7 de Enero de 2022 al 13 de Marzo

Muestra de resultados de la residencia artística realizada en Kárstica

Domingo 10 Oct 12:30 - Entrada Libre

Mesa de reflexión sobre los procesos artísticos en el rural desarrollados por Juan José Alfaro en Kárstica Espacio de Creación. Experiencia, entorno, naturaleza, mapa sonoro e intervenciones efímeras. La residencia ha sido posible por el acuerdo entre la red ArtHouseSpain, Centro Cultural de España en Costa Rica y la tramitación por concurrencia pública en territorio Tico.


Kárstica es el espacio de residencias artísticas del Museo La Neomudéjar en el entorno riral de Cañada del Hoyo (Cuenca)

14 de julio al 12 de septiembre.

Prorrogada hasta el 10 de Octubre.

 

La obra de Yuniel Delgado, parte desde una introspección visceral hacia los continentes en deriva de su propia corporalidad. Su condición personal le obliga al rescate constante, una pulsión armónica  a la que inyecta dosis milimetradas de simbología y superación para equilibrar las fuerzas y la química pasional de su produccion pictórica. 

Pese a la primera impresión que arroja su universo, su mensaje esta cargado de un positivismo y un anhelo constante a huir del conflicto, desarrollando una traslación de su psique al lienzo donde desborda la técnica para entrar en el lenguaje de creación pura sin cortapisas. RENACER, es el universo del fénix, un cúmulo de batallas violentadas entre la obra política y la transhumanidad que abordan una necesaria salida hacia la vida . 

Yuniel Delgado devora un imaginario convulso siempre en pos de una superación que recoja los desafectos y la voracidad de una sociedad con la que difícilmente puede conciliarse un anhelo de ausencia del conflicto, desde su pintura monocromática  hasta la fotografía como medio, ejecuta un discurso que  abra puertas hacia una sanación. Las temáticas que aborda, operan en una narrativa disruptiva entre una interpelación a la estética libre y una disconformidad con el soporte que por momentos transita del lienzo a la fotografía, del retrato a la instalación o incluso la performatividad del gesto.  La superación en la obra de Yuniel Delgado, es un recorrido sin concesiones a un escaparate conflictuado, de retratos entre lo íntimo y lo público, entre una obra trascendente de sublimación de lo humano, hasta el anuncio de un transito transhumanista donde la vorágine de las políticas del poder, dan paso a un desmembramiento social que anticipa un tiempo distópico para las sociedades de un futuro inmediato.

Bio_

Yuniel Delgado Castillo (La Habana, 1984)

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Artista visual cubano que actualmente reside en Madrid y es considerado como el enfant terrible de la nueva pintura cubana. Graduado con honores por la Academia de Bellas Artes de San Alejandro (2011), en la especialidad de pintura, logró asentar un crédito de prestigio en el panorama de arte cubano, dentro y fuera de la isla. Sus principales virtudes son la honestidad y la pasión con la que se enfrenta a la pintura y al acto mismo de pintar. Quienes le conocen puedan dar de una subjetividad volcánica e increíblemente prolija que no cesa de trabajar y producir grandes obras en todo momento.

 

Su carácter inquieto y su predisposición afectiva hacia el medio, le han convertido en un artista tremendamente versátil y muscular. De ahí sus constantes exploraciones en el ámbito de diferentes técnicas, soportes y lenguajes como el grabado, la escultura, la instalación y el dibujo, siendo la gramática de la pintura donde hace alarde de todo su poderío. Desde los inicios de su carrera y hasta la actualidad ha hecho evidente su vocación por los grandes formatos, lo cual ha tenido su impacto en la prefiguración de importantes proyectos murales, instalativos, incluyendo la escultura ambiental y hasta algún que otro gesto de carácter performático que certifican su compromiso y los niveles de complicidad con el hecho estético en sí, más allá, incluso, de cualquier aprobación social.

Manifiesta, desde siempre, una libertad extrema durante (y frente) el proceso creativo que le lleva a una gran emancipación y le coloca en una zona de confort ético y emocional para consigo mismo. La espontaneidad es, sin duda alguna, es una de sus fortalezas al tiempo mismo que se convierte en clave axiomática para comprender su metodología y forma de trabajo. La mayor parte del tiempo -o casi siempre- prescinde de bocetos o de ideas previas para puedan entorpecer esa relación de limpieza (no contaminada) que se traba entre el acto de hacer y el lienzo en blanco. Como al resto de los artistas le guía la obsesión por la búsqueda de un estilo propio, ensanchando los límites clasificatorios y reduccionistas del arte en general, para dispensar una producción genuina, sensible y verídica. Algo que sin la menor duda ha conseguido con gran esfuerzo y una tenacidad poco menos que envidiable.

Apenas siendo un estudiante de la afamada Academia, realizó su primera exposición personal en el Centro Pro-Danza en 2006, llamando la atención de la crítica por la apariencia irreverente de su obra. En el año 2013 viajó a los Estados Unidos como parte de una exposición colectiva realizada en la Aicon Gallery de Nueva York. Coincidiendo con esta muestra llevó a cabo otras presentaciones hasta que se traslada a Boston para abrir estudio como artista. Muy a pesar del éxito y los proyectos, la inclemencia del clima le obligó a asentarse en el sur de la Florida, donde inauguró su propio taller-galería en diciembre de 2014. Tuvo la gran suerte, por esas fechas, de haber sido nominado para el programa de becas y comisiones de la fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) en Miami. Asimismo, ha sido galardonado con programas de residencias y exposiciones colectivas en Napoly, Italia, en 2016, en el Museo Pam, y en Chopehenaghen, Dinamarca, en 2019. Además, ha impartido conferencias sobre su arte en la Galería de Arte Roberson de la Universidad Estatal de Pennsylvania. Participó en varias ocasiones en subastas y ferias de arte como las de Florencia y Dinamarca. Su obra se haya en colecciones públicas y privadas, especialmente en Alemania, Estados Unidos, Canadá, Italia, España, Rusia, Portugal, Luxemburgo, Costa Rica, en otros países de Europa, Asia y Latinoamérica.

