14 de julio al 12 de septiembre.

Mi obra plantea más preguntas que respuestas. Me interesan más las dudas que las certezas. Entiendo la pintura como un instrumento de interrogación permanente acerca de nuestra identidad y acerca de mi lugar como artista. Trabajo sobre la tesis Yo es OTRO (y muchos). Mi pintura reflexiona, de manera más o menos consciente, sobre los aspectos múltiples de la personalidad, sobre la danza de rostros que nos definen -aleatoriamente- entre el espacio público y el espacio privado. La vida, en sentido general, es la materia susceptible sobre la que trabajo. De manera casi obsesiva me cuestiono muchos estos temas. Los ámbitos del saber ontológico, filosófico, alquímico y artístico me han resultado -desde adolescente- los espacios de conocimiento que logran satisfacer parte de mis dudas. El ser humano, el animal, lo espectral, la otra piel, la otra cara, el otro que habita en mi (y todo ello en una continua transmutación), se convierte en el núcleo duro de mi pintura.

Bio_

Yuniel Delgado Castillo (La Habana, 1984)

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Artista visual cubano que actualmente reside en Madrid y es considerado como el enfant terrible de la nueva pintura cubana. Graduado con honores por la Academia de Bellas Artes de San Alejandro (2011), en la especialidad de pintura, logró asentar un crédito de prestigio en el panorama de arte cubano, dentro y fuera de la isla. Sus principales virtudes son la honestidad y la pasión con la que se enfrenta a la pintura y al acto mismo de pintar. Quienes le conocen puedan dar de una subjetividad volcánica e increíblemente prolija que no cesa de trabajar y producir grandes obras en todo momento.

Su carácter inquieto y su predisposición afectiva hacia el medio, le han convertido en un artista tremendamente versátil y muscular. De ahí sus constantes exploraciones en el ámbito de diferentes técnicas, soportes y lenguajes como el grabado, la escultura, la instalación y el dibujo, siendo la gramática de la pintura donde hace alarde de todo su poderío. Desde los inicios de su carrera y hasta la actualidad ha hecho evidente su vocación por los grandes formatos, lo cual ha tenido su impacto en la prefiguración de importantes proyectos murales, instalativos, incluyendo la escultura ambiental y hasta algún que otro gesto de carácter performático que certifican su compromiso y los niveles de complicidad con el hecho estético en sí, más allá, incluso, de cualquier aprobación social.

Manifiesta, desde siempre, una libertad extrema durante (y frente) el proceso creativo que le lleva a una gran emancipación y le coloca en una zona de confort ético y emocional para consigo mismo. La espontaneidad es, sin duda alguna, es una de sus fortalezas al tiempo mismo que se convierte en clave axiomática para comprender su metodología y forma de trabajo. La mayor parte del tiempo -o casi siempre- prescinde de bocetos o de ideas previas para puedan entorpecer esa relación de limpieza (no contaminada) que se traba entre el acto de hacer y el lienzo en blanco. Como al resto de los artistas le guía la obsesión por la búsqueda de un estilo propio, ensanchando los límites clasificatorios y reduccionistas del arte en general, para dispensar una producción genuina, sensible y verídica. Algo que sin la menor duda ha conseguido con gran esfuerzo y una tenacidad poco menos que envidiable.

Apenas siendo un estudiante de la afamada Academia, realizó su primera exposición personal en el Centro Pro-Danza en 2006, llamando la atención de la crítica por la apariencia irreverente de su obra. En el año 2013 viajó a los Estados Unidos como parte de una exposición colectiva realizada en la Aicon Gallery de Nueva York. Coincidiendo con esta muestra llevó a cabo otras presentaciones hasta que se traslada a Boston para abrir estudio como artista. Muy a pesar del éxito y los proyectos, la inclemencia del clima le obligó a asentarse en el sur de la Florida, donde inauguró su propio taller-galería en diciembre de 2014. Tuvo la gran suerte, por esas fechas, de haber sido nominado para el programa de becas y comisiones de la fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) en Miami. Asimismo, ha sido galardonado con programas de residencias y exposiciones colectivas en Napoly, Italia, en 2016, en el Museo Pam, y en Chopehenaghen, Dinamarca, en 2019. Además, ha impartido conferencias sobre su arte en la Galería de Arte Roberson de la Universidad Estatal de Pennsylvania. Participó en varias ocasiones en subastas y ferias de arte como las de Florencia y Dinamarca. Su obra se haya en colecciones públicas y privadas, especialmente en Alemania, Estados Unidos, Canadá, Italia, España, Rusia, Portugal, Luxemburgo, Costa Rica, en otros países de Europa, Asia y Latinoamérica.

5 de mayo – 11 de julio. 


Miedos, relinchos, mascarillas y pan negro, surge de la necesidad de comprender el momento que nos ha tocado vivir con la pandemia del Covid-19  y canalizar miedos propios y comunes, relacionándolo con momentos duros de la historia reciente como la guerra civil del 36.

La representación de estos miedos (guerra civil 36 y postguerra, Covid-19…) y el uso de símbolos propios y de la historia del arte, ayudan al artista a comprender estos y universalizarlos, utilizando de esta manera el arte como herramienta terapéutica.

El proyecto está compuesto por diferentes piezas que conforman una única instalación. El uso de pintura, piezas escultóricas, así como de diferentes video-performances presentadas en formato instalación, crean un diálogo entre los diferentes fragmentos que contribuye a una lectura global de la obra, casi en formato escenográfico, en el cual el espectador se sumerge. Endika considera que en su trabajo existe esa necesidad de crear un ambiente en el que el espectador se sienta dentro de la propia obra. Esto lo provoca no dando relevancia a la pieza individual, si no creando una atmósfera, en la cual, incluso el sonido es coprotagonista.

Igual que las grandes pandemias del pasado, el coronavirus ha dejado en pocas semanas su huella en diferentes partes del mundo. Países aislados, fronteras cerradas y una economía al ralentí. La gripe española de 1918 o la peste negra que asoló Europa en el siglo XIV, también dejaron huella. Sin embargo, la Europa de final de la Edad Media o de la primera guerra mundial, tiene poco que ver con la sociedad globalizada de hoy.

Según palabras de Laurent-Henri Vignaud, historiador de ciencias de la universidad de Borgoña. Una pandemia como esta pone a prueba una sociedad y una época, poniendo en peligro los lazos sociales y desatando una forma larvada de guerra civil en la que cada uno desconfía del otro.

En esta epidemia como en cualquier guerra, también existen vencidos, que en este caso vienen en forma de chivos expiatorios. Al comienzo de esta pandemia, hemos experimentado casos de xenofobia contra los chinos. Durante la gran epidemia de peste que devastó la Europa medieval, las poblaciones judías fueron blanco de ataques. A veces masacres como en Estrasburgo en 1349, donde casi mil judíos fueron quemados.

Finalizada la guerra civil española, no solo hubo vencedores y vencidos. También hubo hambre, escasez y miedo. Muchos ciudadanos se vieron obligados a cambiar monedas o joyas de oro por un chusco de pan negro. Otros acudían a los cuarteles a pedir las sobras y muchas mujeres tuvieron que prostituirse por un poco de comida.

Esta postguerra que vivieron los abuelos de su generación, es el punto de partida de este proyecto. La forma de enfrentarse a sus miedos de estos hombres y mujeres en el mundo y época que les  tocó vivir, le resultaba heroico e “incomprensible” hasta hace unos meses. Ahora, que nos encontramos en una situación de “guerra global” debido a la pandemia, esas historias de la infancia de Endika se hacen más cercanas y le recuerdan que hay una luz al  final del túnel.

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BIO_

Endika Basaguren es Licenciado en Bellas Artes por la U.P.V/E.H.U, con Suficiencia Investigadora y Programa de Doctorado por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido becado por la fundación Bilbao arte y la diputación foral de Bizkaia.

Ha realizado exposiciones de manera individual en: el horno de la ciudadela (Pamplona) Tate Modern Gallery (Londres), Galería Fomentarte /Zapadores ciudad del arte (Madrid), Living Gallery Outpost (Nueva York) Sala Rekalde (Bilbao). Torre Ariz (Basauri) El Quirófano (Lanzarote), Art Room espacio experimental (Madrid), Galería arte extremo Ana Lama. (Lisboa,Portugal). Museo arte e historia (Durango), Galería Os Catro Gatos, (Santiago de Compostela), Torrene Aretoa. (Getxo), Geroarte Efimerart Gallery (Bilbao), Palacio La Lila, (Oviedo, Asturias) ó Galería La Doce, (Boiro, A Coruña).

De forma colectiva ha participado en festivales como Cohete Toledo (Toledo) Contemporary Venice(Venecia), Itinerant (Nueva York), Fang (Madrid), Latitudes (Santa cruz de la sierra, Bolivia.), Franqueados (Madrid), Hybrid Fair (Madrid), Kaleartean (Basauri), Culturgal – (Pontevedra Galicia) Galerías 4, Cárcel de Segovia centro de creación (Segovia). También ha realizado exposiciones de carácter colectivo en lugares como, Oratorio di Spinea (Venecia, Italia), Galería A del arte (Zaragoza). Foro Arte Cáceres (Extremadura) Oxford House (Londres, U.K.), Ondare Aretoa (Bilbao) Museo de las Américas (Miami, EEUU.) ó Maneras de hacer”: Fotografía emergente de la colección del CA2M, así como en diferentes salas y eventos en toda la península y países como, Francia, Grecia, Italia, Holanda, Alemania, Holanda, México, Argentina, Brasil, Canadá o Emiratos árabes.

Su obra está presente en colecciones como CA2M(Madrid), Museum of Americas (Miami), Palacio de La Lila (Oviedo) y Zapadores Ciudad del Arte (Madrid).

