones invisibilizadas, como si fuera un animal rastrero que atraviesa sin consideración las estructuras y penetra cualquier espacio a su alrededor. Sin límites. En trabajos como “Poética de las aguas” y “Casa”, la muerte y la vida se manifiesta a través del recuerdo, pero más allá aún de la ausencia. Desde ahí podemos cuestionar qué territorios habitamos, ¿de qué manera hacemos presencia y sentimos el vacío de las personas que fueron despojadas de la vida a través de violencia sexual y de género? Las ausencias laten, palpitan, pulsionan. Es más, podemos incluso preguntarnos, cómo habitamos y con qué seguridad, la intimidad de nuestro  nuestro hogar, de nuestro ser y nuestras relaciones sexo-afectivas, ¿existen? ¿Podemos confiar?

A través de un fluir constante lo etéreo se hace manifiesto, se hace carne en lo corpóreo con la capacidad de devenir animal y ser deseante/deseado, con cola de yegua y el culo el alzado, reivindicando también lo decolonial; en otras en denuncia de ausentismo y visibilidad tácita. La obra de Linett se puede leer como un recorrido desde el cuerpo a la carne. Desde lo que vemos como forma hasta lo que nos conforma, lo que se nutre del entorno, lo más crudo que hay en cada ser.

Elisa Massardo, curadora

From the body to the flesh

The bodies become multiple forms or phenomena, they can group together and build a huge being, a political animal, a creeping being. A body can be ethereal and fleeting, as well as an object of denunciation and resistance that does not stop.

From Body to Flesh exposes the body in the works of Cheril Linett. She positions it multiple in magnitude and claims. She manifests it without fear, choreographically, forming a grouped being, previously thought to generate stark, challenging denunciations, in which dissenting sensitivities and feelings are twisted with the sexual desire implicit in the form, in the body. All this in city, public performances, where the body formed in the street crosses and opposes the forces of order to challenge both with the look and with the form; to generate questions in that institutionalized otherness that is apparently alienated from itself. And from the public, her works pass to the intimate, to the private, and in the most primal of the animal, basal reunions of the human unconscious take place. Desire: once again it blends into the environment, it becomes complex, confusing, morbid, the grotesque is questioned in what visuality manages to capture and in the processes that go beyond the retina. Series such as “Yeguada Latinoamericana”, “Vertiente Fúnebre”, “Coreografía de la Succión”, are Linett's explicit works.

This same body made up of various corporalities becomes an ethereal being that once again seeks to make invisible situations manifest, as if it were a crawling animal that crosses without consideration the structures and penetrates any space around it. Unlimited. In works such as "Poética de las Aguas" and "Casa", death and life are manifested through memory, but even beyond absence. From there we can question what territories we inhabit, how do we make presence and feel the emptiness of people who were deprived of life through sexual and gender violence? Absences beat, throb, pulsate. Moreover, we can even ask ourselves, how do we inhabit and with what security, the intimacy of our home, of our being and our sexual-affective relationships, do they exist? Can we trust?

Through a constant flow the ethereal becomes manifest, it becomes flesh in the corporeal with the ability to become an animal and be desiring/desired, with a mare's tail and a raised ass, also claiming the decolonial; in others in denunciation of absenteeism and tacit visibility. Linett's work can be read as a journey from the body to the flesh. From what we see as form to what shapes us, what is nourished by the environment, the rawest in each being.

Elisa Massardo, curator

 

 

 

 

 

*Proyecto financiado por FONDART RM, convocatoria 2021.*

INAUGURACIÓN

Inauguración el miércoles 25 de Mayo de 2022 a las 12:00h. Entrada libre.

DEL 25 DE MAYO AL 14 DE JULIO

DORIS HAKIM: feminismo y religiones, deconstrucciones y desmitificaciones

Comisaria: MARGARITA AIZPURU

Doris Hakim nació en Nazaret (Palestina), de padre palestino y madre griega, de educación,  familia y cultura palestina, estudió en una escuela judía. Su experiencia vital ha sido compleja y diversa, entre culturas, vivenciando tanto la riqueza y profundidad de su contexto cultural, como la violencia ejercida dentro del contexto israelí contra los palestinos, sufrida por su familia y ella misma, así como la discriminación y supeditación de las mujeres dentro de esas culturas. Una experiencia y conciencia de ello ha impregnado fuertemente sus proyectos y obras artísticas, como el que ahora presentamos.