Rosella Matamoros

13 Octubre 2021 - 16 Enero 2022

La obra de Rossella Matamoros desarticula las lògicas del patriarcado, centrando sus procesos de investigación sobre la figura de la mujer. Su obra sincrética y abstracta parte de la performance como herramienta técnica del proceso creativo. Es la profundización sobre temáticas que abordan desde prismas muy diversos, el universo de las mujeres. El arte político que representa Matamoros contrasta con una panorámica territorial en su Costa Rica natal, ausente de denuncia artivística, no así con el espectro genérico Centroamericano donde su obra de postula a la par de otros grandes hombres del Arte contemporáneo.

Es la obra de Rosella bebedora del primitivismo, su trazo firme revela un carácter contundente a la hora de ahondar sobre temáticas de denuncia, injusticia social o de violencia contra las mujeres. En sus procesos rituales de conexión con la ancestralidad aparecen manos, pies, huellas de un camino que apela a la necesidad de reconectarnos con lo primigenio. Su centro de acción es el cuerpo, el mismo que pone en sus performances con las que parte su proceso como un interrogatorio a la sociedad. Sabes eso? Lo has escuchado? Lo has sentido? …la pregunta como fórmula de profundización, como toma de conciencia, de proceso de liberación y reconexión con lo íntimo, con lo personal. Su paleta de colores oscila entre el siena, el negro y el blanco, una deriva que conecta con la tierra, la sangre y la certeza. 

NATALIA AUFFRAY

13 Oct 2021 - 16 Enero 2022

Esta exposición aborda un universo complejo que recorre lo familiar, lo intimo y lo social. La tradición feminista del arte atraviesa la obra de Auffray de manera directa, su investigación con el textil, con la naturaleza de los objetos cotidianos, lo personal, lo familiar, lo íntimo abarcan un plano general donde es necesario separarse, tomar distancia y observar. Tiene la obra de Natalia Auffray un estimulo a la inteligencia, una necesidad de operar con la física de los volúmenes y la poética del lenguaje. Nada esta totalmente concluido, todo pudiera ser ….o no, dejando un campo abierto a la imaginación, y aun así, lo cierto es que cada pieza, cada escultura o cada instalación operan desde una autenticidad muy personal que las hace inconfundibles y literalmente bien asertadas.

 Natalia Auffray ha desarrollado una habilidad para la timidez, su obra define por un lado el lenguaje contemporáneo/conceptual que le corresponde por ubicación espacio/tiempo y por otro la capacidad de atesorar en un gesto creacional un universo feminista que conecta con la tradición del textil, de la hiladura y los materiales. En esta exposición vamos a poder recorrer un periodo amplio de sus trabajos que van desde la pintura, la escultura textil, o la instalación que se comunican con la psique personal de la artista, sus pensamientos, reflexiones o temáticas que le atraviesan como mujer en un mundo operado por la masculinidad y donde lo sensible tiene pocos adeptos. Es la obra de Auffray una obra vieja para un tiempo nuevo, una obra inacabada en espera de un contenedor que la valide, la certeza de un lenguaje en espera de traductora y una singularidad vulnerable que pide a gritos un espacio de libertad para expresarse sin juicios absurdos. Abordar lo intimo es un acto de valentía, de empoderamiento que esta artista lleva en el ADN de su obra. Sumergirnos en la sensualidad de sus trabajos, nos reconectará con la naturaleza, con el origen, con la tierra. 

I CONCURSO NACIONAL DE PERFOMANCE - MÉXICO

Del 3 de Noviembre al 1 de Diciembre
11:00 - 15:00 y 17:00 a 21:00

Coordinadora Celeste Flores Torres

La organización HORASperdidas desde su fundación en el 2008 ha contribuido al quehacer cultural mediante su plataforma de gestión, difusión e investigación del performance y el arte acción en los espacios públicos, en los cuales se ha desarrollado una relación entre espacio, tiempo y movimiento, ejes centrales de la plataforma para artistas emergentes y consolidados, durante cada emisión se hace una convocatoria internacional con el único objetivo de traer a los artistas más representativos del performance a la ciudad de Monterrey, permitiendo una convivencia entre artistas, estudiantes, maestros, investigadores y público general en los espacios públicos en donde los artistas accionan durante una semana. HORASperdidas a través de Directora Celeste Flores Torres ha permitido que sesenta y cinco artistas de diecisiete países hayan realizado actividades performativas en el Museo de Historia Mexicana, el Museo Metropolitano, Escuela Adolfo Prieto, Galería Regia, Explanada de los Héroes y Alameda Mariano Escobedo se hayan convertido en un espacio para que miles de espectadores puedan apreciar este arte.

Es en este sentido que se realizó un proyecto para el PADID 2019 para llevar el performance a la periferia de Nuevo León, en un intento por descentralizar el público que ha sido parte importante de la trayectoria de HORASperdidas durante doce años. La convocatoria de TIMEOUT tenía como principal objetivo llevar a los artistas seleccionados a cinco municipios de Nuevo León, Santiago, Allende, Linares, Montemorelos, Galeana y Monterrey, en un intento por llevar el performance hacia otros escenarios naturales y activar mediante acciones artistas y habitantes de cada sede.

Sin embargo, el Concurso TIMEOUT se vio afectado por la crisis del COVID19 impidiendo que se llevará a cabo en los espacios públicos y que los artistas arribaran desde sus ciudades de origen al Estado de Nuevo León. El resultado de la modificación de los objetivos y el planteamiento de las piezas de los artistas seleccionados fue esta muestra, la cual fue proyectada por primera vez el trece de marzo de 2021, un año después de la salida de la Convocatoria original, el trabajo curatorial fue realizado por la Coordinadora General de TimeOUT, en conjunto con los jurados, Luis Escalante director de la Escuela Adolfo Prieto CONARTE, Francisco Godínez Subdirector de Exposiciones del Centro Cultural Tijuana CECUT y Ever Rodas Director de Festival Internacional de Performance Forma y Sustancia quienes evaluaron las propuestas en dos etapas, durante la Convocatoria para espacio público y en la adaptación del Concurso en Videoperformance. La primera emisión de TimeOUT presentó en redes sociales y en el canal de Vimeo de la Red Mexicana de Performance a los diez artistas seleccionados.