LA SOMBRA (de la violencia)

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Estos videos hablan de violencia. Las artistas –todas viviendo en China-, son valientes al salir de una tradición de silencio para denunciar la violencia ancestral en contra de las mujeres. Cada uno de estos videos señala el dolor. Desde la representación inocente a la metáfora poética, de lo surreal de la experiencia a la demostración pública.

El centro de esta serie lo conforman 4 videos de Yuan Shuling, quien ha enfocado su obra en este tema durante toda su carrera, con una narrativa que deja entrever no sólo desencanto sino una amarga ironía.

Zhang Ting y Yan Yinghong por otro lado, utilizan el performance para, desde ahí, hablar sobre distintos tipos de violencia. El lenguaje soez es representado en todo su absurdo ante la cámara, y el acoso callejero y la violación lo es ante un público.

LA SOMBRA (de la violencia) muestra un poco lo que las mujeres artistas en China ponen sobre la mesa de quienes quieran no sólo mirar, sino actuar en consecuencia. La violencia contra las mujeres es ancestral y sucede aquí y en China. Ya basta. E.R.

A través de la violencia puedo decir que estoy expresando lo que hay en mí, es una manera de conjurar ese dolor y buscar sanarme. Estoy enfocada en mí misma, en los límites de la violencia, descubrir dónde está ese borde. Y claro que esto es desde mi experiencia, pero también sé que muchas mujeres pasan por situaciones similares. En especial las mujeres chinas o asiáticas, que a veces no sufren violencia extrema sino lo que se llama violencia fría, como puede ser la manera en que se les habla o la imposición de mandatos tradicionales caducos, que no necesariamente se ejercen a través de los hombres, sino que se mantienen con la fuerza de la sociedad entera”. Yuan Shuling en conversación para Fuera del Jardín, Artistas chinas contemporáneas.

Comisariado por Elizabeth Ross

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Este ciclo FUNDIDO A NEGRO tiene como finalidad dar visibilidad al fondo de artistas que han depositado sus obras en el Centro de Investigación y Documentación del Videoarte (CIDV). El programa comisariado se proyectará mensualmente en la Sala La Fragua del Museo La Neomudéjar y contará con dos encuentros teóricos, uno físico en el Museo y otro Online, vía zoom. En él, participaran especialistas de diversas disciplinas alrededor del eje curatorial del ciclo.

 

 

Prorrogada hasta el 11 de julio.


La exposición TRAJE HUMANO se inaugurará en el Museo La Neomudéjar de Madrid el 31 de marzo del 2021. Esta es la segunda vez que dicha colección se exhibe fuera de Costa Rica, después de haberse mostrado al público chino en el Museo de Arte Mundial de Beijing.  

La obra de la artista Costarricense de origen Chino Man Yu, llega a España. Trae consigo un mensaje claro de carácter humanista e incluso podríamos decir metafísico. La obra pictórica de Man Yu, su trabajo al óleo y la técnica por momentos hiperrealista nos deja entrever una condición académica pura, la misma que reclama para los retratos que nos presenta.  

La técnica del retrato está contemplada desde una perspectiva clásica, los desnudos, los escorzos, los límites del movimiento nos sugieren una reconexión con la belleza colonial. 

No está en su técnica, la repulsa a lo impuesto, sino en la manera en la que somos expuestos como humanidad. Algunas obras son de carácter preciosista en cuanto a la técnica de óleo, aunque otras difieren con el trazo roto, aportando un contraste de lenguajes que abordan emociones diferenciales entre unas y otras temáticas.  

Traje Humano aborda desde una perspectiva de conceptualización existencial, problemáticas sociales discriminatorias, entre la xenofobia, el racismo, el sexismo, la homofobia, la discriminación por discapacidades, por imagen, entre otros tipos de estereotipos generados por las condiciones y el aspecto de los diferentes cuerpos.   

Frente al trabajo pictórico Traje Humano ha arrastrado una secuela de conflictos estéticos y de diversidad cultural como la moda, la performance, y otras acciones colectivas muy aferradas a las nuevas tendencias de los social que, a mi manera de ver, le roban protagonismo a la poesía purista de la pintura expuesta. No obstante, la hibridación con diversos lenguajes y colectivos, ha dimensionado la experiencia íntima para hacerla universal. El atisbo iniciático se deja entrever en algunas imágenes que refrendan las leyes del Kybalion sobre el “como es adentro es afuera” o como es arriba es abajo. La exposición Traje Humano, nos coloca en la posibilidad de reflexionar sobre el “dispositivo piel” que nos envuelve, pero que no nos conforma como especie, ni como raza.  

La pintura de Man Yu habla de ese viaje a Itaca, la niñez y la inocencia que a lo largo de la vida dejamos atrás y que con las experiencias vividas perdemos sin darnos cuenta. el Retorno a la Itaca de Man Yu, pasa por revisitar aquellos lenguajes que creaba en su psique aun limpia, no corrompida. Este trabajo sin pretenderlo evoca a “El Lobo estepario” de Hermann Hesse que reclama la pureza de los hombres ante la corrupción de la sociedad que los pervierte. Para la niña Man Yu, la realidad era clara, cada noche su piel era otra vestimenta añadida a la de los tejidos, podía desprenderse de ella, para sumergirse en él astral. Alguna reminiscencia de una espiritualidad pura, aflora en la mujer que ahora es Man Yu. La llave que le permite ejercer una acción cuántica y doblar el espacio tiempo, es un dibujo que pinto a sus 9 años, hallado en la visita a su casa materna. La obra que nombra esta exposición arranca en un viaje vibracional relacionado con la teoría de cuerdas, un universo que se pliega y nos retrotrae a la infancia. La pintura de Man Yu es meticulosa, bien precisa en su técnica y con ciertos trazos de contemporaneidad que les otorgan a sus dibujos esa manera de hacer y dejar sin hacer, que tan magistralmente alude a las tendencias actuales de los últimos 20 años del dibujo. Man Yu se sumerge a partir de esta idea primaria, en cada una de las capas o vestimentas que la sociedad ha ido imponiéndonos. Un anhelo por rescatar la esencia misma de las personas más allá de su contexto de raza, género o posición social.  

Manuel Díaz (Ciudad de México, 1983) presenta una selección de 6 vídeos con temática espacial realizados entre 2012 y 2020. A través de estas piezas, aborda desde una perspectiva crítica y poética la relación del ser humano con el Universo; lienzo negro en el que Manuel recoge preguntas y traza reflexiones sobre la existencia. 

Tiempo total de proyección del ciclo: 22:42m 

“Como es abajo, es arriba. El Universo se expande al pulsar de cada célula… si aprendes a escuchar y prestas atención. En Conciencia. Ser el piloto y ser la nave. Cerrar los ojos y despegar. Surcar el Cosmos inabarcable en largas inhalaciones, expandirse en exhalaciones profundas; contemplar. La observación de las formas armónicas del Universo como meditación. La interrelación de las causalidades como método de interpretación. El autoestudio como vía de creación y camino espiritual. 

Nacer y morir en cada respiración. Estrellas, planetas y galaxias que surgen y cesan para dar lugar a otras estrellas, planetas y galaxias que vuelven a surgir y a cesar. Pulsares. Big-Bangs. Polvo estelar. Cada vida terrícola es un soplo –indispensable– en la Gran Respiración Cósmica. Entre nuestro finito y el Infinito, abrazar el instante. Y ahí; aquí, ahora, sólo ser, sólo estar. 

Estas son algunas de las visiones que evocan las bitácoras de viaje espacial de Manuel Díaz. En plena neo fiebre espacial neo colonialista, los videos que aquí nos presenta, nos lanzan en busca de nuestra verdad Cósmica; más allá del azul profundo, mirar hacia dentro para reconectar con esas viejas interrogantes primigenias y trascendentes desde una conciencia crítica del presente: ¿Qué hacemos aquí? ¿Cuál es nuestra misión en este planeta? ¿Qué hay más allá de lo que pueden ver nuestros ojos terrícolas? 

Las respuestas a dichas interrogantes las tiene cada quien escritas en su ser esencial. Sólo basta levantar la mirada al cielo; imaginar. Llevarla hacia dentro; meditar. Abordar la nave que despegue hacia el Infinito y confiar en la visión. Como es arriba, es abajo. Valgan estos videos de Manuel Díaz como un llamado a la aventura para encender los motores y abrocharse los cinturones, que la Nave Va. Buen Viaje. ” Beantpal Singh Khalsa

DEL 03 DE FEBRERO AL 28 DE MARZO.

Gabriel Grun nos presenta un trabajo que recoge el testigo de los grandes del Renacimiento, el Barroco, la escuela Flamenca, sus pinturas podríamos relacionarlas con Ribera, Durero, Van Eyck o Da Vinci, su asombroso trabajo se reclama como heredero de un arte clásico, aunque no por ello deja de aportar un lenguaje personal y un universo diferencial que por momentos evoca tintes surrealistas. 

Retratos y autorretratos, posicionan a Gabriel ante la paradoja de un espejo, sus pinturas le sitúan tanto a él como a su compañera de vida, en la base de la transgresión que su gesto creativo desprende. La evocación a los temas clásicos, el ocultismo, el imaginario mitológico acompañan a una manera de hablar con el óleo que reporta el gusto exquisito por los colores, y su elaboración artesanal. Porque para enfrentarnos a la obra de Gabriel Grun tenemos que relacionarnos con una serie de términos fundamentales, que atañen tanto a los materiales utilizados (aceites, pigmentos, minerales) como a la composición, el color, la anatomía, el paisaje, la geometría etc. Porque la obra de Gabriel es un continuum del Arte de los clásicos que ha sobrevivido hasta el día de hoy, pese según Grun al impresionismo y otras derivas artísticas del siglo XX que han relegado a la tradición pictórica de los grandes a un mal entendido como Arte antiguo.   

Si atendemos a la reflexión planteada por el propio Gabriel Grun, es cierto que el arte que ha perdurado durante siglos, y que llena gran parte de los Museos, ya no tiene nada que demostrar, es un lenguaje que trasciende y prevalece. Los otros lenguajes, necesitaran otro recorrido al menos similar, para equipararse y demostrar su valía ante el implacable dios Cronos.  

