TERCERA EDICIÓN GDC. ENCUENTRO ENTORNO AL MUNDO DE LOS VIDEOJUEGOS.
Viernes 13 de Mayo de 18:00 a 21:00
Lara Marín // Ser freelance y no morir en el intento
Palabras como declaración de la renta, IVA o factura asusta(y mucho) la primera vez que las escuchamos. Más aún cuando te encuentras recién graduadx y con unas ganas inmensas de comenzar tu vida profesional.
Siempre afirmo que no soy ejemplo de nada, ya que para mí, el no tener tiempo es algo con lo que he lidiado toda la vida y no siempre es aceptado o bien visto por las personas de mi alrededor. Hoy me gustaría hablaros de mi experiencia, ya no solo como freelance, sino como persona de a pie con muchísimas inquietudes y demasiadas cosas que aprender todavía.
Yeray Pachón// Dificultad, empatía y desempoderamiento: Diseñando contra la propia naturaleza del videojuego.
¿Por qué los usuarios se ven atraídos por experiencias difíciles, inmorales e injugables?
Hablaremos de como usar las emociones y sentimientos de nuestros jugadores para crear experiencias especiales.
MUSEO_IA
Jueves 28 Abril | 20:00
Entrada Libre
Presentación del proyecto con Ana Marcos y Alfonso Villanueva
Los Museos Provinciales recogen los objetos más destacados del Patrimonio Cultural. Sus colecciones normalmente están divididas en tres secciones: Arqueología, Bellas Artes y Etnografía. Sin embargo, el Museo de Palencia no cuenta con la sección de Bellas Artes, quizás porque en sus orígenes, la primera dotación de obras artísticas procedente de los monasterios desamortizados de la provincia no llegó nunca a formar parte del Museo. Dicha dotación, compuesta por 56 pinturas (luego 57), simplemente desapareció y se ha perdido. El proyecto quiere dar a conocer el relato una herencia que no llegó a recibirse y que por tanto no está tutelada, protegida o conservada además de relegar a la provincia de Palencia a no disponer desde sus orígenes de un lugar donde referenciar y preservar el patrimonio artístico de las disciplinas de Bellas Artes. En la actualidad, 100 años después de la inauguración oficial del museo, éste sigue sin sección de BBAA.
Reflexionando sobre este hecho, nos preguntamos ¿Se puede hacer una exposición sobre obras de arte, en concreto pinturas, de las que no tenemos apenas información, prácticamente desconocidas? ¿Cómo sería si una maquina se inventase están pinturas utilizando procesos de aprendizaje IA después de un riguroso estudio histórico sobre los datos disponibles?
MUSEO_IA propone re-materializar digitalmente la colección de pinturas desaparecidas utilizando Inteligencia Artificial ..
Votación online
Está abierto el plazo de votación online de las mejores obras. Participa en: www.aivirtualmuseum.com/vota
+ información: www.aivirtualmuseum.com
Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura y Deporte
Del 20 de Abril al 15 de Mayo
11:00 a 15:00 y 17:00 a 21:00
PROGRAMA #1
Recuerdos de un apocalipsis
Videos de Ximena Cuevas
43 minutos
Está en boga hablar de colonización en América Latina, de como han sido negados y saqueados los pueblos originarios desde los 1400s con la llegada de Colón. El otro día estuve en una conferencia donde importantes ponentes nos mostraban, una vez más, al hombre blanco mirando con su cámara a los desprotegidos, a los indígenas. Miré alrededor y en el auditorio habíamos en general mestizos, algo natural en México, allí estábamos los bendecidos por la sangre blanca pero ni un solo representante de los pueblos vencidos. Una gran pantalla agigantaba el rostro de los ponentes. Todos veíamos hacia la pantalla, no hacia la persona. Mientras se hablaba del “otro” una vez más desde un lugar de cierta superioridad nadie se daba cuenta que esa cabezota parlante en la pantalla era, es, ya un ente colonizado por los medios. El planeta FlatscreenX nos ha sometido en el Siglo XXI, nos ha despojado de nuestra individualidad, nos ha desterrado de nuestro origen.
A partir de la modernidad americanizada, de la dicha globalización, los habitantes del planeta Tierra hemos tenido que seguir modelos ajenos de vida, ocultar nuestra esencia y ser aceptados en un mundo unificado de consumo. Una vez más el gran aparato de poder nos obliga a ser quienes no somos, a adoptar formas de vida ajenas. La identidad Latinoamericana es una identidad de collage, de pegotes de diferentes culturas en el tiempo, es la identidad en la que nos sentimos cómodos en el disfraz. Las fronteras entre realidad y ficción se diluyen al ser absorbidos por el planeta FlatscreenX, un orden totalitario del que somos ya esclavos de las pantallas.
Ximena Cuevas 2022
XIMENA CUEVAS
(Ciudad de México 1963)
Desde que con dieciséis años entró a trabajar en la Cineteca Nacional de México y se “volvió adicta al olor del celuloide”, Ximena Cuevas no ha parado de trabajar con el material audiovisual. Se dedicó al cine en un primer momento (como asistente de dirección, directora artística, continuidad y doble de luces) y colaboró con directores como John Houston (“Bajo el Volcán”, 1984) o Arturo Ripstein (“Mentiras Piadosas”, 1988). Pero en 1991 decidió abandonar esta labor para dedicarse con exclusividad al trabajo en vídeo.
En su abundante videografía, que forma parte de las colecciones permanentes de centros como el MoMA de Nueva York y el Pompidou de París, explora temas como el artificio, la mentira, las relaciones entre la ficción y la realidad, la vida diaria, las emociones fabricadas, la autodestrucción como forma de religión o los rasgos de la identidad nacional (de México, “un país de colores brillantes en el exterior y blanco y negro en el interior”) y del género. “Las 3 Muertes de Lupe” (1984), “Corazón Sangrante” (1993), “Medias Mentiras” (1995), “Contemporary Artist” (1999) o “Cinépolis, la capital del cine” (2003) son algunos de sus títulos más conocidos. En ellos se mezclan el barroquismo caricaturizado del melodrama; el humor irónico que radiografía los tópicos de su país, del mundo del arte o de nuestra sociedad en general; o la complejidad de las emociones personales. En el 2016 regresa al cine de industria para editar el premiado y aclamado documental “Bellas de noche” de su hermana María José Cuevas, por el cual la nomina La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas como mejor editora. En el 2020 la Academia la vuelve a nominar por la edición de “Esto no es Berlín” de Hari Sama.