Artistas Seleccionados
Esmeralda Espinosa López (Querétaro)
Mayte Esparza (Aguascalientes)
Fina Ferrara (Nuevo León)
Luz del Carmen Magaña (Querétaro)
Yolanda Benalba (CDMX)
Edgar M Vega (Nuevo León)
Lorena Barrera (Yucatán)
Renard (Nuevo León)
Lola Meléndez (Jalisco)
Perra Fiucha (Baja California)

Coordinadora General
Celeste Flores Torres

Proyecto beneficiado a través del Programa de Apoyo a la Docencia, Investigación y Difusión de las Artes PADID 2019 del Centro Nacional de las Artes CENART, avalado por la Escuela Adolfo Prieto, CONARTE en Nuevo León, México.

 

XVII Festival de cine el Ojo cojo Pase 10 Museo La Neomudejar

Domingo 21 de Noviembre // 19:30

https://www.eventbrite.es/e/xvii-festival-de-cine-el-ojo-cojo-pase-10-museo-la-neomudejar-tickets-210157315187

 

Sebastienne

José Alberto Andrés Lacasta
2012 // 13:00

SINOPSIS: Sebastienne trabaja como conservador de patrimonio en el Palacio de la Aljafería (Zaragoza). Entonces la llegada de un misterioso grabado sobre el Martirio de San Sebastián a su nombre lo transporta a un estado onírico de ensoñaciones muy cercanas a la realidad. Desde allí empieza a recrear de una manera muy particular episodios de la vida del viejo mártir gracias a los cuales lucha por dirimir su identidad sexual invadida por un devastador sentimiento de culpa.

Memorias Olvidadas

Marta Arjona Blasco, Maite Blasco Pérez
2021 // 10:00

“Memoria de las Olvidadas” es una producción de videodanza que rinde homenaje a las mujeres que murieron en el convento-prisión de las Oblates de Tarragona a causa de las duras condiciones carcelarias y a la única mujer fusilada en la ciudad durante la represión franquista. La obra pretende mantener vivo y documentar el recuerdo de estas mujeres a través de los testimonios sobre sus vidas y su estancia en prisión, antes de ser enterradas en una fosa común del cementerio de Tarragona.

La Radio

Carlos Novella
2021 // 14:00

Un tendero intenta salvar la radio que le ha acompañado durante prácticamente toda su vida. En este sentido la película tiene la sencillez y la eficacia de una parábola. Como consecuencia de la imposibilidad de reparar una vieja radio se convierte en una derrota personal, incluso nacional, incluso civilizacional. El consumismo como prerrogativa única del progreso, el pasado almacenado como pieza de colección en un museo. La vejez reducida a la soledad: tantos temas relevantes visitados por un enfoque realista y documental de la vida cotidiana de las calles de Caracas. Su peregrinaje por las calles en busca de una solución le enfrenta a una ciudad que ha aceptado la desaparición de formas de vida y la pérdida de escenas del pasado en la memoria.

Navras

Marco Huertas

2020 // 15:00

Un tendero intenta salvar la radio que le ha acompañado durante prácticamente toda su vida. En este sentido la película tiene la sencillez y la eficacia de una parábola. Como consecuencia de la imposibilidad de reparar una vieja radio se convierte en una derrota personal, incluso nacional, incluso civilizacional. El consumismo como prerrogativa única del progreso, el pasado almacenado como pieza de colección en un museo. La vejez reducida a la soledad: tantos temas relevantes visitados por un enfoque realista y documental de la vida cotidiana de las calles de Caracas. Su peregrinaje por las calles en busca de una solución le enfrenta a una ciudad que ha aceptado la desaparición de formas de vida y la pérdida de escenas del pasado en la memoria.

Al- Sit

Suzannah Mirghani

2020 // 20:00

En una aldea de cultivo de algodón de Sudán, Nafisa, de 15 años, está enamorada de Babiker, pero sus padres han concertado su matrimonio con Nadir, un joven empresario sudanés que vive en el extranjero. La abuela de Nafisa, Al-Sit, la poderosa matriarca del pueblo, tiene sus propios planes para el futuro de Nafisa. ¿Pero puede Nafisa elegir por sí misma? Esta es una historia de Sudán sobre mujeres, tanto impotentes como poderosas. En muchas aldeas sudanesas, la matriarca es venerada y respetada y gana poder social a través de la experiencia y la edad. Las chicas jóvenes, por otro lado, son las más vulnerables. Esta película explora ambos extremos de la cadena social y cómo estos roles podrían estar cambiando en un mundo en proceso de modernización.

VUELVE GDC. ENCUENTROS ENTORNO AL MUNDO DE LOS VIDEOJUEGOS

26 de Noviembre de 2021 de 18:00 a 21:00

PRESENTACIÓN SÁBADO 30 oct 19:00h.

Instalación Realidad Aumentada visitable hasta el 28 de Noviembre de 2021.

AMA & CONSTRUYE LA MEMORIA -Libro Arte Interactivo-

A partir de la represión violenta a manifestantes que participaron en las revueltas populares en Nicaragua 2018 que fueron caracterizados por organismos de DDHH como crímenes de lesa humanidad y el asesinato a más de 328 personas, las familias de las víctimas se organizaron y crearon la Asociación Madres de Abril (AMA). En su búsqueda por la verdad, la justicia, la reparación y la no repetición destaca su afán por construir memoria sobre sus familiares y los hechos que ocurrieron.

Su afán responde a las políticas gubernamentales que criminalizan y deshumanizan a las víctimas y que han impedido cualquier tipo de conmemoración en el espacio público en Nicaragua. AMA y No Olvida, Museo de la Memoria contra la Impunidad se construyó para dignificar a las víctimas mortales de represión estatal a partir de abril de 2018 en Nicaragua. En un país marcado por una historia de dictaduras, guerras civiles y amnistías, este museo es el primer y único museo de memoria que se construye desde las voces de las víctimas.

Este sábado presentaremos AMA & CONSTRUYE LA MEMORIA -Libro Arte Interactivo- que muestra el archivo de AMA y No Olvida, Museo de la Memoria contra la Impunidad con testimonios y mapas/relatos de los hechos, archivo fotográfico, materiales audiovisuales y documentos varios que permiten dimensionar la vida y la muerte de las víctimas y el contexto de la protesta social. Cuenta además con un componente de Realidad Aumentada que permite, a través de códigos QR, acceder a los testimonios de las familias en video y altares virtuales en forma de barricadas, que sostienen objetos de memoria de las víctimas en 3D. Con ellos se retratan sus intereses y sueños, así como sus relaciones con otras comunidades.

