Agenda
Aimeé Joaristi – Umbrías (octubre 3, 2022 12:22 am)
Jhafis Quintero (septiembre 30, 2022 12:00 pm)
JHAFIS QUINTERO & JOHANNA BARILIER (enero 28, 2023 5:05 pm)

El museo Museo La Neomudejar celebra su 10 aniversario en Los Angeles participando en DIVERSEartLA 2023 con la artista vasca Carmen Isasi en LA ART SHOW

Madrid, Enero 2023

El Museo C.A-V La Neomudejar en su décimo aniversario lanza su premio adquisición para Artistas Emergentes en colaboración con el programa DALA 2023 de la prestigiosa feria de arte LA ART SHOW en Los Angeles.

Se cumplen 10 años del nacimiento de uno de los museos más singulares de la ciudad de Madrid, el Museo La Neomudejar siempre ha destacado por un programa museal atípico y una clara misión de vocación internacional, por eso este año 2023 en el que celebra su 10 aniversario, ha planteado un programa que no solo tendrá visibilidad en España sino en otros países con los que ha ido manteniendo una estrecha comunicación diálogo y programación. Son varias la acciones que la dirección del museo ha planificado con mimo, para celebrar esta década de aportación al mundo del arte, durante el año 2023.

Por tercer año, Arthouse y sus dos museos (La Neomudejar y Zapadores Siglo XXI), estarán, presentes en la feria de los Angeles como museos invitados en la sección comisariada por Marisa Caicholo DIVERSEartLA. Este año la artista que representará al museo, será Carmen Isasi con una gran instalación a 4 pantallas cuyo título DESHABITADAS, profundiza sobre el eje curatorial de este año en la feria. Sin duda una ocasión fantástica para destacar producciones de arte español en territorio Estadounidense.

La edición DALA 2023 lanzará una nominación al Premio de Adquisición de Museos para artistas emergentes. Este programa, que busca apoyar la escena del arte fomentando la adquisición de obras de arte contemporáneo por parte de los principales Museos nacionales e internacionales, es posible por primera vez gracias al compromiso de DALA y el Museo La Neomudéjar de España, con el apoyo de LA MUESTRA DE ARTE. La iniciativa proviene del Museo Español La Neomudéjar, Madrid, que celebra su décimo aniversario.

“Queriamos introducirnos como agente activo en el mercado Americano, brindando desde una óptica filantrópica un apoyo a las galerías que representan a artistas emergentes” comenta Francisco Brives. La filantropía es una de las dinámicas habituales en EEUU y hemos acordado que es una fórmula óptima participar con la feria desde este lugar como institución museal con colección adscrita al ICOM.

El premio de adquisición se anunciará al final de la edición DIVERSEartLA 2023 el domingo 19 de febrero. La selección estará a cargo de los Directores de La Neomudejar, Nestor Prieto y Francisco Brives y la curadora de DIVERSEartLA Marisa Caichiolo quienes en días previos visitaran galerías y conocerán las propuestas artísticas.

Para ello los directores viajarán junto a la artista vasca representante de este año Carmen Isasi a Los Angeles, en este mes de Febrero. “Nuestra presencia en la feria, siempre nos ha ayudado a asentar una presencia de arte español en diálogo con otros grandes museos internacionales con lo que tenemos la oportunidad de generar redes, encuentros y visibilizar la institución”. comentan los directores Nestor Prieto y Francisco Brives.

La feria LA ART SHOY reúne cada año una media de 80.000 visitantes en la ciudad durante los 5 días de feria. Este año como en los anteriores, la feria se desarrollará en LA CONVENTION CENTER de la ciudad de los Angeles del 15 al 19 de Febrero del 2023. Junto con el Museo Español La Neomudejar, la lista de instituciones de arte, museos y organizaciones sin fines de lucro participantes de DIVERSEartLA 2023 son:

- Instituto Cultural Italiano (Los Ángeles)
- AMA Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos (Washington D.C.)
- Museo La Neomudéjar (Madrid, España)
- Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) (Long Beach)
- Skid Row Cooling Resources / Homeless Health Care Los Angeles (HHCLA) (Los Ángeles)
- Kunstiniciative Wurzeln und Flügel e.V Art Museum (Alemania)
- Galería ReflectSpace, Departamento de Arte y Cultura de la Biblioteca de la Ciudad de Glendale (Los Ángeles) y Centro de Artes Culture Nomad (Seúl)
- OFICINA OPC PROYECTOS CULTURALES (México)
- Producciones Raubtier & Unicus

*Premio de adquisición del museo DIVERSEartLA. Premio de Adquisición de Museos para Artistas Emergentes.

Inspirada por el Museo La Neomudejar de España para conmemorar su 10º aniversario, la iniciativa busca apoyar la escena artística promoviendo la adquisición de obras de arte por parte de los principales museos nacionales e internacionales.

El ganador del premio de 5000 euros será elegido por Néstor Prieto y Francisco Brieves, Codirectores del Museo La Neomudéjar, así como por Marisa Caichiolo, curadora de DIVERSEartLA.

El premio será entregado por Prieto, Brives, Caichiolo y la directora de LA Art Show, Kassandra Voyagis, en una ceremonia de clausura el domingo 19 de febrero en el Centro de Convenciones de Los Ángeles.

El Premio Adquisición de Museos ha sido creado por el Museo La Neomudéjar de España con el apoyo de LA Art Show

 

Del 25 de Febrero al 12 de Marzo
INAUGURACIÓN 25 ENERO 12:00

UMBRÍAS

La oscuridad, el dolor, los retos vitales que nos ponen la vida a prueba para descubrir quienes somos realmente y que potencialidades poseemos . Umbrías es un paradigma sanatorio, una vía tortuosa de supervivencia

El conjunto de series y trabajos que agrupa está exposición panean un territorio oscuro de Joaristi, una suerte de vacíos infinitos, negritudes, cubículos por momentos tenebrosos que se ahogan entre gritos gestuales ausentes de sonido. Compleja la acción del dolor impregnando la condición del trazo prácticamente monocromo y su diálogo escultórico instalativo desde la convicción de estar operando dentro de las lógicas del arte contemporáneo. Aimée Joaristi se expone tras un suceso que casi le quita la vida. Reponerse, apoyarse en el arte ha sido su pócima alquímica para la rehabilitación de su espíritu fuerte e indomable. El carácter de las series introduce al espectador en las umbrías de la artista, los territorios íntimos, los retos de superación muchas veces no exentos de frustración y dolor. Los apoyos simbólicos trasladados a piezas escultórica conforman un abanico de resiliencias con forma de bastones, sobre los que apoyarse para caminar, para combatir y seguir avanzando.

Franciso Brives

 

Aimée Joaristi

Mi experiencia pictórica, y muchos de mis ejercicios instalativos y audiovisuales, parten de una intención de recrear determinados ambientes físicos que ya existen, con los cuales he interactuado; o de concebir otros de manera imaginativa, fantasiosa, mediante recursos simbólicos o artificios poéticos. Como han afirmado algunos especialistas, respondo más a una concepción de vínculo emotivo, energético, con esos ambientes o atmósferas; que a una perspectiva de interacción racional o estrictamente lógica. 

Si se hace difícil para el espectador neófito, y hasta para el público especializado, definir esa frontera precisa en mi obra donde comienza y termina el anhelo de una recreación física, y donde comienza y termina el propósito de una recreación elucubrativa, fantasiosa, es porque estoy fundiendo constantemente las percepciones objetivas con las subjetivas, los ámbitos reales con los virtuales. Estoy mezclando siempre las correlaciones entre las experiencias sociales y personales; los sentimientos que provienen lo mismo de confrontaciones intimistas que comunitarias. Ese ejercicio intenso de fusión está todo el tiempo condicionado por la celeridad, el exabrupto, con que se están manifestando constantemente mis estados de ánimo. O sea, no hay manera de seguirle la pista a la cronología de mi quehacer visual y alegórico, si no se tiene en cuenta ese curso transitivo de mi actividad social e intelectual.

A lo largo de mi trayectoria creativa, he realizado una serie de obras y conjuntos visuales deudores del género paisaje, caracterizados por el empleo de atmósferas densas, sobrecargadas, en las que prevalece el dibujo gestual, catártico, desgarrador; piezas en las que el color desaparece casi por completo e impera la presencia de tonalidades negras y grises. En ellas, la oscuridad, la penumbra; y sobre todo la dimensión simbólica de lo espectral, se muestran como señales inductivas sobre determinadas experiencias eventuales de superstición, duda, miedo e incertidumbre. Experiencias e impulsos que me sobrecogen, me estremecen, pero también me tientan, me seducen. En ocasiones las hago aparecer también acompañadas de objetos emblemáticos, imbuidos de una mística oracular o de resguardo; artefactos, que tienen una relación estrecha con mi vida cotidiana y le otorgan un principio de confianza, de seguridad, a esa incursión o exploración artístico-mental dentro del imaginero. Los cayados o bastones, y algunos detalles de sus ornamentos, constituyen un buen ejemplo de esa voluntad de adición expositiva.  

Si tuviera que ofrecer algún símil sonoro, una especie de cántico para desarrollar otra referencia vibratoria de ese mundo visual de hermetismo metafórico, boscoso, en el que me sumerjo; mundos que repelen y cautivan, que aprisionan y liberan, pensaría en la ópera del alemán Carl Orff, Carmina Burana. Llegué a pensar en un momento dado, incluso, reapropiarme de este título también para nombrar la muestra. 