Con una mirada que se fija en los pequeños detalles y que recurre al gran bagaje de cultura cinematográfica que la avala –fruto de la pasión gestada desde cuando a los trece años vivía en París y se convirtió en una consumidora habitual de cine-, crea un universo de imágenes complejo con una estética definida y personal. Sus vídeos se sitúan en algún punto intermedio entre el documental, el aval de verdad que proporcionan las cámaras ocultas, la ficción apropiada del cine y la ficción construida precisamente a partir de la propia realidad.
Memoria, conciencia y antibelicismo frante a la escalada de la guerra en Ucrania.
Del 30 de Marzo al 22 de Mayo
Hablar de guerra en el siglo XXI solo constata como cierta la aseveración de que la estupidez humana es infinita. La guerra como sistema estructural de intervenir o hacer geopolítica no sólo no ha sido erradicada, sino que vuelve a amenazar los territorios colindantes de las grandes potencias mundiales convirtiendolos en objetivo militar para la estorsion de objetivos meramente macroeconomicos. De ahí que esta guerra nos asusta más que el resto pues amenaza nuestro bienestar primermundista. El estado del privilegio se ve amenazado, frente a las 3/4 partes del planeta que sostienen y soportan nuestro abuso sistemico de recursos para defender un statu quo.
El fuego de la guerra nos acompaña como humanidad y las banderas, estandartes y gallardetes de los estados-empresas imperialistas-extractivistas, junto a la desmemoria, son su principal combustible.
En estos juegos de guerra de señoros consumidos por las ansias de poder siempre nos encontramos con los mismos perdedores, las víctimas, quienes sufren las decisiones de los despachos y a quienes sistemáticamente se les silencian su voz. Esta exposición colectiva, aborda facetas, miradas, memorias y resiliencias frente a la guerra como sistema. La conciencia desatada de operar en un universo mental donde la interpelación a la violencia, fuera un desecho caduco que deberiamos haber erradicado.
El pasado repetido, la ausencia de voces firmes contra el belicismo, la falta de espacios de memoria, exigen reflexión ante las sociedades que vamos a construir y las lacras de una perversa manera de manejar términos y dispositivos como la patria, el territorio, la propiedad, la bandera a favor de meros dispositivos del poder economico.
El exceso, la crueldad, el abuso, la opresión, la resistencia, el patriotismo y otros términos familiares, deberían limpiarse de usos bélicos, pues aquejan el espíritu profundo de los seres humanos y utilizan resortes de exaltación donde siempre pierden los mismos. Ninguna guerra es justificable, ningún ser humano merece pasar por esa experiencia.
La vida, el arte, la humanidad no necesitan vestirse de uniformes.
DEL 30 DE MARZO AL 22 DE MAYO
MUES Lo que queda del ser
Instalación plástica y sonora de Nathalie Menant
MUES es una exploración
Cuestiona la fábrica de lo femenino, sus representaciones y su integración hasta en nuestros cuerpos y nuestras tentativas de distanciamiento.
Anima a escuchar la relación que las mujeres tienen con su cuerpo, su historia y sus heridas, revela sus resistencias y sus adaptaciones a las asignaciones y a los tópicos. Pone en escena el desfase que vivimos las mujeres entre lo que se espera de nosotras y lo que somos o sentimos que somos. Pone frente a frente lo que abandonamos para sentirnos más ligeras y lo que constituye nuestra permanencia y nuestra identidad.
"Soñé estas huellas de mujeres expuestas en el espacio público, diseminadas aquí y allá como luces en la noche. Quería deshacerme de las representaciones de lo femenino. Con paciencia y curiosidad, alisé bandas de yeso mojado sobre cuerpos de mujeres reales. Seguí sus contornos, plasmé sus respiraciones, sus latidos, como dibujando el mundo para procurar verlo y entender de qué se trata exactamente. Reiterado alumbramiento de sí, - ¿de mí? - y sin embargo siempre renovado, o retocado, a veces trabajoso o inquieto, pero siempre obstinadamente tierno.
Provoco y asisto a este cara a cara íntimo, un poco sorprendida al ver, cuando separo el molde del cuerpo y se lo presento al modelo, con qué simplicidad descubre cada una el poder y la alegría de su ser en el mundo. “¡Soy yo!” dice. Con el perfil exacto de su cuerpo que sigue la forma de un hombro o de una cadera, una curva de carne la revela a ella misma, liberada de comparación alguna.
Es. Única y singular."
MUES What remains of the being
Plastic and sound installation by Nathalie Menant
MUES is an exploration
It questions the fabric of the feminine, its representations and its integration even in our bodies and our attempts at distancing. It encourages listening to the relationship that women have with their body, their history and their wounds, revealing their resistance and their adaptations to assignments and topics. It puts on stage the gap that women experience between what is expected of us and what we are or feel we are. It puts face to face what we abandon to feel lighter and what constitutes our permanence and our identity.
"I dreamed of these traces of women exposed in public space, scattered here and there like lights in the night. I wanted to get rid of the representations of the feminine. With patience and curiosity, I smoothed bands of wet plaster on the bodies of real women. I followed their contours. I captured their breathing, their heartbeats, as if drawing the world in order to see and understand exactly what is it all about. Repeated birth of oneself -of me?- and yet always renewed, or retouched, sometimes laborious or restless, but always stubbornly tender.
I provoke and attend this intimate face-to-face, a little surprised to see, when I separate the mold from the body and present it to the model, with what simplicity each one discovers the power and joy of her being in the world. "It's me!" she says. With the exact outline of her body following the shape of a shoulder or a hip, a curve of flesh reveals her self, freed from any comparison.
Is. Unique and singular.”
MUES, Ce qui reste de l'être
Installation plastique et sonore de Nathalie Menant
MUES est une exploration.
Elle questionne la fabrique du féminin, ses représentations et son intégration jusque dans nos corps, et nos tentatives de mise à distance.