EXPOSICIÓN DE ANTONIO ALVARADO EN COSTA RICA | GALERÍA NACIONAL

Esta exposición, organizada por el Museo La Neomudéjar con el apoyo del Centro cultural de España en Costa Rica, es recorrido por sus más de 40 años entre la electrónica y la pintura. La exposición tendrá lugar en la Galería Nacional de Costa Rica.

“La Singularidad Plural” es la nueva exposición que el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo C.A.V La Neomudéjar traen desde Madrid para ofrecer al público costarricense. Esta muestra forma parte de la colección permanente del Museo La Neomudejar, alojada en Zapadores Ciudad del Arte y compila una retrospectiva de trabajos del artista español Antonio Alvarado, cuya trayectoria en nuevos medios ha sido notable tomando en cuenta que es uno de los primeros artistas reconocidos en esta disciplina en España, con más de 40 años creando obras innovadoras.

La exposición es parte del programa cultural de AECID en América Latina. Una vez se haga el cierre de la exposición, las obras serán trasladas a otros países de Centroamérica para su exposición. 

Esta muestra se inserta en un ciclo de exposiciones de artes visuales que facilita un espacio a los proyectos que pretenden generar un impacto humanista y/o social en el público. Este programa de exposiciones busca promover un punto de encuentro entre artistas y públicos que producen y disfrutan de trabajos en artes visuales de diversos géneros y estilos, pero siempre con una mirada crítica a la realidad inmediata. 

La exposición se podrá visitar del 4 de agosto al 25 de septiembre en la Galería Nacional de Costa Rica de martes a viernes de 8:30 a 4:30 y sábados y domingos de 9am a 5pm, y su inauguración tendrá lugar el miércoles 4 de agosto a las 3 pm, abierto al público con todas las medidas sanitarias correspondientes.

Galería Nacional de Costa Rica en San José

TALLER CON ANTONIO ALVARADO

Antonio Alvarado además será residente del programa de residencias iniciativa de la red de Centros Culturales de España en la región que pretende generar intercambio entre agentes que potencien el Espacio Cultural Iberoamericano, a través de la creación y promoción de puntos de encuentro entre los distintos sectores de la cultura contemporánea, desde una perspectiva de experimentación en los procesos creativos. En esta residencia, estará brindando un taller de experimentación electrónica “Los sentimientos aleatorios en electrónica”.

Taller con Antonio Alvarado

Artista cibernético, plástico y acción, su obra abarca desde instalaciones, esculturas y música electroacústica a piezas concebidas para ordenador o para Internet. Ha realizado estudios de Filosofía y Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

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Now we are in the curatorial program DiverseArt of LAartSHOW like guest museum. With the collaboration of Spanish Ministry of Culture

For this event we present the instalation DATA | ergo sum | REALOADED,  an Interactive Art Installation that visualizes the capability of viewing machines using Artificial Intelligence by Ana Marcos (Spain)

 

With mirrors that attract the attention of visitors and based on the idea of a mirroring-portrait –relating to Art and Cinema, - we have designed an electronic and panoptic mirror for the first experimentation room where visitors are recorded by cameras that are not very visible on the set. A camera and recording-tracking software is today a technological device that can capture everything and understand the parts: objects and / or subjects that make up the image. The installation observes and records the behavior of visitors without them being aware that their simple presence in front of a mirror is providing an overwhelming amount of data; around 20,000 parameters are captured in just 20 seconds.

The system generates a new video with holographic effects and adds the data processed by the AI software. In essence, this artistic visualization presents a different kind of portrait: instead of being a static image, representing an instant or the romantic idea of ​​offering the essence of an individual, it consists of a complex visual system, in which computing technology provides a different perspective. It is precisely those ways of seeing, of seeing ourselves, what DATA| ergo sum invites us to review in front of its AI system. The challenge begins with the part that most differentiates us from each other as humans: the face and then the body. This digital analysis that makes us readable for a machine opens new possibilities. We look into an unknown being, risking to recognize both our vulnerability and what is non-representable in human life..

Shortly, a “mirroring AI” system that is capable of parameterizing facial expressions and physical features to project information on a scene, reducing each individual to a sequence of information.

 

ANA MARCOS

3D Interactivo studio

The 3dinteractivo collective is a group formed by artists and engineers that seeks, through research, a deeper understanding of the relationship between art-science-technology. The 3dinteractivo collective began its journey in 2010 and is currently co-directed by Ana Marcos and Alfonso Villanueva.

CENTROAMÉRICA EN ACCIÓN | PANCHO LÓPEZ

Publicación en colaboración con el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo CAV La Neomudéjar Tras casi dos años de trabajo de investigación, el artista e investigador mexicano Pancho López presenta el libro Centroamérica en acción, mismo que fue editado por el MADC, bajo la invitación de Antonieta Sibaja Hidalgo, en colaboración con el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Museo CAV La Neomudéjar de Madrid, España.

Este libro reúne en poco más de 150 hojas, un recorrido historiográfico del performance y los y las artistas que lo practican en la región centroamericana. El proyecto contó también con el apoyo de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo, una de las instituciones mexicanas más reconocidas en el ámbito artístico internacional. Con la beca de patrocinios que le fue otorgada por esta fundación, el artista pudo viajar por los países de Centroamérica, revisando la escena del arte acción (performance art) desde Guatemala hasta Panamá. Cabe señalar que contó con el acompañamiento de la Red de Artistas del Centro de América (RACA), dirigida por el guatemalteco Ever Rodas.

UN DÍA DE PERFORMANCE PARA PRESENTAR EL LIBRO

El jueves 29 de julio de 2021, a las 13 horas, se llevarán actividades que acompañaran la presentación oficial del libro (adjuntas a continuación) que serán a puerta cerrada en el MADC pero transmitidas en vivo a través de su plataforma Facebook Live. Además de mesas de conversación, se integran performances en vivo y una exposición fotográfica que tendrá lugar de manera presencial en el Instituto Cultural de México en costa Rica (de la Embajada de México) a las 18:00 horas (aforo limitado a 35 personas) donde también se presentarán performances en vivo.