Aunque parezca paradójico, creo que estás señales o claves que inducen muchas de las piezas concebidas dentro de esta perspectiva o perfil, no han de ser interpretadas como indicios de un recorrido profesional errático, desorientador, sino por el contrario, como un motivo funcional de tentativas, búsquedas y reafirmaciones personales. He vivido con intensidad estos momentos de trance dubitativo, de existencia frágil, al límite, y de ellos he salido fortalecida, y con un tipo de obra que -según opinan algunos entendidos- aporta madurez y sofisticación a mi discurso dramático. 

Desde hace ya algún tiempo vengo pensando en la idea de hacer una exposición en la que se haga un resumen panorámico de toda esta producción visual específica, y por eso deseo proponerla ahora como proyecto curatorial a la Noemudejar. Luego de varios días analizando, he decidido denominarla “Umbría”, pues considero que es un sustantivo ideal para reflejar ese estado y atmósfera tenebrosos, sombríos, casi selváticos, en el que de manera simbólica suelo perderme y encontrarme con cierta regularidad desde lo intelectual y lo emotivo. Pero considero también que es un término que incorpora con muchísima sutileza -casi de soslayo- ese sentido de conexión y dependencia con los entornos naturales que me circundan, que me acogen dentro de la región del trópico donde vivo y trabajo: Costa Rica. En el caso particular de los cuadros que integran la exposición “Umbría”, considero que adquiere una dimensión práctica ese ejercicio de contemplación y sugestividad a que me someto constantemente frente a las penumbras y noches del campo costarricense. De esas vegetaciones, de esos montículos o relieves apenas vislumbrados; de esos espectros sugeridos tras el forcejeo, la tensión entre las luces y las sombras nocturnales, he aprendido mucho. De ellos he extraído un sin número de artificios técnico-compositivos que se manifiestan en casi toda mi producción multifacética, pero sobre todo en los fundamentos de mi obra realizada mediante el dibujo y la pintura.  

Aimée Joaristi    

Máximas de seguridad

Acercamiento a quemarropa a la obra de Jhafis Quintero

Prorrogada

La ausencia de libertad, las constricciones espaciales, la despersonalización, la incertidumbre, la falta de contacto humano, han formado parte de la experiencia vital de Jhafis Quintero y, por mucho tiempo, han sido los ejes de su práctica artística. Desde una corporalidad situada en el encierro prolongado de una prisión costarricense, la relación con su propio cuerpo se hizo más estrecha, aprendiendo a pasar tiempo a solas y a jugar consigo mismo, estudiando, a su vez, formas de cuidarse de los otros, estableciendo mecanismos de sobrevivencia y adaptación, maniobras de resilencia y acciones de reconstitución de la propia psiquis.

En este conjunto de obras Jhafis Quintero nos introduce a su personalísimo universo vital. El artista ha construido un lenguaje particular a partir del cual nos hace partícipes de lo vivido y aprehendido en el escalofriante rigor de la celda. Pone en relación con los espectadores, los códigos, los secretos y el metalenguaje utilizado durante su reclusión para hacer contacto con el(los) otro(s) e impedir la alienación de su propia humanidad.

La materialidad de su obra nos aproxima a los creativos dispositivos generados por necesidades coyunturales que nos hablan de un idioma secreto, paralelo, una jerga oculta revelados a través de una estética ruda y poderosa con base en las toscas texturas del cemento o en la aspereza de objetos vulgares como botas y cuchillos, pero en los que logra mutaciones sutiles que los hermosean. 

Por otra parte, los vídeos-performances compartidos en esta exposición nos revelan a un artista que conoce el tiempo, que lo maneja con suficiencia, posiblemente por haber pasado por experiencias en la que tuvo que administrarlo minuciosamente día con día. Son creaciones audiovisuales que se basan en planos fijos, más o menos cerrados y estáticos, que exigen máxima atención a la mirada, y en donde la intensidad de las acciones lindan con el riesgo, con los límites de la mente, del cuerpo, del espacio físico, con los límites de la propia piel, generando una tensión desmesurada en quienes se enfrentan a ellos.

Gladys Turner Bosso & Pancho López

Security Essentials

Point-blank approach to the work of Jhafis Quintero.

Entended

The absence of freedom, spatial constraints, depersonalization, uncertainty, lack of human contact, have been part of Jhafis Quintero's life experience and, for a long time, have been the axes of his artistic practice. From a corporality located in the prolonged confinement of a Costa Rican prison, the relationship with his own body became closer, learning to spend time alone and to play with himself, studying, in turn, ways of taking care of others, establishing mechanisms of survival and adaptation, maneuvers of resilience and actions of reconstitution of his own psyche.

In this set of works, Jhafis Quintero introduces us to his very personal vital universe. The artist has constructed a particular language from which he makes us part of what has been experienced and apprehended in the chilling rigor of the cell. He shares with the spectators, the codes, the secrets and the metalanguage used during his seclusion to contact with the other(s) and prevent the alienation of his own humanity.

The materiality of his work brings us closer to the creative devices generated by conjunctural needs that speak to us of a secret, parallel language, a hidden jargon revealed through a rough and powerful aesthetic based on the rough textures of cement or the roughness of vulgar objects such as boots and knives, but in which he achieves subtle mutations that make them beautiful.

On the other hand, the video-performances shared in this exhibition reveal to us an artist who knows time, who manages it satisfactorily, possibly because he has gone through experiences in which he had to manage it meticulously day by day. They are audiovisual creations that are based on fixed shots, more or less closed and static, that require maximum attention to the gaze, and where the intensity of the actions border on risk, with the boundaries of the mind, body, physical space, with the limits of their own skin, generating excessive tension in those who face them.

Gladys Turner Bosso & Pancho López

Jhafis Quintero

Jhafis Quintero (Panamá, 1973) Artista plástico y escritor. Jhafis Quintero inició su carrera como artista mientras descontaba 10 años de prisión en Costa Rica, de la mano de la artista Haru Wells, quien estaba decidida a demostrar que el arte es un sustituto efectivo del crimen. Su experiencia carcelaria juega un papel destacado en su obra, con una percepción singular del paso del tiempo y sus implicaciones para un cuerpo inmerso en ese marco temporal particular, y una constante reflexión sobre la muerte que se desliza sobre la vida de los internos. Su práctica artística surge de sus experiencias personales en el mundo carcelario, el silencio, la inseguridad, pero también la imaginación y la creatividad dirigidas a encontrar medios de supervivencia. Ha realizado exposiciones personales y colectivas en museos de Nueva York, Texas, Madrid, Londres, Barcelona, Estambul, Brasil, Argentina y Tazmania, entre otros, y su trabajo forma parte de colecciones privadas como Daros (Suiza), Cisneros o el Centro Nacional de Bellas Artes de París. Es autor de 'Máximas de Seguridad', 'Los dueños del mundo' y La Casa de los Geckos'. 

Jhafis Quintero

Jhafis Quintero (Panama, 1973) lives and work in Europe Plastic artist and writer. Jhafis Quintero began his career as an artist while discounting 10 years in prison in Costa Rica, at the hands of the artist Haru Wells, who was determined to demonstrate that art is an effective substitute for crime. His prison experience plays a prominent role in his work, with a unique perception of the passage of time and its implications for a body immersed in that particular time frame, and a constant reflection on death that slides over the life of the interns. His artistic practice arises from his personal experiences in the prison world, silence, insecurity, but also imagination and creativity aimed at finding means of survival. He has had personal and group exhibitions in museums in New York, Texas, Madrid, London, Barcelona, Istanbul, Brazil, Argentina and Tazmania, among others, and his work is part of private collections such as Daros (Switzerland), Cisneros or the National Center of Fine Arts of Paris. He is the author of 'Máximas de seguridad',' 'Los dueños del mundo' y La Casa de los Geckos'.

PRÓXIMAMENTE   

Universo Psicótico

Paco Santibañez nos sumerge en una reflexión profunda, la interpelación desnuda ante el vacío de la existencia. Una obra elaborada durante muchos años en los que el artista tocó fondo, se confrontó a su condición de alcohol y transitó los infiernos de la dependencia. Su obra nos anticipa la complejidad de cómo la capacidad de resiliencia no altera lo lúcido.  

Adentrarse en la mente, las conexiones cuánticas, los universos complejos y radicalmente outsider de Paco Santibañez, son un salto al vacío.  La perturbadora  obra de Santibañez nos conduce a una reflexión fruto de su investigación y estudio de lo humano,, los rostros que nos rodean, los fantasmas alienados, las masas de seres autómatas con los que convivimos, la psicosis social desde donde construimos una realidad insatisfecha, ausente de risas y plagada de prejuicios, de miedos y de distanciamiento social. Paco Santibañez nos procura un recorrido, un tránsito por alguna de las lagunas estigias, la posibilidad de reconocer el infierno y sus contradicciones, las guerras, las claves que soterran los clásicos, línea y la caverna de Platón, o el conocimiento de Homero, están narrados en los miles de rostros que expulsa la construcción psicótica de nuestra sociedad.

Psychotic Universe

Paco Santibañez immerses us in a deep reflection, the naked interpellation before the emptiness of existence. An oeuvre developed over many years in which the artist hit rock bottom, he faced his alcoholism and went through the hells of dependency. His work anticipates the complexity of how the capacity for resilience does not alter the lucid.