D. Hakim es una artista de trayectoria internacional, que desarrolla obras de arte de carácter multidisciplinar, que van desde la pintura al objeto, la fotografía, el vídeo, las instalaciones a la performance. Unos trabajo creativos que, a pesar de tener una fuerte carga poética, implican un cuestionamiento de nuestras sociedades, centrándose en las desigualdades humanas en las distintas culturas y comunidades, en razón a la religión, a la etnia, tipo de vida, y muy especialmente la discriminación y supeditación de las mujeres dentro de la cultura y la sociedad árabe, y en las tres religiones monoteístas fundamentales, la islámica, la cristiana y la judía.

En sus piezas la simbología e incluso los rituales y signos culturales y religiosos son deconstruidos y reconstruídos con nuevos y diferentes significados, liberados de cosificaciones y lecturas restringidas de las mujeres, haciendo para ello uso de metáforas, ironías y un humor ácido. Siendo una de sus estrategias creativas el centrarse en la importancia de lo simbólico y todo su entramado de significados en las sociedades y culturas, para subvertirlo, desde ópticas liberadas de constricciones machistas y segregacionistas raciales, religiosas  y culturales dentro de estas sociedades patriarcales. Un posicionamiento que también lleva a sus performances, de carácter ritualístico liberador, y en las que se implica activamente, tanto a nivel artístico como emocional, mental y sensorial, provocando reflexiones y meditaciones sobre nuestras sociedades y culturas contemporáneas, y también, en cierto sentido, al cambio y la sanación, pero siempre desde tonos poéticos y contenido estético, que es desde donde se estructura y desarrolla este proyecto.

Del 18 de mayo al 12 de junio 2022

11:00 a 15:00 y 17:00 21:00

Programa #2

PROGRAMA #2

Educación Sentimental

Videos de Ximena Cuevas

42 minutos

En estos tiempos de globalización donde ya somos habitantes del planeta de las pantallas, nuestros educadores son los medios. Los medios siempre parecen enseñarnos medias verdades. En el cine se romantizan las emociones hasta que se prenden las luces y nos encontramos frágiles y mortales. Mi trabajo performático de finales del Siglo pasado era el de grabar en el día momentos poco significativos de la vida cotidiana para esa misma noche convertirlos en pequeñas películas que desmitifican aquel romanticismo. Tomo elementos de los artificios de los medios para cuestionar las emociones.

XIMENA CUEVAS

(Ciudad de México 1963)

Desde que con dieciséis años entró a trabajar en la Cineteca Nacional de México y se “volvió adicta al olor del celuloide”, Ximena Cuevas no ha parado de trabajar con el material audiovisual. Se dedicó al cine en un primer momento (como asistente de dirección, directora artística, continuidad y doble de luces) y colaboró con directores como John Houston (“Bajo el Volcán”, 1984) o Arturo Ripstein (“Mentiras Piadosas”, 1988). Pero en 1991 decidió abandonar esta labor para dedicarse con exclusividad al trabajo en vídeo.

En su abundante videografía, que forma parte de las colecciones permanentes de centros como el MoMA de Nueva York y el Pompidou de París, explora temas como el artificio, la mentira, las relaciones entre la ficción y la realidad, la vida diaria, las emociones fabricadas, la autodestrucción como forma de religión o los rasgos de la identidad nacional (de México, “un país de colores brillantes en el exterior y blanco y negro en el interior”) y del género. “Las 3 Muertes de Lupe” (1984), “Corazón Sangrante” (1993), “Medias Mentiras” (1995), “Contemporary Artist” (1999) o “Cinépolis, la capital del cine” (2003) son algunos de sus títulos más conocidos. En ellos se mezclan el barroquismo caricaturizado del melodrama; el humor irónico que radiografía los tópicos de su país, del mundo del arte o de nuestra sociedad en general; o la complejidad de las emociones personales. En el 2016 regresa al cine de industria para  editar el premiado y aclamado documental “Bellas de noche” de su hermana María José Cuevas, por el cual la nomina La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas como mejor editora. En el 2020 la Academia la vuelve a nominar por la edición de “Esto no es Berlín” de Hari Sama.