Elle invite à l’écoute de la relation que les femmes entretiennent avec leur corps, leur histoire et leurs blessures, elle dévoile leurs résistances et leurs adaptations aux assignations et aux clichés. Elle met en scène le décalage que les femmes vivent entre ce qu’on attend d’elles et ce qu’elles sont ou pensent être. Elle met en regard ce que l'on laisse, ce dont on se déleste, et ce qui fait notre permanence et notre identité
« Disséminées ça et là, comme autant de fanaux dans la nuit, j’ai rêvé ces empreintes de femmes suspendues dans l’espace public. Je voulais me défaire des représentations du féminin. Avec patience et curiosité, j’ai lissé le plâtre mouillé sur des vrais corps de femmes, j’en ai ai suivi les contours, saisi les souffles, les déploiements et les retraits comme on dessinerait le monde pour tenter de le voir et pour comprendre de quoi il retourne exactement.
Invariable mise au monde de soi - de moi ? - pourtant toujours renouvelée, comme rafraîchie, parfois inquiète ou laborieuse mais toujours obstinément tendre. Face à face intime avec soi-même que je provoque et auquel j’assiste un peu étonnée de voir, lorsque je détache l’empreinte du corps et que je la présente au modèle, avec quelle simplicité chacune découvre la puissance et la joie de son être au monde.
C’est moi ! dit-elle.
Dans la ligne exacte du corps, en suivant simplement la forme d’une épaule ou d’une hanche, une ligne de chair la révèle à elle-même déchargée de toutes comparaisons.
Elle est.
Unique et singulière. »
TALLER LA HUELLA DE LA ACCIÓN
Conducido por Ana Matey
El Taller “La Huella de la Acción” es una propuesta especial para Art House. Un taller de creación basado en la metodología creativa de la artista Ana Matey que gira en torno a tres verbos clave: caminar, recolectar y desplazar. Cada una de estas acciones nos conducen a un entramado artístico donde se conecta el impulso interno de creación con el exterior: la vivencia del trayecto, la lectura del territorio, lo encontrado, lo inesperado del mismo, etc.
Una vez al año la artista conduce éste taller, en esta ocasión se trata de una propuesta específica ligada a los tres espacios de Art House: La Neomudéjar, Zapadores y Kárstica. Cada uno de ellos nos adentra al acto de caminar como práctica artística. Un recorrido histórico que nos hace transitar del centro de la ciudad desde el Museo de la Neomudéjar a la periferia en La Ciudad de las Artes, Zapadores; culminando en la naturaleza en el Centro de Arte Kárstica. Hablaremos de Dadá y su primer paseo por París, de los Surrealistas, Situacionistas, la legendaria obra de Tony Smith, el Land Art o Earth Work entre otros.
Se trata de tres bloques donde la artista comparte su metodología además de sus investigaciones a través de lecturas de autores como Careri, Thoreau, Solnit, etc Una metodología teórica-práctica donde cada participante irá desarrollando distintas piezas ligadas a los tres verbos claves del curso, y de la experiencia de transitar cada uno de estos espacios y sus entornos.
OBJETIVOS
Se trabajarán aspectos relacionados con:
• La acción de caminar como motor del proceso creativo.
• La austeridad material como principio de creación, vaciarse de
necesidades materiales, trabajar con lo encontrado: recolectar.
• Reflexionar sobre el acto de desplazar. Acción poética y política.
• El arte de acción y el land art o earth work.
• La distintas aproximaciones y manejos de los conceptos: cuerpo, tiempo y
espacio.
• La creación desde el cuerpo y en diálogo con la arquitectura, el espacio urbano y la naturaleza.
• Valorar los diferentes tipos de comunicar una acción: en vivo, fotografía, vídeo...
• La fotoacción. Visualización, reflexión y creación.
• La videoacción. Visualización, reflexión y creación.
• Propiciar la escucha y la alerta como aspectos fundamentales del proceso
creativo.
• Acción en vivo Vs. Acción en diferido.
FECHAS Y HORARIOS. De Abril a Julio.
BLOQUE 01
3 sesiones Néomudejar/ 4h por sesión/ Total 12h/ Abr-May
23 ABRIL/ 07 MAYO/ 21 MAYO
De 11-15h
BLOQUE 02
3 sesiones Zapadores/ 4h/ Total 12h/ May-Jun
04 JUNIO/ 18 JUNIO/ 02 JULIO
De 11-15h
BLOQUE 03
3 días en Kárstica/ 8h/ Total 24h/ Jul
DEL 28 al 31 de JULIO
Muestra final como cierre del curso
TOTAL HORAS
48h
Muestra pública al final
MATRÍCULAS
Escribir un mail a matsuestudio@gmail.com
Asunto TALLER LA HUELLA DE LA ACCIÓN
Breve bio (no cv) sobre intereses y/o expectativas del curso (no más de diez líneas)
Cierre plazo de inscripción el 20 de ABRIL
Una vez confirmada la plaza se realiza el pago del curso (completo*, bloque**, etc)
Precio taller completo 200€ Socias museo 170€
Precio por bloques independientes:
Bloque 01/ Neomudéjar 90€ Socias 75€
Bloque 02/ Zapadores 90€ Socias 75€
Bloque 03/ Kárstica 168€ Socias 150€ ( El precio incluye el alojamiento en Kárstica )
Máximo de participantes 12
* El taller completo se puede abonar en dos pagos, uno al inicio y otro antes del último bloque. (100€ (Abril)+100€ (Junio)).
** En caso de acudir por bloques el pago se hace completo antes del inicio del Taller.
SOBRE LOS ART HOUSE (quizá podéis incluir algún dato más)
Red de Centros de Arte Independiente que genera redes entre los urbano, el rural y las periferias.
En lo urbano el Museo C.A.V La Neomudéjar es una histórica nave ferroviaria del s. XIX en Atocha-Madrid.
https://www.laneomudejar.com/
En la periferia Zapadores Ciudad del Arte …
https://zapadores.org
El Rural Kárstica Residencia Artístiva en el entorno de Cañada de Hoyo (Cuenca). Se trata de la antigua estación del municipio, que continua en vigencia y a la que se puede llegar desde Madrid, o Cuenca con parada facultativa a la puerta de la estación. Se trata de una edificación histórica de principios del siglo XX del arquitecto Secundino Zuazo (Premio Nacional de Arquitectura) que diseñó las estaciones de la linea Cuenca-Utiel a la que pertenece esta estación.
https://karstica.org
SOBRE ANA MATEY
Artista multidisciplinar madrileña, los medios que más trabaja son la fotografía, el vídeo y la performance. Su trabajo es una exploración profunda sobre los límites del cuerpo humano y su relación con la naturaleza, articulada principalmente a través de tres verbos clave: caminar, recolectar y desplazar.