PANCHO LÓPEZ

Pancho López (México, 1972). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Por once años fue jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo. Coordinó el Encuentro Internacional de Performance Performagia (2003-2009), Transmuted (2010-2013) y Extra! (2014-2020). Dirigió EJECT, Festival internacional de videoperformance de la Ciudad de México en Ex Teresa Arte Actual (2006-2012) y en Laboratorio Arte Alameda (2016). Ha participado en muestras y festivales de performance en Colombia, Chile, Canadá, Uruguay, Brasil, Alemania, Polonia, Venezuela, República Dominicana, China, España, Portugal, Cuba, El Salvador y Estados Unidos. Trabajó en Fundación UNAM y coordinó la licenciatura de Comunicación y Gestión para la Cultura y las Artes de la Universidad de la Comunicación (2013-2015). Ha recibido becas y apoyos como PADID y PAPIAM del CENART, Fundación JUMEX y del Patronato de Arte Contemporáneo PAC y la beca “Contigo en la distancia” FONCA 2020. Forma parte de la Red Mexicana de Performance perfoREDmx. Es colaborador del Museo C.A.V. La Neomudéjar y curador de Subasta MAC 2021 del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá.

PRESENATCIÓN EN LA NEOMUDEJAR EN SEPTIEMBRE

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KÁRSTICA ESPACIO DE CREACIÓN es el espacio de residencias artísticas en el rural que el Museo La Neomudéjar ha abierto en Cañada del Hoyo, Cuenca. El espacio es la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo de principios del sXX y que ahora acoge la residencia que arrancó a finales de 2019 y que tras el parón del CoVid volvemos con toda la energía.

Esta iniciativa surge de una colaboración cultural gestada desde el 2019 entre el Centro Cultural de España en Costa Rica y la Red de Centros ArthouseSpain de España, compuesta por el Museo C.A.V. La Neomudéjar, Kárstica Espacio de Creación y Zapadores Ciudad del Arte. Ambas entidades se unen bajo un acuerdo de colaboración internacional para el apoyo a la creación de artistas costarricenses mediante una residencia artística en España.

Decidimos en conjunto proponer una convocatoria pública para favorecer el intercambio cultural entre España y Costa Rica, así como financiar residencias artísticas en Kárstica, espacio de creación en el medio rural ubicado en la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo (Cuenca).

El programa Experimentación en los procesos creativos, a través del proyecto Casa Canibal, realiza Residencias Artísticas para propiciar un encuentro entre artistas visuales de España y Costa Rica, en esta convocatoria; poniendo énfasis en la experimentación e investigación como modos de promover y dinamizar los procesos creativos relacionados con la sostenibilidad, nuevas ruralidades, las fenomenologías del colapso sistémico actual y la búsqueda de nuevos futuros.

La convocatoria tiene como finalidad reinventar el concepto de residencias, para adaptarlas a las actuales circunstancias y no paralizar la actividad del tejido artístico ni la de nuestros espacios/museos/centros culturales. La producción de las y los artistas no se puede detener porque los espacios culturales no estén abiertos a pleno rendimiento y es nuestro compromiso apoyar al sostenimiento del tejido cultural y de sus necesidades en estos tiempos.

Para ello lanzamos esta convocatoria de residencias artísticas que ayuden a la interrelación entre artistas en estos tiempos inciertos, para favorecer su movilidad e internacionalización y realizar una muestra de resultados, bien a modo expositivo, o en formato mesa de reflexión sobre los procesos investigativos y de creación.

Nuevos espacios acondicionados en el Museo La Neomudéjar

Durante las semanas que cerramos en Agosto nos dedicamos al acondicionamiento del espacio de librería y recepción, ampliandolo considerablemente. También hemos recuperado el espacio que teníamos como almacén en la entrada para reconvertirlo en un espacio de cafetería y social del Museo. Un espacio donde encontrarnos y crear tertulias.

KÁRSTICA ESPACIO DE CREACIÓN es el espacio de residencias artísticas en el rural que el Museo La Neomudéjar ha abierto en Cañada del Hoyo, Cuenca. El espacio es la antigua estación de tren de Cañada del Hoyo de principios del sXX y que ahora acoge la residencia que arrancó a finales de 2019 y que tras el parón del CoVid volvemos con toda la energía.

REABRIMOS!!

Tras el parón motivado por la crisis del Covid arrancamos de nuevo con esta convocatoria  hasta el 15 Julio 2021  para artistas que necesiten un espacio de investigación y/o creación en torno a las fenomenologías del colapso global (ecológico, político y sociológico),  la sostenibilidad, nuevas ruralidades, ecofeminismos, ecología y naturaleza. Para esta convocatoria general se ofrece el espacio de alojamiento y espacio de trabajo junto a un ayuda de 500 Eur/mes.

Ciclo de videoarte Fundido a Negro.

Cuerpo y paisaje, una revisión al archivo de videoperformance EJECT

Comisario: Pancho López

El cuerpo humano ha estado siempre en relación con la naturaleza, dialogando con ella e intercambiando experiencias con otros cuerpos, en continua convivencia con más humanos alrededor. La conducta siempre está bajo el escrutinio público, el orden impera y las autoridades rigen los comportamientos, sin embargo, la subordinación de algunos cuerpos es notable.

Una infinidad de actos cotidianos se producen día con día, caminar, cocinar, comer, dormir. Como sea, al término de las labores diarias, el cuerpo descansa al caer la noche, el sueño produce oníricas imágenes que transitan por inhóspitos parajes, esta relación cuerpo-naturaleza se ha vuelto la obsesión de muchos y un delicado acento que a veces no percibimos entre los cuerpos y el paisaje.

El archivo de videoperformance EJECT hace un recuento de sus contenidos para revisarse constantemente a sí mismo, en una suerte de juego de naipes que permite nuevas tiradas. La acción ante la cámara nos lleva a los espacios íntimos, privados, pero al mismo tiempo abre la oportunidad al juego, a la travesura y al atrevimiento. El performance otorga una permisividad que efectivamente da la oportunidad al desafío y a aparentes locuras que devienen en genialidad. 