La pintura de Gabriel Grun gana en la cercanía, su oficio deja al desnudo la magnitud de una obra trabajada, reposada en el tiempo y elaborada con precisión quirúrgica. Sin entrar en el detalle de la temática, la obra en sí respira una contención brillante que irradia más allá de lo que él lienzo deja entrever. El retrato como lenguaje universal, trasciende la alegoría de muchos de sus cuadros. El detalle preciso, invisible, obliga a un tiempo de observación. Cada obra es un mensaje cifrado, una acertada adivinanza que exige observación, paciencia y conocimiento. Extraños términos para hablar de arte hoy en día. Aun así, la determinación del artista es clara, hacer oficio.  

Su trabajo revisita muchos de los temas clásicos, pero también ocultistas, Grun ahonda en la simbología, en el acertijo que puede operar detrás del mito, y lo impregna de un lenguaje diferencial que, con apenas un pestañeo, podríamos identificar sin dudarlo su autoría.  

Esta pequeña muestra recoge un arco temporal de varios de sus trabajos, inquietudes y sensibilidades. La experiencia de la observación, sorprenderá con hallazgos a aquellos que sepan mirar y entender.  

Francisco Brives. 

PRORROGADA HASTA EL 2 DE MAYO.

Esta exposición recorre un espectro amplio de la obra producida en los últimos 26 años. La experiencia para el visitante, exige una complicidad y un recorrido histórico/social que probablemente es un territorio común, solo se necesita una pausa breve, respirar y tomar conciencia para adentrarnos en los márgenes.

Este conjunto de obras plantean un recorrido emocional con las memorias de contextos y hechos sucedidos ante nuestros ojos, las pantallas de televisión o las páginas de los periódicos. Derivas de carácter humanista que Oscar Vautherin recicla, esculpe, suelda o compone para interpelarnos a la necesaria reflexión sobre lo que acontece, sea en las costas de nuestras playas, sea en la locura de la guerra, sea en la hambrunas y la emigración, la pandemia covid o la sobreexplotación de recursos en el tercer mundo. La trayectoria del artista ha estado muy vinculada al compromiso social, la concienciación, la revisión del aquí, el ahora y la carencia de oportunidades para los más vulnerables.

En una sociedad cada vez más deshumanizada y presa de la crueldad acentuada del capitalismo, Vautherin nos coloca ante un espejo de realidad y conciencia.

Sábado 19 de Diciembre 19:00H.
 
 
“EL RESTO ES TODO (LO NORMAL)”// Aula Nostra
Muestra Butoh en las salas principales del Museo.
 
En el espejo del baño la realidad es una aberración nacida en las pesadillas acumuladas de todas mis madres. El mundo se desdibuja entre los vidrios del autobús mientras miles de cerebros se pasean en sus máquinas mortales. Puedo sentir el desayuno deslizándose por los toboganes de mi miseria. Disentería. Boquerones. Aquí otra vez donde nunca hubiese estado de no haberme enamorado. Y vuelvo al sótano, la locura se ha hecho dueña de la superficie. Me ahogo en tus ojos mientras mueres de alegría (de ahogarme en tus ojos, morirías de alegría). El resto es todo lo que importa.
 
 
ARTISTAS:

 

-P- 

Nombre: María Gónzalez 

Título: ¡Nos vemos en las alcantarillas! 

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Busca un lugar olvidado por todos, húmedo y oscuro, pero con pequeñas entradas de luz y aire. Un lugar donde vive y crece lo que apartas. Las alcantarillas de la memoria. ¿Sabes esa sensación que te empuja a mirar al vacío, a las vías del tren con curiosidad, atracción y terror? Esa sensación me empuja y salto. Quiero caer y vivir en esa caída sin tiempo, sin principio ni fin (Una vida dentro de esta sucesión de vidas.). Y caer, y romperme en mil pedazos brillantes como el oro que se incrusta en las rocas del tiempo y lo convierte en suelo fértil. La alegría de romperse en mil pedazos y amar con fuerza.  Ratas, fango, hedor, y entre tanto horror, brillantes porciones de un cuerpo explotado que sigue siendo uno, que sonríe y ama, que recuerda y sigue caminando. 

 

-M- 

Nombre: María Nolé  

Título: La engatusadora 

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‘Aquí vivimos con una mano en la garganta. Que nada es posible ya lo sabían los que inventaban lluvias y tejían palabras con el tormento de la ausencia. Por eso en sus plegarias había un sonido de manos enamoradas de la niebla.’ Alejandra Pizarnik. 

 

-T- 

Nombre: Tania Hermida 

Título: Ámbar 

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Soler dejarse caer 

sin el posterior sustento. 

Que la gravedad dirija la escena. 

Que no se decida. 

Quizás, ciclo de chicle, 

tus hojas tengan hoy mudanza. 

 

-G- 

Nombre: Grau Torres 

Título: Antes y el primer día 

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Tuve una buena vida, no me puedo quejar. Una vida con éxito, familia, dinero y felicidad. Pude ir un poco más lejos que mis padres. Salir del pueblo, estudiar y trabajar de lo que me gustaba hasta cansarme.  

Esta vida ahora se acaba. 

Me gustaría poder decirle “¡Te amo con todo mi corazón!” a mi padre y a mi hijo; 

y siempre me quedará la pregunta de si es el alma que entra en el cuerpo o es el cuerpo que se crea alrededor del alma. 

 

-V- 

Nombre: Virginia Torres 

Título: Amatista 

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Cárcel, jaula corpórea. Piel y más piel. Capas y más capas. Necesito salir de aquí.  

Alguien ahí dentro grita. Es una niña de mejillas sonrosadas. Este juego no tiene gracia. Necesito salir de aquí.  

Amatista, morada y fría. Ella es la guía. Nos arrastra por un camino tortuoso. ¡Está muy oscuro, es muy estrecho! ¡Este juego no tiene gracia, necesito salir de aquí! La piel se arruga, la niña sigue ahí. Abre sus ojos por vez primera al mundo de ahí fuera. La luz la ciega. Es demasiado bello y aterrador al mismo tiempo. 

 

-A- 

Nombre: Alejandro Martín 

Título: Un vals sobre las nieves

_     

¿Sabes cuándo sabes algo que no quieres saber? 

       En forma de ostias, abrazos o mesas de cristal 

       No tirar al mar los restos 

            Ese era el secreto 

            que nunca nos contaron. 

        Los restos, eso que nos quedaba cuando 

        acabamos con todo 

              Y ni por esas 

              Amor. 

 

-X- 

Nombre: Alejandro Victoria 

Título: Bolus 

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Estragada en la génesis de su insaciable necesidad de cagar, de escupir, de tragar, de llenarse de otros cuerpos; mareada al trazarse como un cero periódico que sospecha ser; despreciada y después escondida a la luz del fuego carnal; corrupta públicamente desde sus cenizas, la perfecta máquina perfecta se aqueja.  

Porque un ser que vive en el quimo se siente a  mismo como náusea. una danza que habita la bilis se abre al espacio como arcada. un nacimiento que fluye desde las entrañas surge cautivado como vómito.  

En esta pieza, un extracto digestivo que no conoce ni su fin ni su principio explora una eterna y nauseabunda natalidad, perdiéndose en la diferencia de su repetición. un bolo alimenticio de aspiraciones expiradas recorre nuestro esófago. nos demoramos en un ritual de parto anal por la garganta. 

 

-S- 

Nombre: Sandra Martins 

Título: Sueños que no existen 

 

-N- 

Nombre: Nora Espinosa 

Título: Save my soul 

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“He aquí la sierva del Señor; 

Hágase en mí según tu palabra.”  

Abierta de tanta miseria. Deidad no manifiesta.  

Espacio en blanco, preñado y a la vez vacío. 

 

-B- 

Nombre: Alberto Ruíz Martín 

Título: Estoy en ello / Encarnación de una nube 

_

«-Tocas bien, pero te falta fe. 

– ¿Me falta fe? ¿A qué te refieres? 

-Si, es como si desviaras tu atención, como si abandonases en lo que estás… 

-(…) 

-(…) 

Ya, me suele pasar, pero no sólo con este ejercicio en concreto, pongo atención en algo hasta que sin darme cuenta me he perdido ”esta realidad” por unos ¿instantes? y claro tengo que volver…» 

 

-E- 

Nombre: Elisa González 

Título: Hilos de agua. ¿No pueden coser? 

 

 
Prórroga hasta el 24 de enero.

IVAN MARCHUK 1936

Pintor contemporáneo de origen ucraniano nacido en Moskalivka en 1936. Proviene de una familia de tejedores, se graduó en el Instituto de Arte Aplicado y Decorativo de Lviv en 1965 y luego se mudó a Kiev. Hasta 1988 se le negó ser miembro de la Unión de Artistas de Ucrania porque sus temas y su estilo no se ajustaban al realismo socialista de la época. En Kiev, creó las composiciones en relieve de baldosas de cerámica de gran tamaño (1969-72) en el Instituto de Física Teórica de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Ucrania.

Marchuk pinta fantásticas composiciones figurativas y florales con elementos del surrealismo, retratos hiperrealistas (por ejemplo, R. Selsky, 1981), paisajes enigmáticos y composiciones expresionistas abstractas (por ejemplo, la serie “Preludios de colores”, 1978). Sus pinturas temperamentales de la serie “La voz de mi alma” representan situaciones aparentemente irracionales con personas esqueléticas, a menudo grotescas, cortadas en la cintura y rodeadas de objetos siniestros y criaturas en un vasto paisaje vacío (por ejemplo, Nido vacío, 1975, y Diálogo sin palabras, 1976).