“Mi trabajo son pequeñas investigaciones en torno a preocupaciones personales sobre el tiempo y la identidad en nuestra sociedad. Generalmente lanzo mis propias incógnitas sobre nuestra manera de vivir. Para ello empleo todos los medios que tengo a mi alcance, el primero mi cuerpo, el que siempre me acompaña, a través del cual siento y pienso el mundo…con él y a través de él inicio la investigación diaria de la vida. Construyo imágenes poéticas a través de la resistencia corporal, la ironía, la intensidad y el silencio.”
Desde el 2001 su obra se ha mostrado en museos, galerías, teatros y espacios independientes por toda España, casi toda Europa y fuera de ella en México, República Dominicana, Canadá, Marruecos, Indonesia, Japón y actualmente en Costa Rica. En lugares como la Galería Nacional en Costa Rica, el Museo Guggenheim en Bilbao, Centro de Arte FADO en Canadá, Museo Vostell en Cáceres, Museo Reina Sofía en Madrid, Galería Sesama en Yogyakarta, Iglesia San Marcos en Venecia, Cine Coliseum en Berlin, Museo de Arte Moderno en Tetuán, Teatro Universum en Helsinki, Fundación Monte Veritá en Suiza, Galería Dzialan en Varsovia, Galería Catalist Art en Belfast, etc. Ha recibido numerosas becas de creación las últimas en el Centro de Arte La Regenta (2019) y el Centro de Arte Contemporáneo Medioambiental Valdelarte (2020).
Desde el 2006 se dedica de manera paralela a la creación al ámbito de la dinamización, investigación y formación. Cofundadora de ElCarromato, Madrid (2006/10), ARTóN, itinerante (2009/14) y los actuales EXCHANGE Live Art (2012) y Neomatsu (2012). Participa periódicamente en mesas redondas, conferencias y presentaciones.
www.anamatey.com
www.exchangeliveart.com
EXCHANGE Live Art.
CELEBRACIÓN-BMAV es la primera de las actividades programadas para conmemorar, durante el año 2022, el X Aniversario de EXCHANGE Live Art. Esta propuesta ha sido una de las beneficiarias de BMAV-2022 (Bienal de Mujeres en las Artes Visuales), y cuenta con dos citas: un documento audiovisual que será compartido online durante el mes de marzo y una presentación en vivo en la Sala de Máquinas del Centro de Artes de Vanguardia LA NEOMUDÉJAR (Madrid), el miércoles 20 de abril a las 19 horas.
Para esta cita, las creadoras de EXCHANGE Live Art, Isabel León y Ana Matey, presentamos una conferencia-performance en la que homenajeamos a las 35 mujeres artistas que han participado en alguno de los más de 25 proyectos que EXCHANGE Live Art ha desarrollado durante estos 10 años, realizando sendas micro acciones basadas en sus respectivos trabajos y paso por el proyecto. Se trata de una acción creada para la ocasión, acompañada de una proyección audiovisual que ilustra la participación de todas ellas por las diferentes ediciones de EXCHANGE Live Art.
Seguidamente tiene lugar una mesa redonda abierta a la participación del público coordinada por la comisaria Nerea Ubieto, en la que están invitadas las artistas homenajeadas que puedan estar presente en dicha jornada.
CELEBRACIÓN-BMAV se enmarca dentro de las actividades programadas para conmemorar diez años de trayectoria de EXCHANGE Live Art; proyecto que investiga sobre la comunicación y los procesos creativos compartidos, partiendo del arte de acción como principal herramienta creativa. A lo largo de estos 10 años, hemos trabajado en numerosas propuestas entre laboratorios, residencias, talleres y eventos de acción en los que han participado un total de 66 artistas de diversas nacionalidades, trayectorias y generaciones.
El Museo C.A.V. La Neomudéjar tiene el placer de invitarle a la presentación del libro CUARENTENA de Pablo Siebel.
Viernes 18 de marzo 18:30. Entrada libre.
Ponentes:
Sergio Macías, Rep. Cultura Emb. Chile.
Francisco Carpio, Crítico de Arte.
Francisco Brives, Codirector Museo La Neomudéjar.
Pablo Siebel, artista.
El trabajo de Pablo Siebel es la acumulación de una suma de reglas del consciente y el inconsciente con los que el artista puede expresar lo que ocurre en el mundo que le circunda. Durante la pandemia Pablo decidió plasmar los sentimientos de su propio confinamiento en una serie de intensos dibujos en blanco y negro articulados por una síntesis de símbolos y conceptos dentro de un mundo mágico que se acerca al espectador a través de ilustraciones, personajes, animales, plantas, abstracciones y la percepción personal de este momento tan particular en la historia de la humanidad.
Sus experiencias, historias, personajes y lugares llenos de magia, van invitando al espectador a sumergirse en un viaje donde la confusión y el miedo son opacados por los poéticos y subjetivos elementos de la propia obra. La intención es construir una nueva realidad para el espectador. El artista propone en estos, en apariencia, caóticos dibujos, que no debemos sentirnos continuamente impulsados hacia el cataclismo. Este conjunto de obras hechas durante el período de total confinamiento en España no están basadas meramente en ilusiones de desencuentros, confusión o momentos de pánico. Son más bien demostraciones de una búsqueda, que puede ser quizás parcial o incompleta, basándose en la aceptación, o incluso el placer que puedan sugerir estas circunstancias, como así también en el temor a todo ello. Pero en el caos o la locura mágica de Siebel hay una cierta metodología. Él conoce y lucha con el desorden global en el escenario actual, pero ha encontrado un camino de domesticación, o por lo menos un modo de armonizar las fuerzas del conflicto, quizás no la realidad, pero por lo menos en el mundo visual donde la fantasía puede ser un sutil instrumento.
Siebel no está intentando encontrarle sentido a un universo absurdo, pero en estas imágenes, él está intentando hacernos recordar que todavía existe un lugar para los seres humanos y para el mágico mundo que nos rodea, incluyendo a la flora y la fauna, encontrando de alguna manera una realidad más apetecible. En todo caso estas construcciones visuales finalmente nos prometen un lugar de descanso y quizás de entendimiento.