Con una mirada que se fija en los pequeños detalles y que recurre al gran bagaje de cultura cinematográfica que la avala –fruto de la pasión gestada desde cuando a los trece años vivía en París y se convirtió en una consumidora habitual de cine-, crea un universo de imágenes complejo con una estética definida y personal. Sus vídeos se sitúan en algún punto intermedio entre el documental, el aval de verdad que proporcionan las cámaras ocultas, la ficción apropiada del cine y la ficción construida precisamente a partir de la propia realidad.

TERCERA EDICIÓN GDC. ENCUENTRO ENTORNO AL MUNDO DE LOS VIDEOJUEGOS.

Viernes 13 de Mayo de 18:00 a 21:00

Lara Marín // Ser freelance y no morir en el intento

Palabras como declaración de la renta, IVA o factura asusta(y mucho) la primera vez que las escuchamos. Más aún cuando te encuentras recién graduadx y con unas ganas inmensas de comenzar tu vida profesional.

Siempre afirmo que no soy ejemplo de nada, ya que para mí, el no tener tiempo es algo con lo que he lidiado toda la vida y no siempre es aceptado o bien visto por las personas de mi alrededor. Hoy me gustaría hablaros de mi experiencia, ya no solo como freelance, sino como persona de a pie con muchísimas inquietudes y demasiadas cosas que aprender todavía.

Yeray Pachón// Dificultad, empatía y desempoderamiento: Diseñando contra la propia naturaleza del videojuego.

¿Por qué los usuarios se ven atraídos por experiencias difíciles, inmorales e injugables?

Hablaremos de como usar las emociones y sentimientos de nuestros jugadores para crear experiencias especiales.

MUSEO_IA

Jueves 28 Abril | 20:00
Entrada Libre

Presentación del proyecto con Ana Marcos y Alfonso Villanueva

Los Museos Provinciales recogen los objetos más destacados del Patrimonio Cultural. Sus colecciones normalmente están divididas en tres secciones: Arqueología, Bellas Artes y Etnografía. Sin embargo, el Museo de Palencia no cuenta con la sección de Bellas Artes, quizás porque en sus orígenes, la primera dotación de obras artísticas procedente de los monasterios desamortizados de la provincia no llegó nunca a formar parte del Museo. Dicha dotación, compuesta por 56 pinturas (luego 57), simplemente desapareció y se ha perdido. El proyecto quiere dar a conocer el relato una herencia que no llegó a recibirse y que por tanto no está tutelada, protegida o conservada además de relegar a la provincia de Palencia a no disponer desde sus orígenes de un lugar donde referenciar y preservar el patrimonio artístico de las disciplinas de Bellas Artes. En la actualidad, 100 años después de la inauguración oficial del museo, éste sigue sin sección de BBAA.

Reflexionando sobre este hecho, nos preguntamos ¿Se puede hacer una exposición sobre obras de arte, en concreto pinturas, de las que no tenemos apenas información, prácticamente desconocidas? ¿Cómo sería si una maquina se inventase están pinturas utilizando procesos de aprendizaje IA después de un riguroso estudio histórico sobre los datos disponibles?

MUSEO_IA propone re-materializar digitalmente la colección de pinturas desaparecidas utilizando Inteligencia Artificial ..

 

 

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Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura y Deporte

TALLER LA HUELLA DE LA ACCIÓN

Conducido por Ana Matey

El Taller “La Huella de la Acción” es una propuesta especial para Art House. Un taller de creación basado en la metodología creativa de la artista Ana Matey que gira en torno a tres verbos clave: caminar, recolectar y desplazar. Cada una de estas acciones nos conducen a un entramado artístico donde se conecta el impulso interno de creación con el exterior: la vivencia del trayecto, la lectura del territorio, lo encontrado, lo inesperado del mismo, etc.