Desde estos puntos de partida, esta compilación de videos es una invitación a dejarse llevar por las acciones y perder la mirada en el horizonte.


Mario Coyol – Asimilación No. 1 – México, 2016 / 03:25

Esta obra nos lleva a profundizar en la relación entre el cuerpo y el paisaje, atendiendo su delimitación y fronteras entre estos elementos. Se expone al cuerpo para su inclusión y ajenidad, creando imágenes corporales, donde la vinculación con el entorno es importante. Una serie de escenas donde la naturaleza y el cuerpo se mezclan.


Mauricio Sáenz – Ruinas – México, 2014 / 04:40

Esta obra pretende exponer la idea de la obstrucción por medio de un límite visible o invisible, ruinas materializadas a través de los restos de lo que antes era un espacio delimitado por paredes. Este video revela el bloque a través del concepto de la construcción y la destrucción, señalando los paralelismos que hay en las barreras sociales.


Kristin Reger en colaboración con Gella Zefira / Orb/Orbe 1 /  Estados Unidos/México, 2014-15 – 04:20

En esta pieza una figura amorfa y sin rostro habita el paisaje natural, se transforma y se incorpora, va de un sitio a otro cambiando de color y de forma. Invoca el sentido ritual y legendario de los espacios con los que convive, resalta por encima de los lagos y montañas. Sus breves escenas en yuxtaposición y su sentido de lo sobrenatural componen un relato sin principio ni fin. El paisaje sonoro y la majestuosidad del contexto físico son piezas claves en la composición de esta obra que funge como una intersección simbólica entre lo viejo y lo nuevo. Es un poético ser extra-terrestre irrumpiendo en el espacio.


Graham MacLeod / Cabbage country / Canadá, 2006 – 05:15

Este video fue inspirado a partir del encuentro fortuito de un bote con una vara de bambú dentro, en un místico y remoto paraje de Taiwán. El bote tenía escrita la leyenda “mézclame”. El artista porta una malla blanca entera, que en su concepción, representa diversos clichés: un súper héroe, un fantasma, un atleta, un bailarín… una sátira que muestra varias debilidades de nuestra cultura occidental jugando con las perspectivas.


Guido Yannitto / Avistaje / Argentina, 2012 – 03:52

Realizada en la isla Decepción en la Antártida, la acción consistió en caminar por la ladera de un glaciar negro cubierto por ceniza volcánica. El dibujo se forma con las huellas de la caminata formando un diagrama con vectores marcados con espejos que se colocaron sobre la ceniza.


Karolin Kent / Vit gestalt / Suecia, 2011 – 05:04

En esta pieza la artista se presenta insertada en un bucólico paisaje ataviada completamente de blanco a la manera butoh. Está inspirada en las problemáticas que genera la opresión de los cuerpos femeninos en las sociedades actuales. Aborda e investiga la restricciones sociales mientras genera un retrato de la artista como una criatura fuerte y orgullosa que pelea por su reconocimiento.


Jennifer Campbell / Point No Point / Estados Unidos, 2010 – 03:57

En contraste con el paisaje icónico del noroeste del Pacífico, Point No Point documenta acciones realizadas específicamente para la cámara que ofrecen contextos novedosos para la mente y el cuerpo. La artista deviene objeto en medio del mar, cuya acción consiste en señalar un punto que no se distingue mediante una lámpara que lleva consigo, transformándose en un faro. En esta obra, hay una sensación de asombro por lo sublime, el cuerpo se convierte en un medio de experimentación cargado con humor trágico e intriga.


Katrin Wölger / MIAZL / Austria, 2016 – 02:35

Esta obra fue realizada en el lugar donde creció la artista. Un desplazamiento en el bosque, entre árboles y nieve, a paso firme dejando tras de sí sus propias huellas, con un extraño cargamento que es depositado entre ramas, un cordero y las costillas de un venado. Su alimento permanecerá colgado, suspendido en medio de rituales insospechados.  


Grupo Crisopeya / Gallo / Argentina, 2016 – 07:00

El videoperformance Gallo fue rodado en Cosquín, Córdoba, por el colectivo Crisopeya Arte, integrado por Gustavo Mauro, Véronique Madre y Juliana Romero Hillman. En esta obra vemos el cuerpo devenir ave, transformarse en pájaro, asumirse animal y apropiarse de un comportamiento, a partir de distintas visiones del arte con múltiples cruces disciplinarios: fotografía, video y acción.


Roland Wegerer / The Hummerbichler / Austria, 2014 – 02:23

Esta obra forma parte de una trilogía de videos cortos en la que el artista ha desarrollado el personaje del Hummerbichler. Todas las escenas están coloreadas de un rojo intenso con una figura extraña que explora áreas abandonadas. El Hummerbichler está transformando continuamente su apariencia mientras investiga un hábitat desconocido. Es una especie de alienígena que intenta orientarse, sin embargo en este video, no se ofrecerán respuestas.

5 de mayo – 11 de julio. 


Miedos, relinchos, mascarillas y pan negro, surge de la necesidad de comprender el momento que nos ha tocado vivir con la pandemia del Covid-19  y canalizar miedos propios y comunes, relacionándolo con momentos duros de la historia reciente como la guerra civil del 36.

La representación de estos miedos (guerra civil 36 y postguerra, Covid-19…) y el uso de símbolos propios y de la historia del arte, ayudan al artista a comprender estos y universalizarlos, utilizando de esta manera el arte como herramienta terapéutica.

El proyecto está compuesto por diferentes piezas que conforman una única instalación. El uso de pintura, piezas escultóricas, así como de diferentes video-performances presentadas en formato instalación, crean un diálogo entre los diferentes fragmentos que contribuye a una lectura global de la obra, casi en formato escenográfico, en el cual el espectador se sumerge. Endika considera que en su trabajo existe esa necesidad de crear un ambiente en el que el espectador se sienta dentro de la propia obra. Esto lo provoca no dando relevancia a la pieza individual, si no creando una atmósfera, en la cual, incluso el sonido es coprotagonista.