La paleta de Marchuk bordea lo monocromático, y la irrealidad de las imágenes se ve reforzada. Sus paisajes realistas tienen una textura peculiar y densa que consiste en capas de pigmento que, combinadas con el uso dramático de la luz y la oscuridad, crean una atmósfera de inquietud y misterio (p. Ej., Willows in the Embrace of a Moonlit Night,1978, y Apple en la nieve, 1979). Después del accidente nuclear de Chernobyl en 1986, Marchuk creó composiciones de pesadilla que representan la destrucción total de nuestro planeta (por ejemplo, Warning 1986). Ha tenido numerosas exposiciones individuales, comenzando en Moscú en 1979 y Kiev en 1980. Sus 43 lienzos inspirados en la poesía de Taras Shevchenko fueron expuestos en el museo en la Reserva Nacional Shevchenko, en Kaniv. En 1989 dejó la URSS y vivió en Estados Unidos, Canadá y Australia. Tras de los ataques del 11 de septiembre de 2001 que vivió, Marchuk decide volver a Kiev. obteniendo un prestigioso premio T. Shevchenko en 1997. 

Marchuk fue clasificado en la lista de Gran Bretaña de “Top 100 genios vivos” por el Daily Telegraph. La Academia Internacional de Arte Moderno de Roma lo admitió en el Gremio de Oro (que incluía a 51 artistas de todo el mundo) y lo eligió Miembro Honorario del Consejo Científico de la Academia.

Marchuk inventó una forma única de pintar sus imágenes, que él llama “dabbing-on” (pliontanismo), creando así un efecto inusual de la luminiscencia de sus obras. Actualmente se planea construir un museo de Ivan Marchuk en Kiev.

Prórroga hasta el 31 de enero.

Antonella Trovarelli confronta sus demonios internos en busca de una lógica universal que la lleve a crear un lenguaje propio que asimile un conjunto de ideas, asociaciones y reflexiones en torno a que la violencia del paisaje es el sistema. 

Trovarelli parte del color como sistema de composición para luego incorporar el alumbramiento de formas antropomórficas que finalmente se hacen presentes de una manera contundente en la composición de la obra. 

Los seres antropomórficos que operan en sus creaciones, interpelan al conjunto de cualidades e impulsos humanos de un grupo reducido de personas que no se asimilan a la normatividad social imperante. Un universo lesbiano que sólo podemos adivinar a través de sus títulos. Antonella Trovarelli, ahonda sobre el universo Queer, lo confronta y lo somete a una crítica audaz y sarcástica, se compromete a romper con los estereotipos de las nuevas teorías y busca que hay más allá de un discurso imperante dentro de un universo bien reducido. El poliamor, lo queer, el feminismo, son algunas de las puntas de lanza que interpela con esta serie de “Médulas”. Por momentos son retratos, por momentos escenas costumbristas de un futuro inmediato, donde la realidad de estos entes, pareciera crear el estudio sociológico de una nueva especie.  

La necesaria descarnación de las “cuerpas”, según palabras de la artista, pasa por que los seres han de reconocerse como tales, utilizando la medula espinal como herramienta de alerta. Es el tuétano el encargado de conectar y transmitir los impulsos nerviosos que los revelan ante los ojos del espectador con su naturaleza intacta. Mostrándose limpios de los despojos que la sociedad impone con su sistema de cosificación, etiquetas, clases y comportamientos.  

Es por ello que la obra de Antonella no evoca una distopia, para la pintora, la obra esta creando un futuro que es yaun presente real en la sociedad que vivimos. 

Las Médulas (nombre con el que bautiza a esta nueva estirpe) son seres que a lo largo de su vida han ido despojándose de automatismos e ideas preconcebidas, necesitan desmembrarse, sangrar, quitarse la piel humana y mostrar sus esqueletos como la capa primaria que les alivia de las creaciones sociales que todos padecemos, la raza, el género, el patriarcado, o los sistemas que se imponen como el capitalismo, la tecnocracia o la esclavitud tecnológica. 

Aunque también y pese al nuevo orden formado, son herederos de los males que aquejan a la juventud, el hedonismo, el selfie, la necesidad de ser contemplados y admirados, forma parte de su naturaleza narcisista. Por ello las poses forzadas, los atrevimientos ante a cámara y el encaje del plano nos recuerdan lo complejo de atravesar el orden establecido para alumbrar una nueva realidad.  

La propuesta de Antonella Trovarelli forma parte de la apuesta del Museo hacia la investigación de nuevos públicos, obra creada en residencia durante un año en el propio Museo y que acompaña la necesaria visibilidad de las voces nuevas del arte.

_bio

Pintora emergente que vive y trabaja en Madrid. Comienza su carrera artística en el año 2007 como autodidacta, obteniendo un lugar en el “Taller de Esencialismo” en la ciudad Buenos Aires, donde se forma tanto práctica como teóricamente en el camino de las artes plásticas. Durante los años 2013 al 2017 se convierte en co-fundadora del colectivo artístico “Imaginaria”, en la ciudad de Mendoza, Argentina, que tiene como objetivo crear un espacio de confluencia itinerante para el arte independiente local. Paralelamente organiza, coordina y difunde un Centro de Arte Autogestionado para impulsar y desarrollar la cultura local e internacional. Ha realizado muestras colectivas e individuales en las ciudades de Buenos Aires, Mendoza, Valencia y Madrid. Ha participado en la 10ª Edición (2018) de la Revista Flamantes y diversas publicaciones más en España, Inglaterra, Argentina, Croacia, Italia e Israel.

Antonella Trovarelli

Del 11 de Septiembre al 1 de Noviembre

// EL VIAJE.

Esta exposición nace del deseo de realizar un acercamiento con carácter de retrospectiva a la obra de Jesús Coyto. Su trabajo está cargado de una poética con rasgos de contemporaneidad que hacen enorme la temática universal, aunque por momentos intimista, de las diversas etapas por las que ha ido transitando entre su dilatada carrera.

Aunque en su obra predomina la técnica encáustica (también hay fotomontajes, grabados…) destacan de manera prominente el trabajo de las veladuras. Un universo basado en las nieblas o los recovecos que exigen del espectador una mirada activa y sosegada para, a través de la contemplación, desentrañar el collage de historias que se ocultan bajo la niebla de su obra. Es sin duda una exposición que recorre una diversidad de temáticas y técnicas que reflejan la maestría de un obrero del arte, del que siempre hay algo que aprender.

Francisco Brives

http://zapadores.org/profile/jesus-coyto/

 

[BIO]

Estudió Bellas Artes en la escuela superior de san Fernando Madrid.

Durante la carrera recibe el premio Goya Villa de Madrid 1982.

Vivió en Nueva York un tiempo donde se impregnó de las nuevas tendencias de los años 80 y de vuelta se refugia en Ibiza donde trabaja 3 años allí.

Se identifica con la pintura mediterránea y estudió cerámica donde realizó una abundante producción y consolida lo que en adelante seria su estilo informalista.

De vuelta a Madrid, 1986, realiza una importante exposición en el Matadero donde lo contrata el Ayuntamiento y crea la empresa “Boira” de Servicios Culturales donde el mismo imparte clases de pintura. 

Encuadrado en la denominada “Movida Madrileña” Realiza múltiples exposiciones en diferentes Galerías y entidades Públicas.

En su estudio de Peñuelas en el madrileño barrio del Portillo de Embajadores pinta durante varios años desarrollando su estilo e investigando continuamente nuevas técnicas encáustica, mixtas, grabado, serigrafía etc.

En 1990 funda la Galería “Mantis” y participa en numerosas ferias y certámenes de artes nacionales e internacionales.

En el año 2000 buscando de nuevo el Mediterráneo se traslada a Valencia donde pinta durante 12 años e investiga nuevas técnicas, así nace lo que es su última producción donde incorpora fotografía y toda la amplia gama de conocimientos matéricos que ha adquirido a lo largo de su investigación plástica.

En 2015 se traslada a su tierra natal, el pueblo donde nació Castillejo de Martin Viejo (pequeño pueblo de la provincia de Salamanca próximo a Ciudad Rodrigo) donde construye su estudio.

Aquí influenciado por sus ancestros reconstruye su pasado y nace una inquietud hacia la naturaleza y el paisaje Charro con toda su crueldad y sus bondades. Emoción que repercute en su nueva obra en gestación.

Su obra se encuentra repartida por diferentes colecciones nacionales e internacionales. Así como en diferentes Museos: Museo Municipal Arte Contemporáneo Madrid, Museo de Colmenar Viejo Madrid, Museo municipal de Ciudad Real, Museo de Salamanca, Diputación de Salamanca, Museo Fundación Medinaceli Soria. etc 

www.jesuscoyto.com


Prorrogado hasta el 1 de noviembre | Del 5 de agosto al 11 de octubre de 2020.

El proyecto navega entre tiempos, espacios, memorias, conflictos, posos, denuncias, preguntas, debates… entre lo personal y lo público, entre lo enseñado y lo aprendido, entre lo establecido y lo cuestionado, entre la imagen y el sonido, entre lo textual y lo simbólico, entre lo real y lo virtual.

Las imágenes mismas son fenómenos a la vez fugaces y permanentes y el hecho de que todas esas imágenes persistan, vehiculan la memoria. Si desmitificamos el concepto de arte, podemos afirmar que su función es la de generar interrogantes.

Los proyectos aquí presentados pueden leerse de forma horizontal -línea temporal-, vertical -pliegue y orden implicado- y transversalmente -narrativa múltiple-.

 

BIO

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente es profesora de arte y nuevas tecnologías en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM (Cuenca).

Desde los años 90 investiga y desarrolla proyectos enfocados al área de la interacción creando e investigando en proyectos visuales y sonoros. Podría resumir su trabajo actual en base a 3 puntos.