En el reino de Siebel, las especies exóticas y de formas inimaginables se encuentran en completa ignorancia de la leyes irrevocables de la naturaleza. Estos personajes se entrelazan y retuercen atrapados en una selva impenetrable de animales y flores, bajo un mágico encantamiento que parece la única vía de escape de este sueño. Un juego donde uno apuesta entre la poco clara ciencia mágica o el apetito salvaje de hambrientas criaturas que solo deambulan en el torturado inconsciente de las víctimas del virus.
Como un Chamán milenario, iniciado en el mundo del espíritu animal, Pablo parece conectar profundamente con los secretos de sus criaturas y sus paisajes mágicos que quizás controlan el destino humano. Él no es un narrador de historias regionales que lo hace de un modo literal, es más bien el creador de una nueva realidad a través de sus historias. El mundo que él conoce fermenta con los potentes jugos de una intensa imaginación personal, un lenguaje visual accesiblea todos.
Para acabar me gustaría decir que la libertad es un concepto, es un estado mental… desconectado de restricciones ycreencias, de prejuicios y realidades. Libertad es romper las ataduras del pasado y el futuro y vivir los momentos presentes como si fueran eternos. Libertad es una perspectiva, un modo de ver el mundo a través de una mirada optimista que descubra la belleza de lavida y sus posibilidades, con un alma abierta al NUEVO MUNDO donde todo puede suceder.
En esta serie de obras tan particular Siebel está compartiendo con el espectador una indescriptible cantidad de libertad dentro de este proceso de confinamiento, que todos estamos padeciendo. Nos revela algunos patrones encubiertos que emergen de una proyección de nuestra natural esencia de comprensión y abren una serie de escenarios potenciales en la nueva realidad humana a la que hoy nos enfrentamos.
Marisa Caichiolo
Hacer click en la imagen o seguir este link: https://zapadores.org/zapadoras/
Danza Butoh
18 de Diciembre | 19:00** (La recogida de entradas es hasta las 18:30) | 5,00Eur
Una madrugada me desperté en otra vida. Una vida que dejé pasar hace una década. Lo más sorprendente es que me era más fácil reconocerme en mi vida paralela que en esta donde escribo temblando.
Mi dijeron que debía perdonar a mi pasado. Desde entonces me carcome la culpa de no saber cómo. ¿Y si yo fuese tú? No me elegí a mí mismo. Ni el niño elige el alboroto a partir del cual le obligan a entenderse como sujeto.
Existencias desangeladas contemplando de reojo vidas deselegidas que parpadean. Vidas deselegidas que brillan en la noche donde no soy ni niño, ni sujeto, ni responsable, ni consciente, ni culpable, ni yo. En la noche donde estoy apenas vivo, sueños de otros me estremecen.
Un museo donde las fronteras se desdibujan y el arte se filtra hasta el fondo de tus ojos. Una danza, seis cuerpos, seis solos y jardines de sueños.
--Ora Penumbra (Natividad Martín)--
Animal fruto
De sombra dada
yace atrás
vuelta
A la sombra
Siembra
Arbórea da
Vivo filo
de regreso
--En las entrañas se halla lo infinito (Laia Balaguer i Llaquet)--
En el origen, un círculo.
Que se cierra sobre si mismo.
Absoluta unidad celestial.
Y la cruz encarnó en la Tierra.
En forma. En cuerpo.
Frente a ti, un cuerpo al servicio de la verdad,
la cual solo se muestra cuando permites que la experiencia suceda.
Hoy, un cuerpo al servicio de lo simbólico.
Era absurdo buscar en las estrellas,
pues lo infinito es hacia dentro.
--Sociedad reptil. (Jesús Pardo)--
- Susurro I.
Presa ya de un futuro distópico. La dañada estructura sinóptica de una
sociedad dopaminizada al extremo provoca mutaciones en el genoma humano.
Su resultado, el homo reptilian.
Sus danzas , secretas odas a la coprofagia. Pues al abandonar la
costumbre de los homínidos de obtener B12 a través del autoconsumo de
sus heces , al no enseñar a los niños a devorar sus excrementos condenó
a la sociedad a la necesaria violencia carnívora.
Susurros...
--el : risoto (Heitiare Reus)--
Acuérdate que siempre está en un hoyo verde donde canta un río. Llenando tu boca de sus minerales y tu espíritu de su silencio. Boca abierta, tendrás frío. Naturaleza, mecerlo suavemente, y ayudarle a bailar lo que su corazón grita. Y si por casualidad te enamoras con tu luz, nunca morirás, siempre existirás en sus ojos. Ahora dime donde estas cuando te pierdas en tus memorias?
--Padecer la carne o la nostalgia de la memoria. (Celia Reyes)--
Esto trata solo de estirar partes del cuerpo en direcciones opuestas, de impulsos de la mano izquierda, de cuchillos en la arena, de diafragmas con dolores emocionales, de torsiones horizontales, de intentar desplazarse, de la dejadez, de la nostalgia, de la tensión y de las apneas.
Esto son muchas cosas y a la vez aún no se cuáles. Es una descripción, sin embargo también múltiples paisajes.
Aquí, en esto, sola, solo me dispongo a padecer lo de mi madre.
--Un otro proceso de… (Elena Arroyo)--
Hay algo profundamente conmovedor en ese tenaz intento, de parte de un ser exento de poder, a sustraerse al poder bajo todas sus formas. Obstinación y metamorfosis. Sobre K. y F. y algo de E.
19 de Enero de 2022 al 13 de Marzo
EL BOSQUE DE LAS MUJERES OLVIDADAS
"-Con “El bosque de las mujeres olvidadas” quiero poner luz e imagen al gran papel que han tenido en la historia y que tienen hoy en nuestras vidas las mujeres-"
Este bosque lo conforman 21 esculturas porque estamos en el siglo XXl y son la representación de 21 arquetipos. No son un recuerdo de mujeres en concreto, ni de ninguna mujer en particular, es un bosque abstracto, un homenaje a la mujer en general.