Una vez al año la artista conduce éste taller, en esta ocasión se trata de una propuesta específica ligada a los tres espacios de Art House: La Neomudéjar, Zapadores y Kárstica. Cada uno de ellos nos adentra al acto de caminar como práctica artística. Un recorrido histórico que nos hace transitar del centro de la ciudad desde el Museo de la Neomudéjar a la periferia en La Ciudad de las Artes, Zapadores; culminando en la naturaleza en el Centro de Arte Kárstica. Hablaremos de Dadá y su primer paseo por París, de los Surrealistas, Situacionistas, la legendaria obra de Tony Smith, el Land Art o Earth Work entre otros.

Se trata de tres bloques donde la artista comparte su metodología además de sus investigaciones a través de lecturas de autores como Careri, Thoreau, Solnit, etc Una metodología teórica-práctica donde cada participante irá desarrollando distintas piezas ligadas a los tres verbos claves del curso, y de la experiencia de transitar cada uno de estos espacios y sus entornos.

OBJETIVOS

Se trabajarán aspectos relacionados con:

• La acción de caminar como motor del proceso creativo.
• La austeridad material como principio de creación, vaciarse de 
necesidades materiales, trabajar con lo encontrado: recolectar.
• Reflexionar sobre el acto de desplazar. Acción poética y política.
• El arte de acción y el land art o earth work.
• La distintas aproximaciones y manejos de los conceptos: cuerpo, tiempo y 
espacio.
• La creación desde el cuerpo y en diálogo con la arquitectura, el espacio urbano y la naturaleza.
• Valorar los diferentes tipos de comunicar una acción: en vivo, fotografía, vídeo...
• La fotoacción. Visualización, reflexión y creación.
• La videoacción. Visualización, reflexión y creación.
• Propiciar la escucha y la alerta como aspectos fundamentales del proceso 
creativo.
• Acción en vivo Vs. Acción en diferido.

FECHAS Y HORARIOS. De Abril a Julio.

BLOQUE 01
3 sesiones Néomudejar/ 4h por sesión/ Total 12h/  Abr-May
23 ABRIL/ 07 MAYO/ 21 MAYO
De 11-15h

BLOQUE 02
3 sesiones Zapadores/ 4h/ Total 12h/  May-Jun
04 JUNIO/ 18 JUNIO/ 02 JULIO
De 11-15h

BLOQUE 03
3 días en Kárstica/ 8h/ Total 24h/ Jul
DEL 28 al 31 de JULIO
Muestra final como cierre del curso

TOTAL HORAS
48h

Muestra pública al final

MATRÍCULAS

Escribir un mail a matsuestudio@gmail.com

Asunto TALLER LA HUELLA DE LA ACCIÓN
Breve bio (no cv) sobre intereses y/o expectativas del curso (no más de diez líneas)

Cierre plazo de inscripción el 20 de ABRIL

Una vez confirmada la plaza se realiza el pago del curso (completo*, bloque**, etc)

Precio taller completo 200€ Socias museo 170€

Precio por bloques independientes:

Bloque 01/ Neomudéjar 90€ Socias 75€
Bloque 02/ Zapadores 90€ Socias 75€
Bloque 03/ Kárstica 168€ Socias 150€ ( El precio incluye el alojamiento en Kárstica )

Máximo de participantes 12

* El taller completo se puede abonar en dos pagos, uno al inicio y otro antes del último bloque. (100€ (Abril)+100€ (Junio)).
** En caso de acudir por bloques el pago se hace completo antes del inicio del Taller.

SOBRE LOS ART HOUSE (quizá podéis incluir algún dato más)

Red de Centros de Arte Independiente que genera redes entre los urbano, el rural y las periferias.

En lo urbano el Museo C.A.V La Neomudéjar es una histórica nave ferroviaria del s. XIX en Atocha-Madrid.
https://www.laneomudejar.com/

En la periferia Zapadores Ciudad del Arte …
https://zapadores.org

El Rural Kárstica Residencia Artístiva en el entorno de Cañada de Hoyo (Cuenca). Se trata de la antigua estación del municipio, que continua en vigencia y a la que se puede llegar desde Madrid, o Cuenca con parada facultativa a la puerta de la estación. Se trata de una edificación histórica de principios del siglo XX del arquitecto Secundino Zuazo (Premio Nacional de Arquitectura) que diseñó las estaciones de la linea Cuenca-Utiel a la que pertenece esta estación.
https://karstica.org

SOBRE ANA MATEY

Artista multidisciplinar madrileña, los medios que más trabaja son la fotografía, el vídeo y la performance. Su trabajo es una exploración profunda sobre los límites del cuerpo humano y su relación con la naturaleza, articulada principalmente a través de tres verbos clave: caminar, recolectar y desplazar.