Delving into the mind, the quantum connections, the complex and radically outsider universes of Paco Santibañez, are a leap into the void. The disturbing work of Santibañez leads us to a reflection that is the result of his research and study of the human, the faces that surround us, the alienated ghosts, the masses of automata beings with whom we live, the social psychosis from which we build an unsatisfied reality, absent of laughter and plagued with prejudices, fears and social distancing. Paco Santibañez provides us with a journey, a transit through one of the Stygian lagoons, the possibility of recognizing hell and its contradictions, wars, the keys that bury the classics, the line and the cave of Plato, or the knowledge of Homer, they are narrated in the thousands of faces that the psychotic construction of our society expels.

El colectivo J&J está formado por Jhafis Quintero y Johanna Barilier desde 2020

VIDEO PROGRAM

Del 28 de Enero al 12 de Marzo de 2023

POEMS:

Dulce condena

Amor, enfermedad y catástrofe, han sido tres de las palabras que han alimentado el sueño humano respecto a su existencia en el mundo (dentro y fuera de las fronteras del arte). Recordemos, a modo de ejemplo, la cinematográfica historia de Fando y Lis (1968), filmada en blanco y negro por Alejandro Jodorowsky. Una pareja disfuncional –compuesta por una mujer sin movilidad en las extremidades inferiores, y un psicópata-, destinados a deambular amorosamente en el apocalipsis. También en El infarto del alma, fotolibro de Diamela Eltit y Paz Errázuriz (1992), resulta clave la relación entre amor, enfermedad y sobrevivencia. Las parejas esquizofrénicas retratadas por Errázuriz daban cuenta de su amor, cuando se ofrecían mutuamente el más preciado de sus escasos bienes: un humilde pan con mermelada de bolsa. Una dulce condena, hasta que la muerte los separe.

Bajo la pregunta del lugar del arte, limitada por el confinamiento obligatorio, el colectivo de artistas compuesto por Jhafis Quintero y Johanna Barilier –el, un ex presidiario; ella, diagnosticada de borderline-,  presentan una serie de 10 videoperformances titulada POEM. Los cinco poemas audiovisuales, son realizados bajo la premisa de “patologías compatibles”, a modo de respuesta insurgente, en contra de la impostura social que nos obliga a vivir una manera correcta e higiénica de comportarnos en pareja; como si nuestras vidas en cuarentena fuesen equivalentes al desenlace feliz de una película de Disney; como si las condiciones materiales en las que vivimos fuesen el escenario perfecto para el feliz desenlace de un romance entre príncipes y princesas.

De ese modo, bajo la estructura dramática de la tragedia shakesperiana, Quintero y Barilier invitan a padecer y socializar la experiencia de un proyecto de vida, cuyo sentido de permanencia no tiene ningún otro valor más allá del amor mutuo y gigantesco que nos profesamos de manera enfermiza. Un amor inútil para las normas sanitarias de la economía, un amor que no produce más que el excedente de su propia representación. Sin hijos, sin árboles ni libros. Un amor alternativo, honesto y transparente, donde las palabras son cuchillos, ni el agua ni el sexo se niega al otro (son necesidades básicas), como si se tratara de un tango: el erotismo es tan violento como romántico, el rostro del otro es tan lejano como familiar, mientras caminamos por una cuerda floja imaginaria: donde solo nuestro equilibrio entre patologías compatibles podrá ayudarnos a salir juntos de esta dulce condena.

Antonio Urrutia Luxoro
Curador y editor independiente

VIDEO PROGRAM

Del 28 de Enero al 12 de Marzo de 2023

Conceptual jokes
Colectivo artístico Jhafis Quintero / Johanna Balirier

Paredolia: The tendency to perceive a specific, often meaningful image in a random or ambiguous visual pattern

Estos 10 videos son el producto de una rigurosa y exhaustiva investigación de campo, el paso lógico después la serie de videos Poems, “Amor y otras patologías compatibles”.

En este nuevo trabajo abordamos con una sonrisa, aspectos profundos del ser humano. Nosotros en el colectivo estamos convencidos que el humor es el digestivo justo para abordar temas dramáticos de per se.

Yo he decidido no ser un simple expediente policial fuera de contexto. Sé que no existe una forma científica de demostrar la moral; un ex convicto será siempre, la simple documentación de un error cometido en el pasado que se podría repetir en el futuro. Johanna ha decidido de no vivir con la noción de permeabilidad sanitaria a la que algunos estan expuestos. Los diagnósticos médicos se transforman en sentencias vitalicias porque afecta la forma en que son percibidos los “pacientes” y la forma en la que terminan auto percibiéndose ellos mismos.
Ella no es el paciente que languidece dentro o fuera de los muros institucionales, vistiendo inmóvil la impotencia de la camisa de fuerza que la obliga al autoabrazo.

Ambos componentes del colectivo hemos experimentado diferentes formas de aislamiento en el pasado, en hospitales psiquiátricos o prisiones. Hemos sido testigos de como el ser humano en aislamiento o incomunicación punitiva resignifica su propio cuerpo y el espacio que lo rodea como una segunda piel para establecer nuevas formas de comunicación.

Jhafis Quintero & Johanna Barilier

2022 Nomination Cultural Prize Jura-Nord Vaudois/ Switzerland
2022 Virtual Vidéo Présentation/ CINE + PERFO/ Festival International de Performance-Art, Buenos Aires, Argentine
2022 Collective Vidéo exhibition « Reactivando Videografias »/ Academia de España en Roma, Roma, Italia
2022 Vidéo exhibition « Conceptual Jokes » / Picola Parigi/Quistello, Italie
2022 Collective exhibition curated by Kisito Assangni/ Torrance Art Museum/ Los Angeles, USA
2021 Collective exhibition curated by Kisito Assangni / Contemporary Art Center, Programme Of Upshot Of Trans-Affective Sollidarity/ Motorenhalle/ Dresden, Germany
2021 Vidéo presentation/ Persa Del Arte/ Santa Rosa, Chili
2021 « Androgyn » exhibition, Photography/ Picola Parigi/Quistello, Italie
2021 Performance/ Performance Reihe Neue-Oerlikon Festival/ Zurich, Switzerland
2021 Vidéo Collective exhibition Contemporary Art Center/ Dresden, Germany
2021 Vidéo presentation/ Reactivando Videografias Centro Cultural de España en Roma
2021 Vidéo presentation/ Centro cultural de España, Panama
2021 Vidéo + photography/ Museo de arte contemporaneo Panama
2020 Performance/ Teatro Repower/ Milan, Italia
2020 Interview by Calalina Mena journalist specializing in visual arts/ Santiago, Chili
2020 Exhibition serie Poem (vidéos)/ Volcana/ Verona, Italia
2020 Interview/ Radio Lora/ Zurich, Switzerland
2020 Vidéo + Photography/ Subasta Museum Contemporary Art (MAC)/ Panama City
2020 Performance Live/ Performance Art Festival/ New-York, USA
2020 Reactivando Videografias/ Bienal de la Imagen Movimiento/ Buenos Aires, Argentina
2020 Vidéo/ Art Fair/ Art Miami (Online-Edition) / Miami, USA

Shot with FIMO PAN 100.

Jhafis Quintero


 Jhafis Quintero (Panamá, 1973)
Artista plástico y escritor.


Jhafis Quintero inició su carrera como artista mientras descontaba 10 años de prisión en Costa Rica, de la mano de la artista Haru Wells, quien estaba decidida a demostrar que el arte es un sustituto efectivo del crimen. Su experiencia carcelaria juega un papel destacado en su obra, con una percepción singular del paso del tiempo y sus implicaciones para un cuerpo inmerso en ese marco temporal particular, y una constante reflexión sobre la muerte que se desliza sobre la vida de los internos. Su práctica artística surge de sus experiencias personales en el mundo carcelario, el silencio, la inseguridad, pero también la imaginación y la creatividad dirigidas a encontrar medios de supervivencia. Ha realizado exposiciones personales y colectivas en museos de Nueva York, Texas, Madrid, Londres, Barcelona, Estambul, Brasil, Argentina y Tazmania, entre otros, y su trabajo forma parte de colecciones privadas como Daros (Suiza), Cisneros o el Centro Nacional de Bellas Artes de París. Es autor de 'Máximas de Seguridad', 'Los dueños del mundo' y La Casa de los Geckos'. 

Johanna Barilier

(n. 1986. Lausana, Suiza)
vivir y trabajar en suiza y latinoamerica

Nació en una familia suiza en la que la religión cristiana tenía un lugar predominante. Siempre se ha opuesto a los dogmas religiosos según los cuales la mujer no era otra cosa que la sierva de Dios y del hombre; De niña se convirtió en ladrona, mentirosa y seductora. Se negó a ser sometida por ningún sistema, incluido el sistema escolar.

El sistema médico le impuso la reclusión, “para su protección” como alternativa, fue internada varias veces en hospitales psiquiátricos. Ella se escapa regularmente de estos sitios, siendo una adolescente de extrema sensibilidad, una sensibilidad patológica que según los médicos, podría llevarla a actos peligrosos, autolesionarse y poner en peligro su propia vida. Según el DSM, cumple los criterios de trastorno límite de la personalidad "Borderline". Según los médicos, sería difícil para ella tener un trabajo o una vida considerada normal. Además, las posibilidades de morir antes de los 30 años eran muy altas.
Su vida ha sido en efecto una lucha constante contra etiquetas y manuales. La religiosa quería determinar su vida según la Biblia y los médicos según el DSM (Biblia Médica).