El proyecto arranca con una escultura inspirada en el primer ejemplo escrito de un hombre que dice a una mujer que se calle. En "La Odisea" de Homero, Telémaco dice a su madre Penélope: “ madre mía vete adentro de casa y ocúpate de tus labores propias, del telar y de la rueca...
Esta exposición quiere ser otro granito de arena en favor de la búsqueda de justicia y reconocimiento de la mujer.
THE FOREST OF THE FORGOTTEN WOMEN
The work of Pablo Siebel reflects on pain, silence, loss and horror. His work delves into the subconscious, releasing memories and unconscious battles. It is made up of three large blocks, The Forest of The Forgotten Women, THE COVID and The Children's Limbo. An atoll where Siebel opens up like a crater that expels a reflexive magma, about intimate contexts of losses in his childhood, and universal visions about territories, absences and the necessary dignification of half of the world's population constituted by women.
This exhibition moves from the reflection on the role of women in society, the historical absence and discrimination of the recognition of women as part and all, to the drift of consequences that COVID has left us in recent years.
His work navigates in a drift between continents, affections and nostalgia where women are family companions and transforming subjects. This journey through his work gives us his personal way of situating himself in a universal present, totemic and intrinsically linked to the shamanic territory from which a large part of his imagery emanates. This project began to be developed in 2016 where he painted a large canvas without knowing where this work would take him.
Siebel has always wondered why women are mistreated and ignored, forced to work, support the family, with little recognition for their work or financial compensation.
-“With ‘The Forest of The Forgotten Women’ I want to put light and image to the great role that women have had in history and that women have today in our lives”-
This forest is made up of 21 sculptures because we are in the 21st century and they are the representation of 21 archetypes. They are not a memory of women in particular, nor of any woman in particular, it is an abstract forest, a tribute to women in general.
The project kicks off with a sculpture inspired by the first written example of a man telling a woman to shut up. In Homer's "The Odyssey", Telemachus tells his mother Penelope: "My goodness, go inside the house and take care of your own work, the loom and the spinning wheel…”
This exhibition pretends to be another small token in favor of the search for justice and recognition of women.
Muestra de resultados de la residencia artística realizada en Kárstica
Domingo 10 Oct 12:30 - Entrada Libre
Mesa de reflexión sobre los procesos artísticos en el rural desarrollados por Juan José Alfaro en Kárstica Espacio de Creación. Experiencia, entorno, naturaleza, mapa sonoro e intervenciones efímeras. La residencia ha sido posible por el acuerdo entre la red ArtHouseSpain, Centro Cultural de España en Costa Rica y la tramitación por concurrencia pública en territorio Tico.
Kárstica es el espacio de residencias artísticas del Museo La Neomudéjar en el entorno riral de Cañada del Hoyo (Cuenca)
14 de julio al 12 de septiembre.
Prorrogada hasta el 10 de Octubre.
La obra de Yuniel Delgado, parte desde una introspección visceral hacia los continentes en deriva de su propia corporalidad. Su condición personal le obliga al rescate constante, una pulsión armónica a la que inyecta dosis milimetradas de simbología y superación para equilibrar las fuerzas y la química pasional de su produccion pictórica.
Pese a la primera impresión que arroja su universo, su mensaje esta cargado de un positivismo y un anhelo constante a huir del conflicto, desarrollando una traslación de su psique al lienzo donde desborda la técnica para entrar en el lenguaje de creación pura sin cortapisas. RENACER, es el universo del fénix, un cúmulo de batallas violentadas entre la obra política y la transhumanidad que abordan una necesaria salida hacia la vida .
Yuniel Delgado devora un imaginario convulso siempre en pos de una superación que recoja los desafectos y la voracidad de una sociedad con la que difícilmente puede conciliarse un anhelo de ausencia del conflicto, desde su pintura monocromática hasta la fotografía como medio, ejecuta un discurso que abra puertas hacia una sanación. Las temáticas que aborda, operan en una narrativa disruptiva entre una interpelación a la estética libre y una disconformidad con el soporte que por momentos transita del lienzo a la fotografía, del retrato a la instalación o incluso la performatividad del gesto. La superación en la obra de Yuniel Delgado, es un recorrido sin concesiones a un escaparate conflictuado, de retratos entre lo íntimo y lo público, entre una obra trascendente de sublimación de lo humano, hasta el anuncio de un transito transhumanista donde la vorágine de las políticas del poder, dan paso a un desmembramiento social que anticipa un tiempo distópico para las sociedades de un futuro inmediato.
Bio_
Yuniel Delgado Castillo (La Habana, 1984)
Artista visual cubano que actualmente reside en Madrid y es considerado como el enfant terrible de la nueva pintura cubana. Graduado con honores por la Academia de Bellas Artes de San Alejandro (2011), en la especialidad de pintura, logró asentar un crédito de prestigio en el panorama de arte cubano, dentro y fuera de la isla. Sus principales virtudes son la honestidad y la pasión con la que se enfrenta a la pintura y al acto mismo de pintar. Quienes le conocen puedan dar de una subjetividad volcánica e increíblemente prolija que no cesa de trabajar y producir grandes obras en todo momento.
Su carácter inquieto y su predisposición afectiva hacia el medio, le han convertido en un artista tremendamente versátil y muscular. De ahí sus constantes exploraciones en el ámbito de diferentes técnicas, soportes y lenguajes como el grabado, la escultura, la instalación y el dibujo, siendo la gramática de la pintura donde hace alarde de todo su poderío. Desde los inicios de su carrera y hasta la actualidad ha hecho evidente su vocación por los grandes formatos, lo cual ha tenido su impacto en la prefiguración de importantes proyectos murales, instalativos, incluyendo la escultura ambiental y hasta algún que otro gesto de carácter performático que certifican su compromiso y los niveles de complicidad con el hecho estético en sí, más allá, incluso, de cualquier aprobación social.
Manifiesta, desde siempre, una libertad extrema durante (y frente) el proceso creativo que le lleva a una gran emancipación y le coloca en una zona de confort ético y emocional para consigo mismo. La espontaneidad es, sin duda alguna, es una de sus fortalezas al tiempo mismo que se convierte en clave axiomática para comprender su metodología y forma de trabajo. La mayor parte del tiempo -o casi siempre- prescinde de bocetos o de ideas previas para puedan entorpecer esa relación de limpieza (no contaminada) que se traba entre el acto de hacer y el lienzo en blanco. Como al resto de los artistas le guía la obsesión por la búsqueda de un estilo propio, ensanchando los límites clasificatorios y reduccionistas del arte en general, para dispensar una producción genuina, sensible y verídica. Algo que sin la menor duda ha conseguido con gran esfuerzo y una tenacidad poco menos que envidiable.