“Mi trabajo son pequeñas investigaciones en torno a preocupaciones personales sobre el tiempo y la identidad en nuestra sociedad. Generalmente lanzo mis propias incógnitas sobre nuestra manera de vivir. Para ello empleo todos los medios que tengo a mi alcance, el primero mi cuerpo, el que siempre me acompaña, a través del cual siento y pienso el mundo…con él y a través de él inicio la investigación diaria de la vida. Construyo imágenes poéticas a través de la resistencia corporal, la ironía, la intensidad y el silencio.”

Desde el 2001 su obra se ha mostrado en museos, galerías, teatros y espacios independientes por toda España, casi toda Europa y fuera de ella en México, República Dominicana, Canadá, Marruecos, Indonesia, Japón y actualmente en Costa Rica. En lugares como la Galería Nacional en Costa Rica, el Museo Guggenheim en Bilbao, Centro de Arte FADO en Canadá, Museo Vostell en Cáceres, Museo Reina Sofía en Madrid, Galería Sesama en Yogyakarta, Iglesia San Marcos en Venecia, Cine Coliseum en Berlin, Museo de Arte Moderno en Tetuán, Teatro Universum en Helsinki, Fundación Monte Veritá en Suiza, Galería Dzialan en Varsovia, Galería Catalist Art en Belfast, etc. Ha recibido numerosas becas de creación las últimas en el Centro de Arte La Regenta (2019) y el Centro de Arte Contemporáneo Medioambiental Valdelarte (2020).

Desde el 2006 se dedica de manera paralela a la creación al ámbito de la dinamización, investigación y formación. Cofundadora de ElCarromato, Madrid (2006/10), ARTóN, itinerante (2009/14) y los actuales EXCHANGE Live Art (2012) y Neomatsu (2012). Participa periódicamente en mesas redondas, conferencias y presentaciones.

www.anamatey.com
www.exchangeliveart.com

EXCHANGE Live Art.

CELEBRACIÓN-BMAV es la primera de las actividades programadas para conmemorar, durante el año 2022, el X Aniversario de EXCHANGE Live Art. Esta propuesta ha sido una de las beneficiarias de BMAV-2022 (Bienal de Mujeres en las Artes Visuales), y cuenta con dos citas: un documento audiovisual que será compartido online durante el mes de marzo y una presentación en vivo en la Sala de Máquinas del Centro de Artes de Vanguardia LA NEOMUDÉJAR (Madrid), el miércoles 20 de abril a las 19 horas.

Para esta cita, las creadoras de EXCHANGE Live Art, Isabel León y Ana Matey, presentamos una conferencia-performance en la que homenajeamos a las 35 mujeres artistas que han participado en alguno de los más de 25 proyectos que EXCHANGE Live Art ha desarrollado durante estos 10 años, realizando sendas micro acciones basadas en sus respectivos trabajos y paso por el proyecto. Se trata de una acción creada para la ocasión, acompañada de una proyección audiovisual que ilustra la participación de todas ellas por las diferentes ediciones de EXCHANGE Live Art.

Seguidamente tiene lugar una mesa redonda abierta a la participación del público coordinada por la comisaria Nerea Ubieto, en la que están invitadas las artistas homenajeadas que puedan estar presente en dicha jornada.

CELEBRACIÓN-BMAV se enmarca dentro de las actividades programadas para conmemorar diez años de trayectoria de EXCHANGE Live Art; proyecto que investiga sobre la comunicación y los procesos creativos compartidos, partiendo del arte de acción como principal herramienta creativa. A lo largo de estos 10 años, hemos trabajado en numerosas propuestas entre laboratorios, residencias, talleres y eventos de acción en los que han participado un total de 66 artistas de diversas nacionalidades, trayectorias y generaciones.

El Museo C.A.V. La Neomudéjar tiene el placer de invitarle a la presentación del libro CUARENTENA de Pablo Siebel.