Durante más de 10 años, ha trabajado en el campo social. Entrevistar a personas que sufren las etiquetas de institucionalización (desempleados, inmigrantes, enfermos mentales, etc.) Es en este contexto que su hipersensibilidad se convierte en una riqueza porque logra establecer una comunicación horizontal con las personas.

“A veces esta hipersensibilidad toma todo mi ser y me pone en peligro. Lo domé, pero no puedo controlarla totalmente. Mi cuerpo está “marcado” por esta realidad. Mis heridas mentales se han convertido en heridas físicas, las cicatrices en mis brazos y piernas han crecido conmigo, como evidencia de que mi pasado no fue solo un sueño. Todo mi cuerpo es un cuaderno de bitácora”.

“Siempre he practicado la fotografía: cuando capturo una imagen, siento que estoy dando un paso atrás en la situación. La anterior escena convulsa e incontrolable se convierte en una imagen fija. Un recuerdo".

El encuentro con el artista Jhafis Quintero fue explosivo. Un sentimiento de autorreconocimiento a primera vista, poderoso pero también destructivo. Durante el encierro encontramos nuestras respectivas condiciones en una peligrosa promiscuidad, este poderoso amor provocó profundas crisis de pareja que me llevaron al hospital, pero también a intervenciones policiales. Hoy somos una pareja "bajo vigilancia". Del sistema médico legal y de la policía.
He encontrado en el arte no solo la manera de evadir los dogmas religiosos y médicos con los que me ha tocado convivir, el arte también me ha ayudado a domar mis propios demonios.
En nuestras obras mostramos nuestro amor patológico, que en última instancia no es más que una exacerbación de lo que todos pueden experimentar.

Por parto inminente de la artista, se cancela la performance.  

Sábado 28 de Enero 19:00
5,00 Eur

Verónica Gutiérrez
Javier Palacios
@nemo.ika
 

A la mujer le dijo:

— Multiplicaré sobremanera el sufrimiento en tus embarazos,
y con gran dolor parirás a tus hijos. Tendrás ansia de tu marido y él tendrá autoridad sobre ti.

<<… que se cuestione el papel que un imaginario limitado y manipulado ejerce sobre generaciones de mujeres que crecen desvinculadas de sus cuerpos, desvinculadas de las experiencias maternales de otras mujeres y totalmente moldeadas por historias que infunden miedo y facilitan la subordinación a la institución y la sumisión a protocolos de control que debilitan o anulan el poderío de la experiencia.>> De la entrevista a Ana Álvarez-Errecalde por María Llopis. Maternidades
subversivas (Txalaparta, 2015).

Duración: 20 minutos (aprox.)

Verónica Gutiérrez

Evento de desarrolladores de videojuegos independientes

PERNEO IV Encuentro Internacional de Performance Art 

Precio 8,00 Eur
Sábado 10 Diciembre 19:00h

LA LEVE Y FRÁGIL CONTRACCIÓN DE UN CIERVO

El ciervo está tranquilo hasta que encara su nacimiento, su conflicto. Se asoma tímidamente desde su cascarón para comunicarse con lo otro a partir de sutiles acciones imperceptibles: comparte su aliento suspendiendo el tiempo, habita la intimidad con su sombra.

Revolucionario en la quietud y el vigor. 

Es ahora cuando empieza a sentir cotidiano su vientre, se levanta la falda, ata tus pies y provoca el incidente. 

 

MARCEL SPARMANN (Alemania)

Marcel Sparmann trabaja con performance, teatro, danza, arte público e instalación. Estudió en Alemania y Escocia y ahora trabaja internacionalmente, participando en residencias como artista e investigador. Sparmann ha presentado conferencias sobre pedagogía, teatro y performance por toda Europa, USA, América Latina, China y Japón.
Actualmente es docente invitado en diferentes universidades alemanas. Con el apoyo del Instituto Alemán Goethe, ha participado en reconocidos festivales y bienales de Performance Art, como la Semana Internacional de Arte de Performance de Venecia, el Festival de Arte de Performance de Pulid Pulse, el Festival de Arte en Vivo de Xian, la Bienal de Arte de Performance de Houston, entre otros.

We will always have Rome II

La performance "We will always have Rome II" rememora las marcas y circunstancias de un ciervo que anida en mi vientre. Este ciervo debe ser cuidado y por este motivo mi cuerpo se convierte en el disfraz, el cuchillo y el portador. Para que el ciervo pase a través del tiempo yo existo, por eso una madre habita ese lugar. El animal vive fugazmente, siempre antes de tiempo; pasado conflictivo, futuro oscuro. En la quietud y la vitalidad el ciervo siempre será revolucionario, confrontador y por lo tanto, mi nacimiento será costilla y caparazón.

Fotografía de Fenia Kotsopoulou

MARÍA SÁNCHEZ (Ávila- Madrid)

María Sánchez (Ávila, 1977) es artista plástica y docente. Sus proyectos investigan las relaciones personales, la presencia y lo corpóreo. En 2009 recibe una beca del Ministerio de Cultura en Filmoteca Española para el proyecto de archivo y catalogación del Archivo EOC (Escuela Oficial de Cine). Entre los premios y selecciones destacan: Beca Internacional Roberto Villagraz (2011), Premio a la producción de la Fundación Santander (2014), Convocatoria Internacional Jóvenes Artistas Luis Adelantado (2011), Premi Embarrat (2017). En el 2019 trabaja en Agiña, un proyecto audiovisual para el museo Fundación Jorge Oteiza.

Una pieza contraida

Quería empezar -antes de contaros mi proyecto- hablando de mi gran interés por lo imperceptible, leve, pequeño, frágil y mínimo.

Mis piezas ocupan casi la palma de la mano, para guardarlas en el bolsillo.

Quiero tener contacto con personas desconocidas....investigo maneras de hacerlo: chupar un tenedor en un bar antes que lo use un cliente, meter el dedo en un croissant en el expositor de una panadería, chupar un palillo en un bar por si alguien lo usa después, cambiar un lápiz a quien se sentó al azar a mi lado en la biblioteca... ¿Para qué? No sé. A mi me parece que se suspende un poco el tiempo y el corazón. 

Una pieza contraída busca reflexionar sobre los vínculos y las relaciones personales, el amor y la amistad, los encuentros fugaces, un momento para conectar con un desconocido. Atomizar y estrechar a los asistentes.

CORA NOVOA (Galicia)

Cora Novoa es una artista multidisciplinar gallega.

Ha realizado múltiples exposiciones en Galicia, Andalucía, Madrid, Portugal y Londres y festivales y ferias de arte.

Graduada en Bellas Artes por la UVigo, completa su formación en la Universidad de Kingston (Londres), realiza prácticas en el taller La Madriguera (Barcelona) y un máster MAEV por la US (Sevilla). Continúa su formación en el campo de la acción de la mano de Isabel León, Ernesto Artillo, Rubén Barroso, Ana Gesto y Ana Matey, entre otras. 

Actualmente reside en Santiago de Compostela.

Su obra tiene como motivo la corporalidad como espacio habitado, el contexto, el error, la fragmentación y la deconstrucción de la identidad. Compartir procesos creativos es una parte fundamental de su trabajo. Actualmente, sus proyectos ahondan entre diversos lenguajes y modos de ver, entre los que destacan la instalación, fotografía, video y performance. 

O espazo da miña saia


Una receta de performance.
Acerca de la fortaleza de lo frágil,
la complejidad de lo simple,
lo íntimo de las primeras veces,
Sobre la casa, lo cotidiano, fracturas y cascarones.
En torno a la implicación y la mancha que impregna.
Tomar mis decisiones, lo portátil, precario, redondo, simbólico.
Un espacio para la fertilidad, libertad de creación y expectativas propias.

Reserva tu entrada


Precio 8,00 Eur
Sábado 22 Octubre 19:00h
Para reservar escribe un correo a info@arthousemadrid.es con tu nombre y número de entradas.
Puedes abonarlas y recogerlas en el museo hasta 30min antes de comenzar el evento. La entrada incluye la visita a las exposiciones del Museo por lo que te recomendamos venir antes. Al terminar el evento el museo ya estará cerrado.

P. E. P. A. Pequeño Evento de Performance Art es un evento de performance en Madrid que surge de la iniciativa de la artista de performance Analía Beltrán i Janés que pretende cubrir la necesidad en Madrid de eventos de arte de acción con una continuidad en el tiempo. En su formato online PEPA ha sido co-dirigido con la también artista de performance Verónica Peña. PEPA es un lugar de encuentro para el arte de performance que intenta ofrecer en cada edición un elenco variado de artistas combinando performers de larga trayectoria con artistas emergentes, así como artistas nacionales e internacionales. Con una periodicidad más o menos mensual lleva desde enero de 2018 programando encuentro con la finalidad de dar a conocer y difundir el arte de acción en Madrid, con alguna escapada a otros lugares de España.

Los artistas que presentarán su trabajo en esta ocasión son: KAMIL GUENATRIFRANZISCA SIEGRIST, JUDIT CHULIÀ ORDUÑA – HINA VAGINA y VIRGINIA JORDÁ.

KAMIL GUENATRI

Nacido en Argelia en 1984, vive y trabaja en Francia. Estudió ingeniería de sistemas y luego, en 2009, se unió al estudio de poesía y artes escénicas de la Universidad Mirail. Desde 2010 presenta varias performances, exposiciones multimedia, entre ellas The Regional Contemporary Art Fund – Les Abattoirs en Toulouse, el Mes Internacional del Arte de Performance en Berlín y otros festivales internacionales en España, Inglaterra, Suiza, Portugal, República Checa, Polonia, Colombia. y Estados Unidos.