El primero de ellos respecto al concepto del Flanêur en base a nuevos conceptos de espacio y tiempo (D. Bohm). Estos intereses van de la mano del grupo de investigación Fuzzy Gab .4 en donde investiga en un punto fundamental de su investigación: nuevas interfaces gestuales. Y en tercer lugar la ‘Educación Líquida’; es decir la lógica Borrosa (Zadeh) y la Modernidad líquida (Bauman) acerca del conocimiento y nuevos paradigmas educativos: proyecto FMoLE (Fuzzy Map of Liquid Education) en colaboración con varios países europeos.

En su faceta literaria, ha escrito varios libros (fase de edición) que versan entre el libro de artista y el ensayo. Entre la propuesta gráfica del Kintsugui (cuadernos en tinta china, troqueles y cosidos) y el micro-relato que dialoga con el poema.

Algunas de sus estancias más destacadas han sido en el ZKM de Karlsruhe (D), Empresa Riverbed para el proyecto Robert Wilson en la ciudad de Nueva York, así como en el i-DAT de Plymouth (UK).

Así mismo ha expuesto y dado conferencias y participado en conciertos en España, Alemania, México, Portugal, Polonia, Eslovenia y Rumanía.

www.sylviamolina.net

 

[English version]

PhD in Fine Arts at the UCM. Currently, I teach art and New Media in the Faculty of Fine Arts of UCLM. It is since the early 90s that I research and I develop projects focused on the interaction field, creating artistics and music/sound projects research. I could resume me actually of work around 3 point.

The first of one it will be the concept of the Flanêur around the new concept of time and Space (Bohm). These interests go together in the concept of the group research FUZZY GAB .4. And the 3rd one point is the ‘Liquid Education’; that’s mean, the Fuzzy Logic (Zadeh) and Liquid Modernity (Bauman) around the Knowledges in the new Education Pardigm:FMoLE (Fuzzy Map of Liquid Education). In his literary side, he has written several books (editing phase) that they are between the artist’s book and the essay.

Among the graphic proposal Kintsugi (notebooks in Chinese ink, dies and stitches) and the micro-narrative that dialogues with the poem.

Some of his most outstanding stays have been in ZKM of Karlsruhe (D), Riverbed Company for the Robert Wilson project in New York City, as well as in the Plymouth i-DAT (UK).

She has also exhibited and given lectures and participated in concerts in Spain, Germany, Mexico, Portugal, Poland, Slovenia and Romania.

 

EXPOSICIÓN ACTUAL

En el marco de la contingencia causada por la aparición del COVID19, la Red Mexicana de Performance perfoREDmx lanzó una propuesta artivistica bajo el lema #CONFINAMIENTO ciclo de videoperformance, un programa integrado por cuarenta artistas de países como México, España, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Colombia, Uruguay, Eslovaquia y Argentina, quienes realizaron solidariamente obras desde casa. 

 

Cada uno de ellos nos presenta la manera en que sus cuerpos resienten la cuarentena. Un ejercicio creativo para traducir los sentires y compartir el deseo de volver a la normalidad. Así se conformó la #Fase1, esta muestra, una curaduría sin curaduría, un ejercicio de libertad que tuvo como único fin escuchar al otro y hacer un juego de miradas, desde el confinamiento. 

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Durante 40 días, a partir del 25 de abril de 2020, la Red Mexicana de Performance perfoREDmx, a sus cinco años de formación, lanza una propuesta artística bajo el lema #CONFINAMIENTO ciclo de videoperformance, reapareciendo en la escena internacional con esta campaña de contenidos online apoyada por una red institucional que reconoce su labor e interés en el mundo de las New Media Arts, concretamente en el videoperformance, bajo la coordinación desde México de Pancho López y Celeste Flores, con el apoyo de Lucy Magaña, Isis Pérez y Laura Lubozac. Se suman a esta iniciativa el CIDV del Museo La Neomudéjar y otras instituciones internacionales como CCECR o Building Bridges AX.

Para este periodo de cuarentena, se ha diseñado un programa invitando a cuarenta artistas a realizar solidariamente obras desde casa (de 1 a 5 minutos) para el ciclo de videoperformance #Confinamiento, el cual se desarrollará durante cuarenta días y que tendrá un estreno diario desde el 25 de abril y hasta el 3 de junio a las 13:00 horas (hora de México) y se compartirán por los canales de Youtube y Vimeo, así como en los muros del Facebook de los miembros y socios de la red. Entre los 40 artistas destacan nombres históricos del performance mexicano como María Eugenia Chellet, así como otros muy reconocidos de la escena internacional englobando a países como México, España, El Salvador, Guatemala, Colombia, Uruguay, Argentina, etc.

Para ello, perfoREDmx ha creado importantes alianzas con Museos, galerías y espacios independientes, sumando socios que brindaran cobertura en sus redes sociales a lo largo de esta campaña, además de que, una vez finalizado el confinamiento, contará con nuevos foros de exhibición para mostrar y compartir la compilaciónn de videoperformance resultante. Las instituciones que se han adherido a esta iniciativa de la Red son:

La Red Mexicana de Performance perfoREDmx, es una organización autogestiva y sin fines de lucro, que busca construir puentes de intercambio entre artistas, contribuyendo a la investigación, la difusión y el diálogo sobre el arte del performance en México. La Red está conformada por festivales independientes de performance en la República Mexicana. Los festivales en red son:

 

EXTRA! / Ciudad de México

Es un espacio de activación que surge como resultado de Performagia (Museo Universitario del Chopo, 2003-2009) con el fin de generar constantemente contenidos conjugando híbridos, los cuales no pueden catalogarse dentro de otras disciplinas artísticas -como el teatro o la música- con la finalidad de crear nuevos públicos, y brindarles a los consumidores habituales del performance contenidos experimentales. Coordinación: Pancho López.

 

CORPÓREA / Zacatecas

Corpórea es un festival de performance que se realiza anualmente con el apoyo de la Universidad Autónoma de Zacatecas y del Instituto Zacatecano de Cultura. En este festival confluyen propuestas emergentes de artistas nacionales e internacionales, se llevan a cabo conferencias, presentaciones en vivo de performances y talleres que pretenden generar un diálogo con jóvenes artistas locales, para fomentar la producción y el disfrute del arte acción en Zacatecas. Coordinación: Isis Pérez.

 

HORAS PERDIDAS  / Monterrey

Surge desde el 2008 como un encuentro de performance teniendo como principal prioridad la utilización del espacio público para la presentación de ejecuciones de arte de performance. Convertida en Bienal Internacional desde el 2010, se sitúa en la búsqueda de un terreno de construcción y  transformación socio-cultural comprendiendo que el  arte del performance es un agente activo de cambio y beneficio social. Coordinación: Celeste Flores.

 

LABORATORIO DE PERFORMANCE Y GÉNERO – LPG / Querétaro

El Laboratorio de Performance y Género (LPG) es una iniciativa volcada a la enseñanza, la investigación académica, artística y teórica en el rubro del arte acción y el cuerpo, así como a los temas relacionados a los estudios de género como la sexualidad, las diversidades, la teoría queer, la violencia, el arte, las fronteras, los límites, la memoria, las minorías y la identidad, a través de Coloquios, talleres, seminarios, festivales y exposiciones. Coordinación: Lucy Magaña.

 

ENAPE / Pachuca

El Encuentro de Arte y Performance ENAPE es un encuentro anual que se realiza desde 2014, organizado por Revolver Azul. La duración de ENAPE es de 7 días de actividades, donde además de las muestras performáticas, se realizan talleres de especialización artística gratuitos para los participantes y el público asistente. ENAPE se convierte en una estadía artística para los participantes de una semana de creación que logra crear verdaderas redes de creadores que perduran fuera del encuentro. Coordinación: Laura Lubozac y Santísimo Ozzie.

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PROGRAMACIÓN:

25/04/2020 – Tzitzi Barrantes (Colombia)

26/04/2020 – Fina Ferrara (México)

27/04/2020 – Aura Torres (México)

28/04/2020 – Isabel León Guzmán y Llorch Talavera (España)

29/04/2020 – Belén Villegas (México)

30/04/2020 – Juan Pöhls (México)

01/05/2020 – Antonio Palacios (México)

02/05/2020 – Marco Ávila Rodríguez (México)

03/05/2020 – Laura Valadez Márquez (México)

04/05/2020 – Mayté Esparza (México)

05/05/2020 – Colectivo Meraki (Gael Estrada Ortiz y Esmeralda Espinosa López) (México)

06/05/2020 – Kiyo Gutiérrez (México)

07/05/2020 – Lysette Yoselevitz (México/Canadá)

08/05/2020 – Mario Barragán (México)

09/05/2020 – Trino Guerrero (México)

10/05/2020 – Arely Becerra (México)

11/05/2020 – G. Hurley Santos (Argentina) y Amaranta Mérida (México)

12/05/2020 – Irvin Gritatti (México)

13/05/2020 – Eliana Gómez (México)

14/05/2020 – Elidé Guzmán Gómez (México)

15/05/2020 – Ever Rodas (Guatemala)

16/05/2020 – Mar Coyol (México)

17/05/2020 – Alexia Miranda (El Salvador)

18/05/2020 – Alejandro Jahuey (México)

19/05/2020 – María Eugenia Chellet (México)

20/05/2020 – Jorge González Hincapié (Colombia)

21/05/2020 – Anabel Vanoni (Argentina/México)

22/05/2020 – Rodrigo Arenas-Carter (Chile)

23/05/2020 – Choya Jackson (Costa Rica)

24/05/2020 – Lechedevirgen Trimegisto (México)

25/05/2020 – Ivonne Navas Domínguez (Colombia/México)

26/05/2020 – Mario Ortiz Ossa (Colombia/Argentina)

27/05/2020 – Ángela López Ruiz (Uruguay)

28/05/2020 – Luiza Prado (Brasil)

29/05/2020 – Sarah Trouche (Francia)

30/05/2020 – Rokko Juhász (Eslovaquia)

31/05/2020 – Paola Paz Yee (México)

01/06/2020 – Karla Solano (Costa Rica)

02/06/2020 – Emilio Rojas (México)

03/06/2020 – Yolanda Benalba (España/México)

* Esta programación está sujeta a cambios o reajustes sin previo aviso.