Viernes 18 de marzo 18:30. Entrada libre.

Ponentes:
Sergio Macías, Rep. Cultura Emb. Chile.
Francisco Carpio, Crítico de Arte.
Francisco Brives, Codirector Museo La Neomudéjar.
Pablo Siebel, artista.

El trabajo de Pablo Siebel es la acumulación de una suma de reglas del consciente y el inconsciente con los que el artista puede expresar lo que ocurre en el mundo que le circunda. Durante la pandemia Pablo decidió plasmar los sentimientos de su propio confinamiento en una serie de intensos dibujos en blanco y negro articulados por una síntesis de símbolos y conceptos dentro de un mundo mágico que se acerca al espectador a través de ilustraciones, personajes, animales, plantas, abstracciones y la percepción personal de este momento tan particular en la historia de la humanidad.

Sus experiencias, historias, personajes y lugares llenos de magia, van invitando al espectador a sumergirse en un viaje donde la confusión y el miedo son opacados por los poéticos y subjetivos elementos de la propia obra. La intención es construir una nueva realidad para el espectador. El artista propone en estos, en apariencia, caóticos dibujos, que no debemos sentirnos continuamente impulsados hacia el cataclismo. Este conjunto de obras hechas durante el período de total confinamiento en España no están basadas meramente en ilusiones de desencuentros, confusión o momentos de pánico. Son más bien demostraciones de una búsqueda, que puede ser quizás parcial o incompleta, basándose en la aceptación, o incluso el placer que puedan sugerir estas circunstancias, como así también en el temor a todo ello. Pero en el caos o la locura mágica de Siebel hay una cierta metodología. Él conoce y lucha con el desorden global en el escenario actual, pero ha encontrado un camino de domesticación, o por lo menos un modo de armonizar las fuerzas del conflicto, quizás no la realidad, pero por lo menos en el mundo visual donde la fantasía puede ser un sutil instrumento.

Siebel no está intentando encontrarle sentido a un universo absurdo, pero en estas imágenes, él está intentando hacernos recordar que todavía existe un lugar para los seres humanos y para el mágico mundo que nos rodea, incluyendo a la flora y la fauna, encontrando de alguna manera una realidad más apetecible. En todo caso estas construcciones visuales finalmente nos prometen un lugar de descanso y quizás de entendimiento.

En el reino de Siebel, las especies exóticas y de formas inimaginables se encuentran en completa ignorancia de la leyes irrevocables de la naturaleza. Estos personajes se entrelazan y retuercen atrapados en una selva impenetrable de animales y flores, bajo un mágico encantamiento que parece la única vía de escape de este sueño. Un juego donde uno apuesta entre la poco clara ciencia mágica o el apetito salvaje de hambrientas criaturas que solo deambulan en el torturado inconsciente de las víctimas del virus.

Como un Chamán milenario, iniciado en el mundo del espíritu animal, Pablo parece conectar profundamente con los secretos de sus criaturas y sus paisajes mágicos que quizás controlan el destino humano. Él no es un narrador de historias regionales que lo hace de un modo literal, es más bien el creador de una nueva realidad a través de sus historias. El mundo que él conoce fermenta con los potentes jugos de una intensa imaginación personal, un lenguaje visual accesiblea todos.

Para acabar me gustaría decir que la libertad es un concepto, es un estado mental… desconectado de restricciones ycreencias, de prejuicios y realidades. Libertad es romper las ataduras del pasado y el futuro y vivir los momentos presentes como si fueran eternos. Libertad es una perspectiva, un modo de ver el mundo a través de una mirada optimista que descubra la belleza de lavida y sus posibilidades, con un alma abierta al NUEVO MUNDO donde todo puede suceder.

En esta serie de obras tan particular Siebel está compartiendo con el espectador una indescriptible cantidad de libertad dentro de este proceso de confinamiento, que todos estamos padeciendo. Nos revela algunos patrones encubiertos que emergen de una proyección de nuestra natural esencia de comprensión y abren una serie de escenarios potenciales en la nueva realidad humana a la que hoy nos enfrentamos.

Marisa Caichiolo

https://zapadores.org/empoderadas-exposicion-en-costa-rica/