Presenta la obra: “COLORIS CORPUS #0”

Un diálogo entre el cuerpo y el color como elemento físico en sustancia material o simbólica. En este ciclo trato de explorar un lenguaje cromático de objetos y acciones creando secuencias en situaciones dispuestas en oposición y complementariedad. De esta forma, el cuerpo se fusiona y la experiencia con el público se convierte en un adorno de patrones.

Kamil-guenatri.fr

VIRGINIA JORDÁ

Presenta la obra: (No) es fácil”

La obra de Virginia Jordá está marcada por sus experiencias personales como persona adoptada, mostrando predilección por las vivencias del pasado y por cómo éstas nos forman como individuos únicos. En sus últimos trabajos se centra en temas como la búsqueda de identidad, los vínculos afectivos y la violencia sexual siendo uno de sus objetivos dar visibilidad a temas que en muchas ocasiones permanecen a la sombra de la sociedad. A lo largo de su carrera se ha especializado en cerámica artística y en el arte de acción o performance art. Medios con los que ha encontrado el lenguaje que más se adecúa a su forma de sentir y presentar conceptos como la fragilidad, el vacío y las cicatrices en la materia.

https://www.virginiajorda.com

https://www.facebook.com/virginia.jorda.art

@virginia.jorda

FRANZISCA SIEGRIST

Franzisca Siegrist (1984). Artista visual. Nació en Suiza, creció en Canarias (La Palma) y tiene su base principal en Noruega. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna (2008). Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia (2010). Su obra se centra en lo preformativo, creando performances en vivo, instalaciones, videos y fotografías. Ha mostrado su trabajo en numerosos países Europeos, en EE.UU., Singapur, Tailandia y China.

Presenta la obra: “Δx=xf−x0 (desplazamiento)”

Mi trabajo se centra en temáticas como el hogar, la identidad y el sentido de pertenencia en su perspectiva más amplia, haciéndome preguntas que están relacionadas con mis antecedentes, la vida cotidiana y cómo estas reflejan aspectos específicos de la sociedad en la que vivimos.

Δx=xf−x0 es la fórmula utilizada en física para definir el concepto de desplazamiento. Se denomina desplazamiento al cambio de posición que experimenta un cuerpo, desde un punto inicial A, hasta un punto final B, a través del movimiento.

www.franzisca-siegrist.com

@franzisca_siegrist

JUDIT CHULIÀ ORDUÑA – HINA VAGINA

Palau-solità i Plegamans, Barcelona 1994

Soy una artista multidisciplinar que centro mi práctica en problemáticas contemporáneas a través de la pintura, la instalación artística, el vídeo y la performance. En muchas ocasiones he traído la performance al mundo rural en diferentes actos feministas. He participado en numerosas exposiciones colectivas en Barcelona, Madrid y Paris.

Presenta la obra:  “La piel”

Actualmente trabajo en la simbiosis que se da entre performance, video, el mundo rural, la cotidianidad, el cuerpo y las relaciones íntimas sociales. En la pieza “La piel” utilizo mi piel como máscara del cuerpo, conecto sus similitudes con la piel humana, dejando expuesta otra piel explotada, mercantilizada, sometida y violentada, igual que el consumo del animal y al mismo cuerpo humano.

www.instagram.com/hina.vagina

www.vimeo.com/hinavagina

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Precio 8,00 Eur
Sábado 22 Octubre 19:00h
Para reservar escribe un correo a info@arthousemadrid.es con tu nombre y número de entradas.
Puedes abonarlas y recogerlas en el museo hasta 30min antes de comenzar el evento. La entrada incluye la visita a las exposiciones del Museo por lo que te recomendamos venir antes. Al terminar el evento el museo ya estará cerrado.

Taller con Margarita Aizpuru

Curso/Taller de Margarita Aizpuru (Proyecto y docencia). Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, docente, directora, experta en nuevas tendencia de arte contemporáneo, arte, género y  feminismo, performance, videoarte y fotografía expandida. Ha sido directora de la Bienal de performance de Granada y de las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía (ver curriculum al final)

Programación y Espacio: La Neomudéjar (ArtHouse)

El curso-taller consta de 5 días de temario intensivo, 4 horas diarias,  y un concurso de selección de hasta 4 proyectos de performances, elegidos por Margarita Aizpuru, para ser realizados en el CICLO PERFORMANCE GÉNERO Y FEMINISMOS a realizar en La Neomudéjar, formando parte de las prácticas del Curso-Taller noviembre de este año 2022.

Total de horas y horario Curso/Taller: 20 horas, 5 días a 4 horas diarias (con descanso de 20 minutos), miércoles, jueves, viernes, sábado y domingo, de 17 h a 21 h, del l 23 al 27 de noviembre de 2022, ambos días inclusive.

Lugar: Museo La Neomudéjar,   C. de Antonio Nebrija, S/N, 28007 Madrid
 Email contacto: info@arthousemadrid.es
Matrícula curso: 130 euros

 

Como realizar la matrícula:
Para aquella persona interesada en inscribirse en el curso, dirigirse a Margarita Aizpuru, margaaizpuru@gmail.com

Certificado del curso: Se expedirán los correspondientes certificados del curso, firmado por un representante de la institución y por la profesora del curso.

 

PRESENTACIÓN

El contenido del curso versará sobre los aspectos conceptuales, visuales, teóricos y prácticos de la performance en interrelación con los discursos y las prácticas feministas y de género.

Desde los orígenes de la performance, y el arte corporal en general, hasta estos últimos años en los cuales hemos asistido a un revival de esta práctica artística, diferentes generaciones de creadoras han desarrollado mecanismos y lenguajes, y han abierto caminos tan específicos y contundentes en el territorio de la performance como para que pueda hablarse de la importancia, en la evolución de la misma, de la presencia femenina e incluso de performances feministas.

Ese contexto feminista, y sus discursos sobre el cuerpo, en unas primeras décadas, a los que habría que añadir el paradigma de la identidad de género a partir de los años 80, coinciden con un cambio de actitud en el arte.

Al final de la década de los sesenta y comienzos de los setenta, a la vez que en el mundo del arte se generaliza la reacción contra el objeto artístico, se expanden las acciones, las mujeres representaron los procesos por los que atraviesan sus propios cuerpos, explorándose las relaciones entre el cuerpo de la mujer como sujeto y como objeto social.

Después de 1970, muchas mujeres desarrollaron obras específicamente feministas. Se produjo un incremento de trabajos que reinsertaron las experiencias del ser mujer en la práctica del arte.

A partir de la segunda mitad de los ochenta, y sobre todo en los noventa se van a ir produciendo cambios en el sentido de la apertura a una nueva estética que redescubre los happenings y la performance. Muchas performers de hoy en día están reanalizando conceptos tanto en relación a ellas mismas y al cuerpo como respecto a los medios y los ámbitos a través y mediante los cuales las performances se realizan, suponiendo unos aportes esenciales a esta importante área artística.

Por todo ello se dará a conocer a lxs alumnxs lo que ha supuesto la performance realizada por mujeres artistas desde ópticas de género y prácticas feministas. Y ello realizando un recorrido teórico-práctico, con numerosas visualizaciones en clase, que se explicarán y serán analizadas y debatidas, de performances llevadas a cabo por las artistas, en sus distintas tendencias, planteamientos y prácticas, desde los años sesenta y hasta ahora mismo, tanto a nivel de nuestro país, como internacional.

DESTINATARIXS-ALUMNXS Y OBJETIVOS

Podrán participar como alumnxs todas las personas que lo deseen, siempre que se cumpla con los requisitos de matriculación que se indican.

Y, específicamente está pensado y estructurado para artistas visuales y escénicos, licenciados y postgrados  de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Estética, Comunicación Audiovisual, Publicidad, Cine o Medios Audiovisuales y Centros de Formación que integren enseñanzas relacionadas con la creación artística, entre otras materias. Así como para gestores culturales, comisarios, coordinadores de exposiciones y actividades, profesores de arte, diseñadores de las diferentes especialidades, y a todas aquellas personas vinculadas al mundo artístico o interesadas en el mundo de la imagen contemporánea artística.

El objetivo fundamental del curso es informar/formar en el ámbito del de la performance desde perspectivas artísticas, de género y feministas, y ello en base al programa del curso que sigue a continuación, haciendo hincapié en el estudio del desarrollo histórico, de mujeres artistas y tendencias de la performance, sus fusiones y mestizajes con otras áreas artísticas y su exhibición en diferentes espacios y modalidades de intervención y exhibición.

Dicha información y formación se llevará a cabo por la profesora del curso/taller que impartirá ella misma, incorporándose unas prácticas de performances, mediante un concurso entre lxs alumnxs del mismo, de los cuales Margarita Aizpuru seleccionará 4 proyectos de performances para ser realzados en La Neomudéjar, dentro de un Ciclo organizado a tal fin.

Margarita Aizpuru

Doctora en Geografía e Historia, especialidad de Historia del Arte, por la Universidad de  Sevilla. Ha sido profesora asociada en la Universidad Carlos III de Madrid, en las asignaturas de Introducción al Arte Contemporáneo e Historia del Cine. Actualmente es profesora asociada en la Universidad de Salamanca, de Fotografía Artística. Habitualmente imparte cursos en universidades privadas como la Universidad Antonio de Nebrija, Fundación Claves de Arte, o colaboraciones en las públicas como la UIMP o la Universidad de Sevilla, entre otras, así como en diversas entidades privadas y fundaciones impartiendo talleres, cursos y conferencias en diferentes campos del arte contemporáneo.

Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora, ha sido programadora de artes plásticas de la Casa de América de   Madrid en el año 2003 y 2004 y del área “Zona Emergente” en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, desde 1999 hasta el año 2003, ambos inclusive.  Trabajó en el Departamento de exposiciones temporales del Centro Georges Pompidou y en la Fondation Cartier de París en los años 90. Experta en nuevas tendencias de arte contemporáneo, en arte y género, performance y videoarte.  Ha comisariado numerosas exposiciones y actividades artísticas como comisaria independiente desde inicio de la década del 2000 del siglo XX tanto en España, como Francia, Marruecos y diversos países latinoamericanos. Además ha dirigido festivales de arte de acción/performances, numerosos ciclos y muestras de video, las 11 ediciones de los Encuentros Internacionales de Arte y Género de Andalucía, y una Bienal de Performance en Granada.

Así mismo es crítica de arte independiente y asidua conferenciante, profesora de cursos y talleres de arte contemporáneo, de comisariado, performance, arte y género, y videoarte entre otros. Y ha sido miembro de numerosos jurados.

En el año 2018 recibió el premio MAV a la teórica y gestora del año. Y actualmente forma parte del Consejo Asesor de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), la asociación de mujeres en las artes más importante y numerosa del Estado español.

Los discursos y análisis de performances y obras performativas irán acompañados de visualización de performances de distintas artistas en vídeo (DVD) y proyecciones fijas, que servirá de base documental al debate y discusión que acompañarán en todo momento al curso.

La piel a la intemperie

Del 5 de Octubre al 22 de Enero

Bajo este título, el museo La Neomudéjar trae a colación la obra de una de las artistas emblemáticas del arte contemporáneo español.

Carmen Isasi es sin duda un referente del llamado arte nuevo, ese que combina lenguajes cruzados, hibridaciones conceptuales, con una estética fruto de una tradición de vanguardia donde la voz de una mujer creadora desafía con su mera irrupción la necesaria reconfiguración de la presencia de las mujeres artistas en el ecosistema actual.  Isasi posee una larga trayectoria, bien asentada, firme y continuada en la escena madrileña. Su origen vasco y por tanto sus referencias artísticas entroncan con un arte impregnado de universalidad destacando una manera de hacer y de decir que no logra desligarse, ni lo pretende, de la tradición del arte Vasco. Como destacó en su momento el crítico Fernando Castro ante su obra "Desechos Industriales" 1992 -"Al modo benjaminiano recoge los restos descompuestos de lo real y los recompone otorgándoles nuevos sentidos."-

El lenguaje de Carmen es fluido y contundente, su obra es impecable, tanto en la ejecución como en el modo de presentarla. Exigente, minuciosa y sería es una firma que suscribe una labor entregada de muchos años, abriéndose camino desde su tierra natal hasta la capital que la acoge y donde desarrolla su trabajo. La series de obras que se presentan en esta exposición, atraviesa diferentes procesos creativos, técnicas y lenguajes, si bien la instalación, el fotocollage, el vídeo, o la performance son sus habituales lenguajes y herramientas, no podemos dejar a un lado su obra pictórica donde Carmen Isasi expande su impronta de manera excelsa en distintos soportes como la serie 'el cuerpo como prisión" donde el trabajo enfoca sobre la figura de la mujer, tema recurrente y central de su obra, la fuerza arquetípica del dolor y el sometimiento al que se han visto condenadas  la mitad de la población mundial.  Estas series, que abarcan un periodo amplísimo de su obra, desde 1989 hasta la época actual, donde Carmen muestra una madurez artística  que a tenor de su belleza (Allegans contraria non audiendus est) alcanza una más que destacada presencia en la exposición con su serie más reciente 'Deshabitadas'  una conjunto expositivo de obras de video, instalación, fotografía y fotograbado en torno a la crisis migratoria en el mediterráneo poniendo el foco en las mujeres.

Una voz creadora que atiende a las lógicas de una época, donde recoge un lenguaje propio interpelado a las derivas del mercado para que se abran nuevos ejes narrativos impregnados de una carga simbólica y emocional que nos coloca ante una creadora icónica con nombre propio.

 

CICLO DE PERFORMANCE: PERFORMATICAS

Sábado, 14 de enero, 2023, de 12 h a 14 h

Acceso con la entrada general al Museo.

Comisaria: Margarita Aizpuru

Artistas: Angiola Bonanni, Violeta Andreu, Jana Pachón, Paula Elena Ramos y Asunción Requena

Performáticas es un ciclo de cinco performances, seleccionadas por Margarita Aizpuru de entre las participantes en el taller de Performance, género y prácticas feministas, impartido por ella en el Museo la Neomudejar de Madrid. Cinco acciones realizadas por cinco mujeres artistas desde ópticas de género y/o feministas, en torno al cuerpo de la mujer, la identidad femenina, y sus construcciones y socialización en la sociedad patriarcal contemporánea, incidiendo en temáticas que a las mujeres les afectan dentro de ella. Cinco acciones construídas desde distintos tonos y narrativas, que se desarrollan en torno a la violencia de género y la infantil, al ámbito de lo doméstico y lo culinario, al deseo y la liberación de constricciones, o los nuevos imaginarios y narrativas feministas sobre el ciborg.

Un Ciclo de performances que se ejecuta dentro del espacio expositivo de la artista española Carmen Isasi, cuya muestra multidisciplinar, Deshabitadas, que si bien es planteada en torno a las mujeres en las crisis migratorias, se despliega en obras que, desde un conceptualismo poético, se centran en las mujeres, sus dolores y supeditaciones, sus cuerpos  y constricciones, y el cuerpo ausente, construyendo un contundente discurso visual desde perspectivas de género centrado en las mujeres, que se enmarca en el techo común que con ella comparten las artistas y sus performances del Ciclo Performáticas.

PROGRAMA


JANA PACHÓN

Título performance: Bésame

Duración: 15 minutos

¿Nuestro deseo es instintivo o cultural? ¿A quiénes se parecen las personas que nos atraen?

Varias mujeres en escena. Cada una de ellas desea ser besada. Nos invitan a ello


ANGIOLA BONANNI

Título performance: La cocina precaria

Duración: 10 minutos

Un novedoso programa semanal  de cocina para mujeres artistas que han llegado a la edad de la “NO pensión»


VIOLETA ANDREU

Título performance: NO

Duración: 20 minutos

La artista aborda el tema de la violencia de género física contra las mujeres, ejercida tanto en el ámbito privado como público.

La idea de NO es evidenciar las conductas violentas que un cónyuge ejerce sobre la mujer, para subrayar la rotundidad del «no», al más mínimo indicio violento y el reconocimiento inmediato de estos comportamientos. Las mujeres no están solas, y tienen que pedir ayuda y serles dada.


ASUNCIÓN REQUENA

Titulo performance: Alexander´s dark band

Una historia de acoso infantil y virtual. Un espacio gris entre dos arcoiris, donde suceden las cosas innombrables. Un ejemplo de Patriarcado, los Doce Apóstoles.

¡Pobres Marías actuales! Mujeres postgeneración X, entorno a los 50 años o cumplidos, con su adolescencia en el nacimiento de la Democracia, que creyeron que en su educación estaba el cambio. El Patriarcado creó un ejército de mujeres preparadas que cobran menos y que deshilan sus vidas para deshilarse en su trascurso vital.


PAULA ELENA RAMOS

Titulo performance: Un cuerpo cansado y una fiesta

Duración: 15 minutos

Una acción como una ceremonia con el elemento error como creador de un nuevo imaginario visual corporal e identitario, fisico-mujer. Un nuevo ser “monstruoso” al que no se le niegue el placer. Empieza la fiesta, comienza una sociedad feminista ciborg.

A partir del 25 de Noviembre de 2022

 

(English bellow)

MUJER/MÁQUINA/FÁBRICA

una exposición de archivo

Una fotografía de las trabajadoras de la fábrica de sacos de Vitoria-Gasteiz, es el detonante de esta propuesta sobre perversión archivística, que se realizará del 25 noviembre de 2022 al 22 de enero de 2023, en el Museo Centro de Artes de Vanguardia La Neomudéjar en Madrid. La plantilla de la fábrica de sacos (La Carmela, y posteriormente RICA S.A.) estaba compuesta mayormente por mujeres que no habían tenido mucha suerte en la vida: viudas, “solteronas” y madres solteras, sus rostros que nos miran seriamente en la actualidad, nos hicieron pensar sobre la supuesta realización vital de las mujeres al trabajar por dinero fuera del entorno doméstico, y cómo llegaron estas mujeres a conseguir trabajo en las fábricas.