Viernes 26 de Junio a las 20:00h en LA FRAGUA CINECLUB del Museo

Precio: 2€

Sinopsis:

Daniel sale del colegio radiante y feliz sabiendo que le aguarda una fiesta sorpresa en  casa. Al llegar, le están desahuciando, pero él cree que todo forma parte de su gran regalo de cumpleaños.

Duración aprox. del cortometraje 7/8 minutos

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Dirección Samuel del Amor

Producción José María Lara

Feliz Desahucio es un proyecto cinematográfico que pretende dar voz a los más de 90.000 niños, niñas y adolescentes desahuciadxs cada año que son obligados a salir de sus domicilios, muchas veces en situaciones lamentables.

Son cifras alarmantes que no quieren hacer públicas y esa es la situación en concreto que queremos denunciar.

CONVOCATORIA A RESIDENCIA

Esta iniciativa surge de una cooperación cultural gestada entre el Centro Cultural de España en Costa Rica – Casa Caníbal, la Red de Centros Arthouse Spain en España (compuesta por Museo C.A.V. La Neomudejar, Kárstica Espacio de Creación y Zapadores Ciudad del Arte) a los que se suman como contrapartes Réplika Teatro de España y la Compañía Nacional de Teatro de Costa Rica; que se unen bajo un acuerdo de cooperación internacional para el desarrollo de las residencias artísticas que apoyen al sector teatral, específicamente a los y las escritoras de nuevas dramaturgias.

En estos tiempos de confinamiento por el COVID-19, decidimos proponer una convocatoria pública para residencias artísticas en confinamiento que doten al tejido cultural de Costa Rica y de España de recursos para que la creatividad continúe generando modelos de desarrollo en estos momentos de incertidumbre.

La iniciativa forma parte del proyecto Residencias Artísticas que busca incentivar la creación, poniendo énfasis en la experimentación e investigación como mecanismos para dinamizar los procesos creativos.

La convocatoria reinventa el concepto de residencias artísticas y las adapta a las actuales circunstancias, asimismo mantiene viva la actividad del tejido creador de nuestros espacios / museos / centros culturales.

La creación y la producción de las y los artistas no se detiene porque los espacios culturales estén cerrados, y es nuestra obligación apoyar al sostenimiento del tejido cultural y de sus necesidades en estos tiempos de confinamiento.

1. OBJETIVOS

Los objetivos de estas residencias son los siguientes:

Fomentar la creación de textos teatrales innovadores de dramaturgos/as de Costa Rica y España o de otras nacionalidades que residan en alguno de esos dos países.

Motivar la creación para la escena contemporánea en la cual la experimentación y el carácter interdisciplinar son prioritarios y fundamentales.

Favorecer la visibilidad de las obras generadas en este año 2020 en lengua Castellana.

Dar una respuesta institucional conjunta a la necesidad de trabajar en cooperación a favor de la base del tejido vulnerable de los y las artistas, atendiendo a valores como respeto a las diferencias, igualdad, integración y no violencia, entre otros.

Apoyar económicamente al trabajo creativo de los y las artistas en los términos previstos en estas bases.

 

2. DOTACIÓN DE PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

Esta convocatoria apoyará la producción de dos (2) residencias con las siguientes características:

*El Museo La Neomudéjar programará la lectura dramatizada de las obras seleccionadas en Zapadores Ciudad del Arte, una vez se levante el confinamiento por COVID-19.


*El Centro Cultural de España y la Compañía Nacional de Teatro (CNT), incluirán la lectura dramatizada u otra actividad similar dentro del calendario de programaciones de la CNT, según sus posibilidades. No se realizará el montaje del texto seleccionado.

 

3. CARACTERÍSTICAS DE LA CONVOCATORIA

La convocatoria está planteada para el desarrollo de un concepto nuevo de residencias para la creación de nuevas dramaturgias escénicas.

Entendemos como Nuevas Dramaturgias aquellas que, aún dando plena importancia y teniendo como base la palabra, incorporan la experimentación, la innovación y el carácter interdisciplinar como eje troncal del lenguaje escénico de vanguardia.

La temática es abierta, aunque se valorarán positivamente y se tendrá especial sensibilidad ante aquellos proyectos que aporten una visión sobre:

Así como aquellos cuya procedencia esté ligada a

En ningún caso estas residencias están dirigidas a proyectos ya realizados. La obra resultante debe ser original y realizada durante el período del confinamiento, por lo que no se considerarán seleccionables aquellos proyectos iniciados con anterioridad a esta convocatoria.

Los proyectos deben poder realizarse en el propio espacio habitacional del/la artista en confinamiento.

El producto resultante de la residencia será un texto dramático de una duración mínima de 15 minutos. Como referencia se tomará la extensión de 15 páginas de tamaño carta (8.5×11 pulgadas) escritas a doble espacio, con cualquier tipo de letra a 12 puntos y con márgenes de 2.5 cm en cada lado.

Los derechos patrimoniales de la obra pertenecen a la persona que la escribió. Una vez finalizada esta convocatoria, la obra podrá ser registrada por el/la autor/a quien tramitará sus derechos bajo el amparo del derecho continental europeo y el costarricense, según corresponda, para su difusión, publicación y tramitación de derechos derivados, eximiendo a las instituciones promotoras de reclamación alguna posterior según opera en estas bases.

4. PARTICIPANTES

Podrán optar a la residencia las y los artistas mayores de edad que, con independencia de su nacionalidad, vivan en Costa Rica o España.

Esta ayuda es específica para artistas individuales, quedando excluidos los colectivos, asociaciones u otras organizaciones.

 

5. SELECCIÓN

La valoración de los proyectos presentados se basará principalmente en la calidad del escrito, su innovación y su originalidad. Además, la incorporación de otras disciplinas artísticas diferentes al teatro, en calidad de lenguajes que dialoguen directamente con la palabra y no solamente como aspectos estéticos o técnicos.

Serán desestimados aquellos proyectos que inciten al odio contra minorías de cualquier tipo, o sean discriminatorios o atenten contra los derechos humanos por causa de orientación sexual, etnia, diversidad funcional, credo, nacionalidad, etc.

El equipo evaluador se conformará por una persona profesional de las escénicas o del ámbito editorial especializada en nuevas dramaturgias que será propuesta por cada institución que participe y un representante de dichas instituciones. La decisión de dicho equipo es irrevocable.

6. SOLICITUDES Y DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

Los y las solicitantes deben presentar la solicitud de manera virtual a través del formulario web que se encuentra al pie de estas bases, antes de la finalización del periodo establecido, adjuntando al mismo lo siguiente:


7. PLAZO DE INSCRIPCIÓN

del 01 al 20 de junio 2020

8.  RESOLUCIÓN DE LA CONVOCATORIA

Una vez resuelta la convocatoria, se informará a las personas beneficiarias por medio del sitio web y/o redes sociales de las instituciones implicadas a más tardar el 13 de Julio 2020.

No se mantendrá correspondencia o comunicación adicional alguna con los y las solicitantes que no se hayan seleccionado.

 

9. EJECUCIÓN DE LA RESIDENCIA Y SEGUIMIENTO

La propuesta dramatúrgica deberá producirse en el plazo máximo de tres (3) meses desde que la persona beneficiaria suscriba el compromiso de aceptación con la institución correspondiente.

El/la artista deberá favorecer la comunicación y la retroalimentación del proceso creativo, así como la difusión de esta residencia en las redes de las instituciones implicadas. Para ello, deberá:

 

10. FORMALIZACIÓN DEL APOYO

Las personas beneficiarias deberán suscribir antes del 15 de Julio de 2020 el compromiso de aceptación que el CCECR, el Museo de La Neomudejar, les traslade.

La firma del compromiso de aceptación por parte de la persona beneficiaria y, en su caso, del documento regulador del apoyo por parte del centro de adscripción, será condición indispensable para recibir la ayuda de producción concedida.

La aceptación de la residencia implicará el desarrollo del proyecto presentado hasta su completa ejecución.

El proyecto deberá ser desarrollado en el plazo que figure especificado por el propio artista y, en cualquier caso, no podrá sobrepasar 3 meses desde que la persona beneficiaria suscriba el compromiso de aceptación.

11. EJECUCIÓN DEL APOYO

La persona beneficiaria recibirá el apoyo económico por adelantado para facilitar la producción del texto, previa aceptación y habiendo firmado acuerdo de compromiso y obligada ejecución para lo cual deberá presentar una factura electrónica al Centro Cultural de España en Costa Rica. La persona seleccionada en España seguirá los lineamientos establecidos por La Neomudéjar para hacer efectiva la entrega del dinero.

12. DIFUSIÓN DEL PROYECTO

El/La artista beneficiario de la residencia se compromete a no publicar la obra ni a darla a conocer públicamente por ningún medio (físico o digital, concurso, editorial, entre otros) antes de que lo hagan CCECR o el Museo La Neomudejar.

Asimismo, el/la artista cederá los derechos oportunos para que su obra forme parte de las lecturas dramatizadas que se incluyen en estos lineamientos, o se incluya en la difusión del presente programa de residencias.

Una vez que finalice este compromiso, el escritor o escritora podrá hacer uso de su obra con el objetivo de publicarla si alguna editorial lo considera de su interés. Así, el autor o autora eximirá de cualquier contraprestación a las instituciones promotoras de estas residencias en futuros acuerdos.

Así mismo, el autor o la autora no reclamará ni por cuenta propia ni a través de entidades de gestión rédito alguno por las acciones contenidas en esta residencia, entendiéndose que la base filosófica de la misma es de apoyo al creador y no la mercantilización de la obra generada.