Igual que las grandes pandemias del pasado, el coronavirus ha dejado en pocas semanas su huella en diferentes partes del mundo. Países aislados, fronteras cerradas y una economía al ralentí. La gripe española de 1918 o la peste negra que asoló Europa en el siglo XIV, también dejaron huella. Sin embargo, la Europa de final de la Edad Media o de la primera guerra mundial, tiene poco que ver con la sociedad globalizada de hoy.

Según palabras de Laurent-Henri Vignaud, historiador de ciencias de la universidad de Borgoña. Una pandemia como esta pone a prueba una sociedad y una época, poniendo en peligro los lazos sociales y desatando una forma larvada de guerra civil en la que cada uno desconfía del otro.

En esta epidemia como en cualquier guerra, también existen vencidos, que en este caso vienen en forma de chivos expiatorios. Al comienzo de esta pandemia, hemos experimentado casos de xenofobia contra los chinos. Durante la gran epidemia de peste que devastó la Europa medieval, las poblaciones judías fueron blanco de ataques. A veces masacres como en Estrasburgo en 1349, donde casi mil judíos fueron quemados.

Finalizada la guerra civil española, no solo hubo vencedores y vencidos. También hubo hambre, escasez y miedo. Muchos ciudadanos se vieron obligados a cambiar monedas o joyas de oro por un chusco de pan negro. Otros acudían a los cuarteles a pedir las sobras y muchas mujeres tuvieron que prostituirse por un poco de comida.

Esta postguerra que vivieron los abuelos de su generación, es el punto de partida de este proyecto. La forma de enfrentarse a sus miedos de estos hombres y mujeres en el mundo y época que les  tocó vivir, le resultaba heroico e “incomprensible” hasta hace unos meses. Ahora, que nos encontramos en una situación de “guerra global” debido a la pandemia, esas historias de la infancia de Endika se hacen más cercanas y le recuerdan que hay una luz al  final del túnel.

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BIO_

Endika Basaguren es Licenciado en Bellas Artes por la U.P.V/E.H.U, con Suficiencia Investigadora y Programa de Doctorado por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido becado por la fundación Bilbao arte y la diputación foral de Bizkaia.

Ha realizado exposiciones de manera individual en: el horno de la ciudadela (Pamplona) Tate Modern Gallery (Londres), Galería Fomentarte /Zapadores ciudad del arte (Madrid), Living Gallery Outpost (Nueva York) Sala Rekalde (Bilbao). Torre Ariz (Basauri) El Quirófano (Lanzarote), Art Room espacio experimental (Madrid), Galería arte extremo Ana Lama. (Lisboa,Portugal). Museo arte e historia (Durango), Galería Os Catro Gatos, (Santiago de Compostela), Torrene Aretoa. (Getxo), Geroarte Efimerart Gallery (Bilbao), Palacio La Lila, (Oviedo, Asturias) ó Galería La Doce, (Boiro, A Coruña).

De forma colectiva ha participado en festivales como Cohete Toledo (Toledo) Contemporary Venice(Venecia), Itinerant (Nueva York), Fang (Madrid), Latitudes (Santa cruz de la sierra, Bolivia.), Franqueados (Madrid), Hybrid Fair (Madrid), Kaleartean (Basauri), Culturgal – (Pontevedra Galicia) Galerías 4, Cárcel de Segovia centro de creación (Segovia). También ha realizado exposiciones de carácter colectivo en lugares como, Oratorio di Spinea (Venecia, Italia), Galería A del arte (Zaragoza). Foro Arte Cáceres (Extremadura) Oxford House (Londres, U.K.), Ondare Aretoa (Bilbao) Museo de las Américas (Miami, EEUU.) ó Maneras de hacer”: Fotografía emergente de la colección del CA2M, así como en diferentes salas y eventos en toda la península y países como, Francia, Grecia, Italia, Holanda, Alemania, Holanda, México, Argentina, Brasil, Canadá o Emiratos árabes.

Su obra está presente en colecciones como CA2M(Madrid), Museum of Americas (Miami), Palacio de La Lila (Oviedo) y Zapadores Ciudad del Arte (Madrid).

LA SOMBRA (de la violencia)

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Estos videos hablan de violencia. Las artistas –todas viviendo en China-, son valientes al salir de una tradición de silencio para denunciar la violencia ancestral en contra de las mujeres. Cada uno de estos videos señala el dolor. Desde la representación inocente a la metáfora poética, de lo surreal de la experiencia a la demostración pública.

El centro de esta serie lo conforman 4 videos de Yuan Shuling, quien ha enfocado su obra en este tema durante toda su carrera, con una narrativa que deja entrever no sólo desencanto sino una amarga ironía.

Zhang Ting y Yan Yinghong por otro lado, utilizan el performance para, desde ahí, hablar sobre distintos tipos de violencia. El lenguaje soez es representado en todo su absurdo ante la cámara, y el acoso callejero y la violación lo es ante un público.

LA SOMBRA (de la violencia) muestra un poco lo que las mujeres artistas en China ponen sobre la mesa de quienes quieran no sólo mirar, sino actuar en consecuencia. La violencia contra las mujeres es ancestral y sucede aquí y en China. Ya basta. E.R.

A través de la violencia puedo decir que estoy expresando lo que hay en mí, es una manera de conjurar ese dolor y buscar sanarme. Estoy enfocada en mí misma, en los límites de la violencia, descubrir dónde está ese borde. Y claro que esto es desde mi experiencia, pero también sé que muchas mujeres pasan por situaciones similares. En especial las mujeres chinas o asiáticas, que a veces no sufren violencia extrema sino lo que se llama violencia fría, como puede ser la manera en que se les habla o la imposición de mandatos tradicionales caducos, que no necesariamente se ejercen a través de los hombres, sino que se mantienen con la fuerza de la sociedad entera”. Yuan Shuling en conversación para Fuera del Jardín, Artistas chinas contemporáneas.

Comisariado por Elizabeth Ross

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Este ciclo FUNDIDO A NEGRO tiene como finalidad dar visibilidad al fondo de artistas que han depositado sus obras en el Centro de Investigación y Documentación del Videoarte (CIDV). El programa comisariado se proyectará mensualmente en la Sala La Fragua del Museo La Neomudéjar y contará con dos encuentros teóricos, uno físico en el Museo y otro Online, vía zoom. En él, participaran especialistas de diversas disciplinas alrededor del eje curatorial del ciclo.