Apenas siendo un estudiante de la afamada Academia, realizó su primera exposición personal en el Centro Pro-Danza en 2006, llamando la atención de la crítica por la apariencia irreverente de su obra. En el año 2013 viajó a los Estados Unidos como parte de una exposición colectiva realizada en la Aicon Gallery de Nueva York. Coincidiendo con esta muestra llevó a cabo otras presentaciones hasta que se traslada a Boston para abrir estudio como artista. Muy a pesar del éxito y los proyectos, la inclemencia del clima le obligó a asentarse en el sur de la Florida, donde inauguró su propio taller-galería en diciembre de 2014. Tuvo la gran suerte, por esas fechas, de haber sido nominado para el programa de becas y comisiones de la fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) en Miami. Asimismo, ha sido galardonado con programas de residencias y exposiciones colectivas en Napoly, Italia, en 2016, en el Museo Pam, y en Chopehenaghen, Dinamarca, en 2019. Además, ha impartido conferencias sobre su arte en la Galería de Arte Roberson de la Universidad Estatal de Pennsylvania. Participó en varias ocasiones en subastas y ferias de arte como las de Florencia y Dinamarca. Su obra se haya en colecciones públicas y privadas, especialmente en Alemania, Estados Unidos, Canadá, Italia, España, Rusia, Portugal, Luxemburgo, Costa Rica, en otros países de Europa, Asia y Latinoamérica.
Rosella Matamoros
13 Octubre 2021 - 16 Enero 2022
La obra de Rossella Matamoros desarticula las lògicas del patriarcado, centrando sus procesos de investigación sobre la figura de la mujer. Su obra sincrética y abstracta parte de la performance como herramienta técnica del proceso creativo. Es la profundización sobre temáticas que abordan desde prismas muy diversos, el universo de las mujeres. El arte político que representa Matamoros contrasta con una panorámica territorial en su Costa Rica natal, ausente de denuncia artivística, no así con el espectro genérico Centroamericano donde su obra de postula a la par de otros grandes hombres del Arte contemporáneo.
Es la obra de Rosella bebedora del primitivismo, su trazo firme revela un carácter contundente a la hora de ahondar sobre temáticas de denuncia, injusticia social o de violencia contra las mujeres. En sus procesos rituales de conexión con la ancestralidad aparecen manos, pies, huellas de un camino que apela a la necesidad de reconectarnos con lo primigenio. Su centro de acción es el cuerpo, el mismo que pone en sus performances con las que parte su proceso como un interrogatorio a la sociedad. Sabes eso? Lo has escuchado? Lo has sentido? …la pregunta como fórmula de profundización, como toma de conciencia, de proceso de liberación y reconexión con lo íntimo, con lo personal. Su paleta de colores oscila entre el siena, el negro y el blanco, una deriva que conecta con la tierra, la sangre y la certeza.
NATALIA AUFFRAY
13 Oct 2021 - 16 Enero 2022
Esta exposición aborda un universo complejo que recorre lo familiar, lo intimo y lo social. La tradición feminista del arte atraviesa la obra de Auffray de manera directa, su investigación con el textil, con la naturaleza de los objetos cotidianos, lo personal, lo familiar, lo íntimo abarcan un plano general donde es necesario separarse, tomar distancia y observar. Tiene la obra de Natalia Auffray un estimulo a la inteligencia, una necesidad de operar con la física de los volúmenes y la poética del lenguaje. Nada esta totalmente concluido, todo pudiera ser ….o no, dejando un campo abierto a la imaginación, y aun así, lo cierto es que cada pieza, cada escultura o cada instalación operan desde una autenticidad muy personal que las hace inconfundibles y literalmente bien asertadas.
Natalia Auffray ha desarrollado una habilidad para la timidez, su obra define por un lado el lenguaje contemporáneo/conceptual que le corresponde por ubicación espacio/tiempo y por otro la capacidad de atesorar en un gesto creacional un universo feminista que conecta con la tradición del textil, de la hiladura y los materiales. En esta exposición vamos a poder recorrer un periodo amplio de sus trabajos que van desde la pintura, la escultura textil, o la instalación que se comunican con la psique personal de la artista, sus pensamientos, reflexiones o temáticas que le atraviesan como mujer en un mundo operado por la masculinidad y donde lo sensible tiene pocos adeptos. Es la obra de Auffray una obra vieja para un tiempo nuevo, una obra inacabada en espera de un contenedor que la valide, la certeza de un lenguaje en espera de traductora y una singularidad vulnerable que pide a gritos un espacio de libertad para expresarse sin juicios absurdos. Abordar lo intimo es un acto de valentía, de empoderamiento que esta artista lleva en el ADN de su obra. Sumergirnos en la sensualidad de sus trabajos, nos reconectará con la naturaleza, con el origen, con la tierra.
I CONCURSO NACIONAL DE PERFOMANCE - MÉXICO
Del 3 de Noviembre al 1 de Diciembre
11:00 - 15:00 y 17:00 a 21:00
Coordinadora Celeste Flores Torres
La organización HORASperdidas desde su fundación en el 2008 ha contribuido al quehacer cultural mediante su plataforma de gestión, difusión e investigación del performance y el arte acción en los espacios públicos, en los cuales se ha desarrollado una relación entre espacio, tiempo y movimiento, ejes centrales de la plataforma para artistas emergentes y consolidados, durante cada emisión se hace una convocatoria internacional con el único objetivo de traer a los artistas más representativos del performance a la ciudad de Monterrey, permitiendo una convivencia entre artistas, estudiantes, maestros, investigadores y público general en los espacios públicos en donde los artistas accionan durante una semana. HORASperdidas a través de Directora Celeste Flores Torres ha permitido que sesenta y cinco artistas de diecisiete países hayan realizado actividades performativas en el Museo de Historia Mexicana, el Museo Metropolitano, Escuela Adolfo Prieto, Galería Regia, Explanada de los Héroes y Alameda Mariano Escobedo se hayan convertido en un espacio para que miles de espectadores puedan apreciar este arte.