Las instituciones participantes procurarán calendarizar las lecturas resultantes dentro de su programación una vez el contexto del COVID19 lo permita. En todo caso se ampliará el plazo durante todo el 2021 si la situación lo exigiera. Cada institución aportará un espacio dentro de su programación regular para desarrollar alguna actividad para la presentación de los resultados según sus posibilidades.

13. ACEPTACIÓN DE LAS BASES

El hecho de participar en la presente convocatoria supone la aceptación de sus lineamientos y de su resolución, que será inapelable, así como la renuncia a cualquier tipo de reclamación.

 

I CONVOCATORIA PARA RESIDENCIAS EN AUTOCONFINAMIENTO

English link here: www.buildingbridgesartexchange.org/self-isolation-residencies

(Bases actualizadas el 17 de Mayo de 2020 para ampliar un número mayor de artistas por seleccionar y organizaciones colaboradoras)

Esta iniciativa surge de una cooperación cultural gestada entre el Centro Cultural de España en Costa Rica – Casa Caníbal, la Red de Centros ArthouseSpain compuesta por Museo C.A.V. La Neomudejar, Kárstica Espacio de Creación y Zapadores Ciudad del Arte, en España; junto a los aliados Building Bridges Art Exchange en Los Ángeles (USA), Plataforma Caníbal en Barranquilla (Colombia) y Mujeres en las Artes Visuales (MAV), que se unen bajo un acuerdo de cooperación internacional para el intercambio de residencias artísticas que otorguen un monto económico de emergencia al sector de creadores.

En estos tiempos de confinamiento por el COVID-19, decidimos en conjunto proponer una convocatoria pública para financiar residencias artísticas en confinamiento y poder dotar al tejido cultural, cada uno de los países que participamos, de recursos económicos en este tiempo de incertidumbre para que la creatividad siguiera generando modelos de desarrollo.

El programa de Residencias Artísticas busca propiciar un encuentro entre agentes culturales de cada país participante con otros internacionales; poniendo énfasis en la experimentación e investigación como modos de promover y dinamizar los procesos creativos.

La convocatoria tiene como finalidad reinventar el concepto de residencias, para adaptarlas a las actuales circunstancias y no paralizar la actividad del tejido artístico ni la de nuestros espacios/ museos/ centros culturales. La producción de las y los artistas no se detiene porque los espacios culturales no estén abiertos y es nuestra obligación, apoyar al sostenimiento del tejido cultural y de sus necesidades en estos tiempos de confinamiento.

Creemos importante poner el foco de la problemática del COVID-19 en el colectivo de artistas, sin los que el Arte y la Cultura no existirían.

Para ello lanzamos una convocatoria de residencias artísticas de cooperación y emergencia por COVID-19. Que por un lado aporte una cuanta económica a lxs artistas y por otro ofrecer una exposición itinerante que una vez finalizada el estado de alarma, recorrerá cada uno de los espacios y países que han participado en este proyecto.

 

1. OBJETO

Los objetivos de las residencias son los siguientes:

Aportar una visión crítica desde la creación artística a la singularidad de este momento de confinamiento debido al COVID-19. Apoyar económicamente al trabajo creativo de los y las artistas en España, Costa Rica, Colombia y Los Ángeles así como específicamente al trabajo creativo de las creadoras españolas o residentes en Madrid en los términos previstos en estas bases. Intercambio artístico con exposición de su trabajo y muestras de resultados en España, Estados Unidos y Colombia una vez finalizado el confinamiento. Favorecer la inclusión de las obras de artistas en las colecciones de Museos en Europa, Estados Unidos y Colombia. Dar una respuesta conjunta de las instituciones a la necesidad de trabajar en cooperación a favor de la base del tejido vulnerable de los y las artistas, atendiendo a valores como igualdad, no violencia, pueblos originarios, ruralidades etc.

2. DOTACIÓN

Una única inscripción en este formulario convertirá en elegible el proyecto para todas aquellas residencias para las que cumpla los requisitos.

ESPAÑA
6 Residencias de las cuales 1 es brindada por el Museo La Neomudéjar, 2 brindadas por CCECR para todo el estado español y 3 específicas para mujeres residentes en Madrid brindadas por Mujeres en las Artes Visuales – M.A.V.

COLOMBIA
1 Residencia (brindada por Plataforma Caníbal)

LOS ANGELES
1 Residencia (brindada por Building Bridges Art Exchange)

COSTA RICA
6 Residencias (brindadas por el CCECR)

El importe bruto para cada una de las residencias será de $1000 (Mil dólares USA) para América y 1000 euros para España.

*A mayores, el Museo La Neomudéjar puede seleccionar de 1 a 3 obras para su fondo de colección permanente aportando un monto disponible de 1600 Euros por las obras seleccionadas que hayan sido producidas en esta residencia siempre y cuando haya acuerdo con el/la artista.

 

3. CARÁCTERISTICAS ESPECÍFICAS DE LA CONVOCATORIA

La convocatoria está planteada para el desarrollo de un concepto nuevo de residencias para la creación dentro de las disciplinas de las Artes Visuales.

En ningún caso estas residencias están dirigidas a proyectos ya realizados. La obra debe ser original y realizada durante el período del confinamiento, por lo que no se considerarán seleccionables aquellos proyectos iniciados con anterioridad a esta convocatoria.

Los proyectos deben poder realizarse en el propio espacio habitacional del artista confinado.

 

4. SOLICITANTES

Podrán optar a la residencia, las y los artistas mayores de edad que, con independencia de su nacionalidad, vivan en Costa Rica, Colombia, España o Los Ángeles (USA)

Esta ayuda es específica para artistas individuales, quedando excluidos los colectivos, asociaciones u otras organizaciones

 

5. CRITERIOS DE SELECCIÓN

La valoración de los proyectos presentados se basará principalmente en la calidad artística del mismo con temática abierta, aunque se valorarán positivamente aquellos proyectos que aporten una visión a la actual crisis del COVID-19, el cambio climático, la sostenibilidad, la diversidad, el género o los pueblos originarios. Se tendrá una especial sensibilidad a proyectos con temática y procedencia afro, fronteras, migración, pueblos originarios, ruralidades.

Serán desestimados aquellos proyectos que inciten al odio contra minorías, o sean discriminatorios o atenten contra los derechos humanos por causa de orientación sexual, minorías étnicas, diversidad funcional, etc.

 

6. SOLICITUDES Y DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

Los y las solicitantes deben presentar la solicitud de manera virtual, vía formulario web, antes de la finalización del periodo de solicitud; adjuntando al mismo los siguientes documentos:

Dossier explicativo del proyecto a realizar en un máximo de 6 páginas. Este dossier puede incluir bocetos, fotografías y enlaces web a material relacionado que pueda ayudar a la comprensión del mismo.

Memoria de trabajos anteriores a modo de biografía con imágenes de obras; pudiendo incluir fotografías y enlaces web a material audiovisual, web personal o web de exposiciones anteriores.

7. PLAZO DE INSCRIPCION

del 1 de Mayo al 1 de Junio 2020

 

8. JURADO

El Jurado seleccionador se conformará por un representante propuesto por cada institución que participe. La decisión del jurado es irrevocable.

 

9. RESOLUCION DE LA CONVOCATORIA

Resuelta la convocatoria, se harán públicas en el sitio web y/o redes de las instituciones implicadas a más tardar el 30 de Junio 2020

No se mantendrá correspondencia o comunicación adicional alguna con los solicitantes que no hayan resultado seleccionados.

 

10. EJECUCIÓN DE LA RESIDENCIA Y SEGUIMIENTO

La obra deberá producirse en el plazo máximo de dos meses desde que la persona beneficiaria suscriba el compromiso de aceptación, entre julio, agosto y setiembre 2020.

El/La artista deberá favorecer la comunicación y la retroalimentación del proceso creativo, así como la difusión de esta residencia en las redes de ambas instituciones implicadas.

Para ello, deberá:

Documentar el proceso creativo en tiempo real con fotografías y/o video.
Enviar el material de documentación al CCECR, La Neomudéjar, Building Bridges Art Exchange, Plataforma Caníbal y las Mujeres en las Artes Visuales M.A.V. semanalmente, cada lunes, mientras dure la residencia.

El/La artista deberá informar, con carácter previo, de cualquier modificación que prevea realizar durante el proceso de producción de la obra y que pueda suponer una alteración significativa del proyecto original presentado. Deberá justificar las razones de tal modificación, que podrá ser aprobada o denegada a la vista de la valoración de la información aportada.

 

11. FORMALIZACIÓN

Las personas beneficiarias de los apoyos económicos de residencia de producción autoconfinada deberán suscribir antes del 10 de Julio de 2020 el compromiso de aceptación que el CCECR, el Museo de La Neomudejar, Building Bridges Art Exchange, Plataforma Caníbal y las Mujeres en las Artes Visuales M.A.V. les traslade.

La firma del compromiso de aceptación por parte del beneficiario y, en su caso, del documento regulador de la concesión y del pago de la residencia por parte del centro de adscripción, será condición indispensable para la percepción de la ayuda concedida.

La aceptación de la ayuda implicará el desarrollo del proyecto presentado hasta su completa ejecución.

El proyecto deberá ser desarrollado en el plazo que figure especificado por el propio artista y, en cualquier caso, no podrá sobrepasar 3 meses desde que el beneficiario suscriba el compromiso de aceptación.

 

12. PAGO

La ayuda será abonada por adelantado para facilitar la producción de la obra, previa aceptación del artista y habiendo firmado acuerdo de compromiso y obligada ejecución.

El Museo La Neomudejar podrá aportar un monto a modo de adquisición si la obra realizada cumple con sus criterios museográficos.

13. DIFUSIÓN DEL PROYECTO

El/La artista beneficiario de la residencia se compromete a no exponer la obra ni a darla a conocer públicamente por ningún medio antes de que lo hagan CCECR, el Museo La Neomudejar, Building Bridges Art Exchange, Plataforma Caníbal y las Mujeres en las Artes Visuales M.A.V.