Esta exposición está basada en material de tres archivos importantes: Fototeka de la Fundación Kutxa de Donostia, el Archivo Municipal de Vitoria-Gasteiz y el Archivo Municipal de Bilbao, que ofrecido a once artistas actuales para su reinterpretación,  tiene como objetivo construir otra línea narrativa dentro de la memoria obrera basada en la observación de las imágenes. Desde las cigarreras a las trabajadoras del textil a principios del siglo XX, hasta las recientes movilizaciones de las cuidadoras, hasta las actuales manifestaciones del 8 de marzo, en las que las pancartas feministas sobre identidad se imponen por contundencia y cantidad sobre otros derechos puramente laborales, la organización de las mujeres en sus trabajos desborda el contexto laboral, y despliega una agenda que va más allá de las reivindicaciones tradicionales sobre el salario. Trabajo y vida se unen de forma intrincada, bien por contextos empobrecidos, bien por contextos intelectuales. Y decimos tradicionales, porque la condición de obreras, parece igualar situaciones sociales y necesidades. ¿Es lo mismo una obrera que un obrero? ¿responden a la misma realidad social? ¿tienen las mismas necesidades? En el relato fotográfico encontramos un camino para llegar a la actualidad y comprender cómo el concepto del trabajo se ha construido en base a narrativas ya predispuestas: qué es un trabajo digno, cuanto se cobra la hora, que es el convenio correspondiente, cuantas son las horas semanales, que es el tiempo libre, ¿tiempo que no se trabaja?. Y en base a eso juzgamos la realidad de nuestros trabajos. Pero al ver el origen de la condición obrera femenina, vemos la necesidad de plantearnos el concepto en sí.

Para entender el origen de la relación del movimiento obrero con las mujeres, hay que tener en cuenta dos cosas: la cultura de familia que se basa en la idea de que los hombres tienen que ser capaces de ganar el sueldo para la familia, y que por eso se daba prioridad a que fueran ellos quienes tuvieran trabajo, y las acciones por las que, cuando se trata de mujeres y trabajo, protegerlas era aplicar los “cuidados” que los hombres pedían para sí mismos.

Aunque los relatos sobre el movimiento obrero han eclipsado la presencia de las mujeres en huelgas, su participación va más allá de la anécdota. El escenario, entonces, es que hay pocas mujeres en el mercado formal, que además son invisibles en las fuentes de documentación, y que, a pesar de todo, tienen una importancia grande en la organización del conflicto. Esta exposición no reivindica parámetros sindicales, no protesta sobre las condiciones, ni romantiza un movimiento obrero casi inexistente en la actualidad: sino que es una pregunta: ¿Nos sirven las definiciones actuales de trabajo? ¿qué nos define como trabajadoras? Mujer_Máquina_Fábrica es el inicio de un trabajo de investigación fotográfica sobre qué es el trabajo.

En esta exposición participan: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz y Zaloa Ipiña. Esta comisariada por Sara Berasaluce y Tamara Garcia Iglesias, que componen el colectivo ARTXIBO kolektiboa, y tiene el apoyo del Programa Eremuak de Tabakalera de Donosti, MAV - Mujeres en las Artes Visuales, Kutxateka de Kutxa Fundazioa, Diputación Foral de Guipúzcoa y el Ministerio de Cultura y Deporte. En colaboración con Francisco Brives y Néstor Prieto del Museo La Neomudéjar de Madrid.

EMAKUMEA/MAKINA/FABRIKA

artxibo-erakusketa bat

Gasteizko zaku-fabrikako emakume langileen argazki bat da perbertsio artxibistikoari buruzko proposamen honen eragilea. 2022ko azaroaren 25etik 2023ko urtarrilaren 22ra egingo da, Madrilgo Vanguardia La Neomudéjar Arte Zentroan. Zaku-fabrikako (La Carmela, eta, ondoren, RICA S.A.) langile gehienak bizitzan zorte handirik izan ez zuten emakumeak ziren: alargunak, “neskazaharrak” eta ama ezkongabeak, gaur egun serioski begiratzen diguten aurpegiak, emakumeek etxeko ingurunetik kanpo diruagatik lan egitean bizi izan zuten ustezko gauzatzeari buruz pentsarazi ziguten, baita emakume horiek lantegietan lana lortzera nola iritsi ziren ere.

Erakusketa hau hiru artxibo garrantzitsuren materialean oinarrituta dago: Donostiako Kutxa Fundazioaren Fototeka, Gasteizko Udal Artxiboa eta Bilboko Udal Artxiboa, egungo hamaika artistari berrinterpretaziorako eskainia. Langileen memoriaren barruan beste ildo narratibo bat eraikitzea du helburu, irudien behaketan oinarrituta. XX. mendearen hasieran ehungintzako langileei egindako zigarro-lantegietatik hasi eta zaintzaileen azken mobilizazioetaraino, eta martxoaren 8ko manifestazioetaraino, non nortasunari buruzko pankarta feministak beste lan-eskubide hutsei buruzko irmotasunez eta kantitatez nagusitzen diren, emakumeek beren lanetan duten antolaketak lan-testuingurua gainditzen duen eta soldatari buruzko aldarrikapen tradizionaletatik haratago doan agenda bat hedatzen duen. Lana eta bizitza modu korapilatsuan batzen dira, bai testuinguru pobretuetan, bai testuinguru intelektualetan. Eta tradizionalak esaten dugu, langile izateak gizarte-egoerak eta premiak berdintzen dituela dirudielako. Gauza bera al dira langile gizon bat eta langile emakume bat? Errealitate sozial berari erantzuten al diote? Behar berberak al dituzte? Argazki-kontakizunean bide bat aurkitzen dugu gaurkotasunera iristeko eta lanaren kontzeptua aldez aurretik prestatutako narrazioetan oinarrituta nola eraiki den ulertzeko: zer den lan duina, zenbat kobratzen den ordua, zer den dagokion hitzarmena, zenbat diren asteko orduak, hau da, astialdia, lan egiten ez den denbora da?. Eta horretan oinarrituta epaitzen dugu gure lanen errealitatea. Baina langile femeninoaren kondizioaren jatorria ikustean, adigaia bere baitan planteatzeko beharra ikusten dugu.

Langile-mugimenduak emakumeekin duen harremanaren jatorria ulertzeko, bi gauza hartu behar dira kontuan: familiaren kultura, gizonek familiarentzako soldata irabazteko gai izan behar dutelako ideian oinarritzen dena, eta horregatik lehentasuna ematen zitzaiona haiek lana izateari, eta, emakumeak eta lana direnean, haiek babesteko ekintzak, gizonek beren buruarentzat eskatzen zituzten zaintzak aplikatzea.

Langileen mugimenduari buruzko kontakizunek emakumeen presentzia grebetan eklipsatu duten arren, haien parte-hartzea anekdotatik haratago doa. Orduan, kontua da emakume gutxi daudela merkatu formalean, dokumentazio-iturrietan ikusezinak direnak eta, hala eta guztiz ere, gatazkaren antolaketan garrantzi handia dutenak. Azalpen honek ez ditu parametro sindikalak aldarrikatzen, ez ditu baldintzak salatzen, eta ez du gaur egun ia existitzen ez den langile-mugimendu bat erromantizatzen. Galdera da: egungo lan-definizioek balio digute? Zerk definitzen gaitu langile gisa? Emakumea_Makina_Fabrika lana zer den azaltzen duen argazki-ikerketa baten hasiera da.

Erakusketa honetan parte hartzen dute: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocio Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz eta Zaloa Ipiña. Sara Berasalucek eta Tamara Garcia Iglesiasek ARTXIBO kolektiboa osatzen dutenak, erakusketa eta proiektua kudeatzen dute, eta honako hauen babesa du: Tabakalerako Eremuak Programa (Donostia), MAV – Emakumeak Ikusizko Arteetan, Kutxa Fundazioaren Fototeka, Gipuzkoako Foru Aldundia eta Kultura eta Kirol Ministerioa. Madrilgo La Neomudéjar Museoko Francisco Brives eta Nestor Prietorekin lankidetzan.

Sara Berasaluce y Tamara Garcia Iglesias

WOMAN/MACHINE/FACTORY

an archival exhibition

A photograph of the women workers of the Vitoria-Gasteiz sack factory is the starting point for this proposal on archival perversion, which will be presented from November 25, 2022 to January 22, 2023, at the Museo Centro de Artes de Vanguardia La Neomudéjar in Madrid. The staff of the sack factory (La Carmela and later RICA S.A.) was composed mostly of women who had not had much luck in life: widows, "spinsters" and single mothers, their faces that look seriously at us today, made us think about the supposed vital fulfillment of women working for money outside the domestic environment, and how these women came to get jobs in the factories.

 

This exhibition is based on material from three important archives: Fototeka of the Kutxa Foundation of Donostia, the Municipal Archive of Vitoria-Gasteiz and the Municipal Archive of Bilbao, which offered to eleven current artists for reinterpretation, aims to build another narrative line within the working-class memory based on the observation of the images. From the cigarette makers to the textile workers in the early twentieth century, to the recent mobilizations of the care workers, to the current demonstrations of March 8, in which feminist banners on identity are imposed by forcefulness and quantity over other purely labor rights. The organization of women in their jobs goes beyond the labor context, and displays an agenda that goes beyond traditional salary demands. Work and life are intricately linked, either by pauperized contexts or by intellectual contexts. And we say traditional, because the condition of workers seems to equalize social situations and needs. Is a worker the same as a worker? do they respond to the same social reality? do they have the same needs? (can the needs of human beings be equalized?). ) In the photographic story we find a way to reach the present day and understand how the concept of work has been constructed on the basis of narratives already predisposed: what is a dignified job, how much is an hourly salary, what is the corresponding contract, how many are the weekly hours, what is free time (time that is not worked?). And based on that we judge the reality of our jobs. But when we look at the origin of the female working condition, we see the need to consider the concept itself.

To understand the origin of the labor movement's relationship with women, two things must be taken into account: the family culture based on the idea that men have to be able to earn the salary for the family, and that is why priority was given to them having jobs, and the actions by which, when it comes to women and work, to protect them was to apply the "care" that men demanded for themselves.