Es en este sentido que se realizó un proyecto para el PADID 2019 para llevar el performance a la periferia de Nuevo León, en un intento por descentralizar el público que ha sido parte importante de la trayectoria de HORASperdidas durante doce años. La convocatoria de TIMEOUT tenía como principal objetivo llevar a los artistas seleccionados a cinco municipios de Nuevo León, Santiago, Allende, Linares, Montemorelos, Galeana y Monterrey, en un intento por llevar el performance hacia otros escenarios naturales y activar mediante acciones artistas y habitantes de cada sede.
Sin embargo, el Concurso TIMEOUT se vio afectado por la crisis del COVID19 impidiendo que se llevará a cabo en los espacios públicos y que los artistas arribaran desde sus ciudades de origen al Estado de Nuevo León. El resultado de la modificación de los objetivos y el planteamiento de las piezas de los artistas seleccionados fue esta muestra, la cual fue proyectada por primera vez el trece de marzo de 2021, un año después de la salida de la Convocatoria original, el trabajo curatorial fue realizado por la Coordinadora General de TimeOUT, en conjunto con los jurados, Luis Escalante director de la Escuela Adolfo Prieto CONARTE, Francisco Godínez Subdirector de Exposiciones del Centro Cultural Tijuana CECUT y Ever Rodas Director de Festival Internacional de Performance Forma y Sustancia quienes evaluaron las propuestas en dos etapas, durante la Convocatoria para espacio público y en la adaptación del Concurso en Videoperformance. La primera emisión de TimeOUT presentó en redes sociales y en el canal de Vimeo de la Red Mexicana de Performance a los diez artistas seleccionados.
Artistas Seleccionados
Esmeralda Espinosa López (Querétaro)
Mayte Esparza (Aguascalientes)
Fina Ferrara (Nuevo León)
Luz del Carmen Magaña (Querétaro)
Yolanda Benalba (CDMX)
Edgar M Vega (Nuevo León)
Lorena Barrera (Yucatán)
Renard (Nuevo León)
Lola Meléndez (Jalisco)
Perra Fiucha (Baja California)
Coordinadora General
Celeste Flores Torres
Proyecto beneficiado a través del Programa de Apoyo a la Docencia, Investigación y Difusión de las Artes PADID 2019 del Centro Nacional de las Artes CENART, avalado por la Escuela Adolfo Prieto, CONARTE en Nuevo León, México.
XVII Festival de cine el Ojo cojo Pase 10 Museo La Neomudejar
Domingo 21 de Noviembre // 19:30
Sebastienne
José Alberto Andrés Lacasta
2012 // 13:00
SINOPSIS: Sebastienne trabaja como conservador de patrimonio en el Palacio de la Aljafería (Zaragoza). Entonces la llegada de un misterioso grabado sobre el Martirio de San Sebastián a su nombre lo transporta a un estado onírico de ensoñaciones muy cercanas a la realidad. Desde allí empieza a recrear de una manera muy particular episodios de la vida del viejo mártir gracias a los cuales lucha por dirimir su identidad sexual invadida por un devastador sentimiento de culpa.
Memorias Olvidadas
Marta Arjona Blasco, Maite Blasco Pérez
2021 // 10:00
“Memoria de las Olvidadas” es una producción de videodanza que rinde homenaje a las mujeres que murieron en el convento-prisión de las Oblates de Tarragona a causa de las duras condiciones carcelarias y a la única mujer fusilada en la ciudad durante la represión franquista. La obra pretende mantener vivo y documentar el recuerdo de estas mujeres a través de los testimonios sobre sus vidas y su estancia en prisión, antes de ser enterradas en una fosa común del cementerio de Tarragona.
La Radio
Carlos Novella
2021 // 14:00
Un tendero intenta salvar la radio que le ha acompañado durante prácticamente toda su vida. En este sentido la película tiene la sencillez y la eficacia de una parábola. Como consecuencia de la imposibilidad de reparar una vieja radio se convierte en una derrota personal, incluso nacional, incluso civilizacional. El consumismo como prerrogativa única del progreso, el pasado almacenado como pieza de colección en un museo. La vejez reducida a la soledad: tantos temas relevantes visitados por un enfoque realista y documental de la vida cotidiana de las calles de Caracas. Su peregrinaje por las calles en busca de una solución le enfrenta a una ciudad que ha aceptado la desaparición de formas de vida y la pérdida de escenas del pasado en la memoria.
Navras
Marco Huertas
2020 // 15:00
Un tendero intenta salvar la radio que le ha acompañado durante prácticamente toda su vida. En este sentido la película tiene la sencillez y la eficacia de una parábola. Como consecuencia de la imposibilidad de reparar una vieja radio se convierte en una derrota personal, incluso nacional, incluso civilizacional. El consumismo como prerrogativa única del progreso, el pasado almacenado como pieza de colección en un museo. La vejez reducida a la soledad: tantos temas relevantes visitados por un enfoque realista y documental de la vida cotidiana de las calles de Caracas. Su peregrinaje por las calles en busca de una solución le enfrenta a una ciudad que ha aceptado la desaparición de formas de vida y la pérdida de escenas del pasado en la memoria.
Al- Sit
Suzannah Mirghani
2020 // 20:00
En una aldea de cultivo de algodón de Sudán, Nafisa, de 15 años, está enamorada de Babiker, pero sus padres han concertado su matrimonio con Nadir, un joven empresario sudanés que vive en el extranjero. La abuela de Nafisa, Al-Sit, la poderosa matriarca del pueblo, tiene sus propios planes para el futuro de Nafisa. ¿Pero puede Nafisa elegir por sí misma? Esta es una historia de Sudán sobre mujeres, tanto impotentes como poderosas. En muchas aldeas sudanesas, la matriarca es venerada y respetada y gana poder social a través de la experiencia y la edad. Las chicas jóvenes, por otro lado, son las más vulnerables. Esta película explora ambos extremos de la cadena social y cómo estos roles podrían estar cambiando en un mundo en proceso de modernización.
VUELVE GDC. ENCUENTROS ENTORNO AL MUNDO DE LOS VIDEOJUEGOS
26 de Noviembre de 2021 de 18:00 a 21:00
Con el apoyo de