Asimismo, el/la artista cederá los derechos oportunos para que su obra forme parte del catálogo de dicha exposición o exposiciones, o de cualquier otro material relacionado, o se incluya en la difusión del presente programa de residencias.

Las instituciones participantes procurarán calendarizar las exposiciónes resultantes dentro de su programación una vez el contexto del COVID19 lo permita. En todo caso se ampliará el plazo durante todo el 2021 para la itineraria.

Las 3 ayudas brindadas por MAV- también pasarán a formar parte del programa de actividades de la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales, BMAV2020.

Cada institución aporta una sala donde armar un programa de acogida de resultados, o bien una mesa de presentación de los mismos, según decida.

 

14. ACEPTACIÓN DE LAS BASES

El hecho de concurrir a la presente convocatoria supone la aceptación de sus bases y de su resolución, que será inapelable, así como la renuncia a cualquier tipo de reclamación.

English link here: www.buildingbridgesartexchange.org/self-isolation-residencies

Desde el Museo La Neomudéjar y Building Bridges Art Exchange creemos que hay que volverse positivxs y dar apoyo a lxs artistas para visibilizar el trabajo que hacen pesé al coronavirus.

Para ello, creamos la campaña #ELARTENOSSALVACOVID19 donde lxs artistas nos mandan un breve vídeo explicando en lo que están trabajando y cómo están pasando el confinamiento. Estos vídeos se publican todos los días en Facebook y en Instagram de ambas instituciones.

Nuestro socio Building Bridges Art Exchange nos da la oportunidad de conocer a su red de artistas y viceversa cruzando la campaña entre continentes.

Os proponemos a todxs lxs artistas que nos hagan llegar un breve video sobre lo que están trabajando en estos días de confinamiento al siguiente correo electrónico: olga_lanucha@arthousemadrid.es

Esta convocatoria nos esta brindando la oportunidad de abrazar a nuestrxs artistas, de fomentar un apoyo emocional a muchos de lxs que nos siguen y fortalecer nuestros lazos con profesionales y amigxs.

Mil gracias a toda nuestra gran familia.
¡El arte no para!

Instagram // Facebook

https://www.buildingbridgesartexchange.org

 

Del 15 de Enero al 29 de Marzo.

El arte de la palabra, produce una vibración de color, afecta y conmueve al igual que la armonía musical en mi bemol menor. Rafael Peñalver, ha alcanzado la madurez que permite hablar de lo que importa, la reflexión de una vida en los pinceles, la narrativa incomoda de ejecutar discursos en la abstracción para condenarnos a la reflexión o la búsqueda.

El porqué , este trazo, este color, esta forma o simetría, pareciera que compone rimas mientras combina colores. Hablar de la pintura es un ejercicio que incomoda, es inherente la interpelación a la inteligencia inconsciente del arte contemporáneo. Los discursos, el afiche ha pasado de moda y retoma una fuerza la pintura por aquellos artistas que han planeado desde el siglo xx por las diferentes corrientes artísticas para finalmente volver a instalarse en la pintura. Es ese vuelo, el aprendizaje convulso el que incorpora a la tela un pragmatismo severo, una contundencia ligera del trazo que tan difícil hace poder juzgar la experiencia.

Dicen que lo difícil es hacer que parezca fácil, la pintura de Peñalver ha llegado a ese impás, la facilidad se ha impuesto a la forma, el discurso se ha quebrado por la propia acción y la certeza de una trayectoria busca lugares universales donde su pintura elogia al poeta que también pinta con sus versos.

La generación de Peñalver esta impregnada de poetas, la poesía formo parte de sus discursos, de su crecimiento artístico y del paradigma que vivió una España afectada por las derivas posteriores a los encuentros de Pamplona. Los fuera de formato, los conceptuales, los nuevos medios, han sobrevolado la obra de Rafael Peñalver para finalmente volver de nuevo a la pintura, a la investigación del color y a la naturalidad que permite confrontar experiencia, sentimientos y reflexión.



Instagram feed: @laneomudejar

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El 8 DE MARZO el Museo C.A.V La Neomudéjar permanecerá CERRADO para que todas podamos participar en las actividades y manifestaciones.

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Viernes 20 de Marzo 20:oo // Evento aplazado por COVID-19. 
8,00 euros
reserva en reservas@laneomudejar.com

PERNEO IX – LA CONTRACCIÓN DE UN CIERVO EN ESPAÑA.

Comisariado: Alba Soto

perneo_performance

Está tranquilo hasta que un extremista le dispara en la sien, el himno sin letra despierta su interna revolución y confronta su nacimiento, es ahora cuando empieza a notarse en su vientre. Respira pausadamente y, sin avisar, la timidez se acerca al ciervo; es leve y es frágil. Éste observa muy quieto y muy atento intentando crear vínculo con las y los que están, entonces ata sus pies y provoca el incidente.

 

MARCEL SPARMANN (Alemania) 

We will always have Rome II

La performance “We will always have Rome II” rememora las marcas y circunstancias de un ciervo que anida en mi vientre. Este ciervo debe ser cuidado y por este motivo mi cuerpo se convierte en el disfraz, el cuchillo y el portador. Para que el ciervo pase a través del tiempo, yo existo, por eso una madre habita ese lugar. El animal vive fugazmente, siempre antes de tiempo, pasado conflictivo, futuro oscuro. En la quietud y la vitalidad el ciervo siempre será revolucionario, confrontador, y por lo tanto, mi nacimiento costilla caparazón.

Fotografía de Fenia Kotsopoulou

BIO

Marcel Sparmann trabaja con performance, teatro, danza, arte público e instalación. Estudió en Alemania y Escocia y ahora trabaja internacionalmente, participando en residencias como artista e investigador. Sparmann ha presentado conferencias sobre pedagogía, teatro y performance por toda Europa, USA, América Latina, China y Japón.

Actualmente es docente invitado en diferentes universidades alemanas. Con el apoyo del Instituto Alemán Goethe, ha participado en reconocidos festivales y bienales de Performance Art, como la Semana Internacional de Arte de Performance de Venecia, el Festival de Arte de Performance de Pulid Pulse, el Festival de Arte en Vivo de Xian, la Bienal de Arte de Performance de Houston, entre otros.

 

MARÍA SÁNCHEZ (Ávila- Madrid) 

Una pieza contraida

Quería empezar -antes de contaros mi proyecto- hablando de mi gran interés por lo imperceptible, leve, pequeño, frágil y mínimo.

Mis piezas ocupan casi la palma de la mano, para guardarlas en el bolsillo.

Quiero tener contacto con personas desconocidas….investigo maneras de hacerlo: chupar un tenedor en un bar antes que lo use un cliente, meter el dedo en un croissant en el expositor de una panadería, chupar un palillo en un bar por si alguien lo usa después, cambiar un lápiz a quien se sentó al azar a mi lado en la biblioteca… ¿Para qué? No sé. A mi me parece que se suspende un poco el tiempo y el corazón.

Una pieza contraída busca reflexionar sobre los vínculos y las relaciones personales, el amor y la amistad, los encuentros fugaces, un momento para conectar con un desconocido. Atomizar y estrechar a los asistentes.

 

performance_perneo

BIO

María Sánchez (Ávila, 1977) es artista plástica y docente. Sus proyectos investigan las relaciones personales, la presencia y lo corpóreo. En 2009 recibe una beca del Ministerio de Cultura en Filmoteca Española para el proyecto de archivo y catalogación del Archivo EOC (Escuela Oficial de Cine). Entre los premios y selecciones destacan: Beca Internacional Roberto Villagraz (2011), Premio a la producción de la Fundación Santander (2014), Convocatoria Internacional Jóvenes Artistas Luis Adelantado (2011), Premi Embarrat (2017). En el 2019 trabaja en Agiña, un proyecto audiovisual para el museo Fundación Jorge Oteiza.

 

ALBA RUIPÉREZ (Valencia) 

El baño español

Soy de un pueblo llamado Paterna, en Valencia.

He crecido con una familia estupenda, pero con un padre que se caracteriza por su entusiasmo, pasión, fervor por la bandera española.

Harta de discusiones sobre la bandera y sus vestimentas “llamativas” surgió la idea de El Baño Español.

El Baño Español surge por el patriotismo español que nos caracteriza.
Esa exageración por mostrar la bandera y llevarla al extremo, es decir vestir, pintarse… incluso si pudieran querrían bañarse en aguas rojas y amarillas.

La muerte de Franco, marcó el inicio de la Transición Española, pero su simbología siguió y sigue impregnando las calles de nuestro país.

La razón es que mientras Alemania e Italia tras la caída del fascismo después de la II Guerra Mundial recuperaban su democracia, fueron capaces de restablecer sus identidades como país, con himno y bandera, mientras que en España la llegada de la “Democracia” tan solo consiguió lavar la bandera del fascismo retirando su águila y nos dejó la música del himno de Franco, para que siguiéramos bailando a su son, eso sí, sin ninguna voz que diera unidad a todos los españoles, pues el himno de España es uno de los cuatro únicos del mundo sin letra tras más de 40 años de democracia, junto a los países de Kosovo, San Marino y Bosnia y Herzegovina.

 

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BIO

Nací en el año 1995 en Valencia.
Soy performer y fotógrafa graduada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En el ámbito de la fotografía me dedico a la realización de fotorreportajes en diferentes eventos como son conciertos, performances o manifestaciones. También colaboro con la asociación AnimaNaturalis realizando fotografías para performances relativas al maltrato animal.

Desde que me inicié en el lenguaje de la performance, he explorado mayormente el tratamiento de la salud mental público actual y su visibilización, siempre desde una perspectiva crítica.

Con respecto a esto, la última performance que realicé fue el día Mundial por la Prevención del Suicidio, simulando en ésta un intento de suicidio delante del Hospital La Fe de Valencia.
He descubierto que ambas disciplinas han sido y son mi pasión y aún más si pueden relacionarse la una con la otra.