 

 

Prorrogada hasta el 11 de julio.


La exposición TRAJE HUMANO se inaugurará en el Museo La Neomudéjar de Madrid el 31 de marzo del 2021. Esta es la segunda vez que dicha colección se exhibe fuera de Costa Rica, después de haberse mostrado al público chino en el Museo de Arte Mundial de Beijing.  

La obra de la artista Costarricense de origen Chino Man Yu, llega a España. Trae consigo un mensaje claro de carácter humanista e incluso podríamos decir metafísico. La obra pictórica de Man Yu, su trabajo al óleo y la técnica por momentos hiperrealista nos deja entrever una condición académica pura, la misma que reclama para los retratos que nos presenta.  

La técnica del retrato está contemplada desde una perspectiva clásica, los desnudos, los escorzos, los límites del movimiento nos sugieren una reconexión con la belleza colonial. 

No está en su técnica, la repulsa a lo impuesto, sino en la manera en la que somos expuestos como humanidad. Algunas obras son de carácter preciosista en cuanto a la técnica de óleo, aunque otras difieren con el trazo roto, aportando un contraste de lenguajes que abordan emociones diferenciales entre unas y otras temáticas.  

Traje Humano aborda desde una perspectiva de conceptualización existencial, problemáticas sociales discriminatorias, entre la xenofobia, el racismo, el sexismo, la homofobia, la discriminación por discapacidades, por imagen, entre otros tipos de estereotipos generados por las condiciones y el aspecto de los diferentes cuerpos.   

Frente al trabajo pictórico Traje Humano ha arrastrado una secuela de conflictos estéticos y de diversidad cultural como la moda, la performance, y otras acciones colectivas muy aferradas a las nuevas tendencias de los social que, a mi manera de ver, le roban protagonismo a la poesía purista de la pintura expuesta. No obstante, la hibridación con diversos lenguajes y colectivos, ha dimensionado la experiencia íntima para hacerla universal. El atisbo iniciático se deja entrever en algunas imágenes que refrendan las leyes del Kybalion sobre el “como es adentro es afuera” o como es arriba es abajo. La exposición Traje Humano, nos coloca en la posibilidad de reflexionar sobre el “dispositivo piel” que nos envuelve, pero que no nos conforma como especie, ni como raza.  

La pintura de Man Yu habla de ese viaje a Itaca, la niñez y la inocencia que a lo largo de la vida dejamos atrás y que con las experiencias vividas perdemos sin darnos cuenta. el Retorno a la Itaca de Man Yu, pasa por revisitar aquellos lenguajes que creaba en su psique aun limpia, no corrompida. Este trabajo sin pretenderlo evoca a “El Lobo estepario” de Hermann Hesse que reclama la pureza de los hombres ante la corrupción de la sociedad que los pervierte. Para la niña Man Yu, la realidad era clara, cada noche su piel era otra vestimenta añadida a la de los tejidos, podía desprenderse de ella, para sumergirse en él astral. Alguna reminiscencia de una espiritualidad pura, aflora en la mujer que ahora es Man Yu. La llave que le permite ejercer una acción cuántica y doblar el espacio tiempo, es un dibujo que pinto a sus 9 años, hallado en la visita a su casa materna. La obra que nombra esta exposición arranca en un viaje vibracional relacionado con la teoría de cuerdas, un universo que se pliega y nos retrotrae a la infancia. La pintura de Man Yu es meticulosa, bien precisa en su técnica y con ciertos trazos de contemporaneidad que les otorgan a sus dibujos esa manera de hacer y dejar sin hacer, que tan magistralmente alude a las tendencias actuales de los últimos 20 años del dibujo. Man Yu se sumerge a partir de esta idea primaria, en cada una de las capas o vestimentas que la sociedad ha ido imponiéndonos. Un anhelo por rescatar la esencia misma de las personas más allá de su contexto de raza, género o posición social.  

Manuel Díaz (Ciudad de México, 1983) presenta una selección de 6 vídeos con temática espacial realizados entre 2012 y 2020. A través de estas piezas, aborda desde una perspectiva crítica y poética la relación del ser humano con el Universo; lienzo negro en el que Manuel recoge preguntas y traza reflexiones sobre la existencia. 

Tiempo total de proyección del ciclo: 22:42m 

“Como es abajo, es arriba. El Universo se expande al pulsar de cada célula… si aprendes a escuchar y prestas atención. En Conciencia. Ser el piloto y ser la nave. Cerrar los ojos y despegar. Surcar el Cosmos inabarcable en largas inhalaciones, expandirse en exhalaciones profundas; contemplar. La observación de las formas armónicas del Universo como meditación. La interrelación de las causalidades como método de interpretación. El autoestudio como vía de creación y camino espiritual. 

Nacer y morir en cada respiración. Estrellas, planetas y galaxias que surgen y cesan para dar lugar a otras estrellas, planetas y galaxias que vuelven a surgir y a cesar. Pulsares. Big-Bangs. Polvo estelar. Cada vida terrícola es un soplo –indispensable– en la Gran Respiración Cósmica. Entre nuestro finito y el Infinito, abrazar el instante. Y ahí; aquí, ahora, sólo ser, sólo estar. 

Estas son algunas de las visiones que evocan las bitácoras de viaje espacial de Manuel Díaz. En plena neo fiebre espacial neo colonialista, los videos que aquí nos presenta, nos lanzan en busca de nuestra verdad Cósmica; más allá del azul profundo, mirar hacia dentro para reconectar con esas viejas interrogantes primigenias y trascendentes desde una conciencia crítica del presente: ¿Qué hacemos aquí? ¿Cuál es nuestra misión en este planeta? ¿Qué hay más allá de lo que pueden ver nuestros ojos terrícolas? 

Las respuestas a dichas interrogantes las tiene cada quien escritas en su ser esencial. Sólo basta levantar la mirada al cielo; imaginar. Llevarla hacia dentro; meditar. Abordar la nave que despegue hacia el Infinito y confiar en la visión. Como es arriba, es abajo. Valgan estos videos de Manuel Díaz como un llamado a la aventura para encender los motores y abrocharse los cinturones, que la Nave Va. Buen Viaje. ” Beantpal Singh Khalsa