The narratives about the labor movement have eclipsed the presence of women in strikes, their participation goes beyond anecdote. The scenario, then, is that there are few women in the formal market, that they are also invisible in the documentation sources, and that, in spite of everything, they have a great importance in the organization of the conflict. This exhibition does not claim union parameters, does not protest about conditions, nor does it romanticize an almost non-existent workers' movement today: rather, it is a question: Are the current definitions of work useful to us? What defines us as workers? Mujer_Máquina_Fábrica is the beginning of a photographic research work on what work is.

Participating in this exhibition are: Irati Cano, Irene Zottola, Laia Abril, Maider Aldasoro, Toia Bonino, Maider Jiménez, María Alcaide, Rocío Bueno, Rosa Neutro, Yone Estivariz and Zaloa Ipiña. It is curated by Sara Berasaluce and Tamara Garcia Iglesias, who make up the ARTXIBO collective, and has the support of the Eremuak Program of Tabakalera de Donosti, MAV - Women in the Visual Arts, Fototeka of Kutxa Foundation, Provincial Council of Guipúzcoa and the Ministry of Culture and Sports. In collaboration with Francisco Brives and Néstor Prieto of the Museo La Neomudéjar in Madrid.

Encuentro de desarrolladores de videojuegos independientes

Viernes 16 Septiembre 18:00h

Taller: Desencriptando la performance

El curso presencial Desencriptando la Performance propone una mirada multidisciplinaria para revisar y exponer una parte de mi archivo recopilado en 30 años de trabajo en el performance, en el cual expondré cinco temas que he abordado a lo largo de mi carrera y que han marcado mi discurso y estética: Sexo, dolor, excreciones, vejez y política.

Basándome en mi experiencia y apoyada por la documentación de performances seleccionada ex profeso para visualizar cada tema, compartiré el desarrollo de cada uno de ellos como creadora, ejecutora y observadora/crítica.

01
COMO CREADORA COMPARTIRÉ

  1. La metodología que utilizo para la creación de piezas de performances.
  2. El proceso que sigo para traducir las ideas en funcionalidad para la ejecución.
  3. Los bocetos de mis propuestas.

 

02
COMO EJECUTANTE:

  1. El manejo del cuerpo y la mente durante mis acciones.
  2. La rigurosa percepción del momento para lograr armonía en el desarrollo.
  3. El público como termometro de la ejecución.
  4. La integración de las circunstancias fortuitas a la pieza de performance.

 

03
COMO OBSERVADORA DE LA PERFORMANCE POSTERIOR A SU PRESENTACIÓN

  1. La compensación integral de la pieza más allá de la aproximación inicial.
  2. El análisis de la documentación.
  3. El anecdotario del proceso performático.

 

EL OBJETIVO DEL CURSO

Es revisar los diversos procesos de la acción performática preperformance, performance y postperformance desde el punto de vista del autor sustentado po la documentación de su obra.

El curso va dirigido a estudiantes, maestros, teóricos, artistas, investigadores, curadores, historiadores, enfocados en el arte-acción.

Fechas y precios

Del 21 al 25 de Septiembre 17:30 a 21:00

Precio 120 Eur

 
PRORROGADA HASTA EL 25 DE SEPTIEMBRE
Del 27 de Julio al 11 de Septiembre
Exposición pintura y escultura

 Xabier Egaña (Las Arenas, 1943) es el último sobreviviente de los artistas notables (Oteiza, Chillida, Lucio Muñoz, Basterretxea, Eulate, Egaña) que dejaron su impronta en la nueva Basílica de Arantzazu, obra de los arquitectos Saenz de Oiza y Laorga.

Con una extensa y prolífica trayectoria de más de cinco décadas, cabe destacar su labor de pintura mural en numerosas obras públicas, dentro y fuera de España: pintura, escultura y esgrafiados sobre hormigón en San Juan de Puerto Rico (1977); pinturas murales en el Camarín de la Virgen de la Basílica de Arantzazu (1978); mural del ábside y mobiliario litúrgico en San Pelayo en Zarautz (1979); murales en Alemania, Münster (1979) y Mühlen, (1980-81); murales en hormigón y cerámica industrial en el polideportivo de Arrigorriaga (1982, 1984); pinturas y murales en cerámica industrial en la escuela Lauro en Loiu (2000); pinturas murales en hotel en Murueta (2003); mural del ábside y escultura en piedra en la capilla La Salle, San Asensio (2004); conjunto de vidrieras en iglesia del Espíritu Santo, San Sebastián (2007-08) y su última gran obra muralista Pinturas para la Vida en la Iglesia de Antezana, junto a Vitoria (2013-2017).

Su ciclo de pinturas murales en la Iglesia de S. Buenaventura en Mühlen (Alemania) fueron declaradas, en 2008, Patrimonio Cultural Artístico en el estado de Baja Sajonia. Las autoridades alemanas le rindieron homenaje con una exposición itinerante De la Vida y una publicación Xabier Egaña. De Arantzazu a Alemania 1975-2008.

Artista poliédrico, ha trabajado con múltiples técnicas y soportes: pintura, dibujo, grabado, collages, escultura, cerámica, murales, vidrieras, ilustraciones, etc. Su obra combina el dibujo, con pintura plana y pintura-ensamblaje, incorporando materiales y objetos encontrados. Su estilo es un expresionismo figurativo ecléctico, con preferencia por el uso de materiales pobres. Sus principales temas y motivaciones giran en torno al ser humano, especialmente en situaciones de injusticia y sufrimiento: el horror y las guerras, la migración, las pateras, la ablación…

La representación plástica de Xabier Egaña ha pasado por varios estadios estilísticos. Tras unos primeros escarceos, en los sesenta, con maderas labradas y policromadas, bajo el embrujo del hacer de Lucio Muñoz, a mediados de los setenta consolida un estilo de representación propio, a caballo entre la deconstrucción picassiana de la figura humana y la composición lírico-poética y colorista de Chagall. A destacar también la influencia de Oteiza, con quien compartió el proceso de la ejecución final del frontis de la Basílica de Arantzazu. Y posteriormente, largos años de cercanía y amistad.

En la exposición de La Neomudéjar se presenta un conjunto de obras cuidadosamente seleccionadas de distintas etapas de su trayectoria, técnicas y estilos, adecuadas al singular espacio expositivo. Una oportunidad única para conocer una parte significativa de la trayectoria de este artista, puesto que en Madrid apenas se ha visto su obra. 

Juan Ayesta - Comisario

Maniobras del Cuerpo | Evoluciones y simulacros en que se ejecuta el cuerpo

 

Ana Marcos es una artista multidisciplinar que intenta establecer vínculos entre la práctica artística y la tecnología. Sus proyectos de investigación combinan su perfil técnico y artístico. Es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid e Ingeniería Técnica Industrial por la Universidad Politécnica de Madrid. Cofundadora del estudio 3Dinteractivo.com , un grupo de ingenieros y artistas que busca a través de la investigación una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia-tecnología y el público impulsando la experimentación en el Arte.

Sus proyectos se han mostrado en Museos de todo el mundo. Entre otras, destacan la exposición en el MACD de San José, Costa Rica. Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán, Korean Foundation Gallery , Museo Narni, Italia, Museo de Arte del Banco de la República-Sala Parqueadero y dentro de España: Espacio Fundación Telefónica, CentroCentro – Ayuntamiento de Madrid, Museo de la Evolución Humana- Burgos, Museo Universitario de Alicante, Museo Universitario de Valladolid; Museo Provincial Palacio del Infantado, Guadalajara, Museo de Palencia, Museo La Neomudejar, MediaLab Madrid, Etopia Centro de Arte y Tecnología, Zaragoza y para finalizar, recientemente en LA Art Show de Los Ángeles, EEUU.

 

Sábado 24  de Septiembre 12:00h

Conversatorio con Xabier Egaña y el comisario Juan Ayesta acerca de la obra y vida del genial artista. Este conversatorio hace parte de la clausura de la actual exposición del Museo La Neomudéjar.

 

Muestra de resultados en La Neomudéjar de la residencia de Kárstica en Cañada del Hoyo (Cuenca)

Kárstica es el espacio de residencias artísticas en el entorno rural de Cañada del Hoyo que el Museo La Neomudéjar abrió en 2019. www.karstica.org

La actual muestra en el Museo La Neomudejar es la muestra de resultados de la artista Sandra Julve quien  resultó beneficiaria de la beca Junio 2022 realizada por convocatoria.

 

Es la materialización de una escucha sobre la intersección entre el mundo seco y el encuentro e interacción entre cuerpos de agua atravesados por un océano vincular inspirada por el fenómeno natural de la torca. En un llamamiento a establecer una política del cuidados y rituales de cooperación en la transición hacia colapso, esta escucha posibilita repensar la habilidad de acción y la capacidad de respuesta ante un planeta herido. El respeto y reconocimiento de la interdependencia de seres en el ejercicio natural de reequilibrio y regeneración, supondría un primer paso hacia una sociedad más respetuosa y por lo tanto, más equitativa.

EL COLAPSO DE LA TIERRA
Performance. Vídeo. Hay un paralelismo en el ejercicio de control, dominio y subordinación de la naturaleza, la mujer y todo lo considerado como femenino. El no reconocimiento de la carga de la no productividad, de ser medio, no producto supone un desgaste y su disolución nos lleva al colapso. La actual crisis de cuidados, es una crisis sistémica producto de una sociedad individualista se ve forzada a replantearse una nueva economía política del afecto.